Salento Poesia

Per Rina Durante a Seseno

2011-12-27T10:58:00.002+01:00

di Luisa Ruggio

Per tutta la vita, Rina Durante sognò di tornare sull’isola di Saseno. Ci provò a lungo a mettere di nuovo i piedi sul suolo del suo passato, della sua infanzia per l’esattezza. Acquattata nelle acque della sua memoria, quell’isola albanese si è ingrandita, fino a diventare un mito. Immaginate che cosa deve essere stato vivere su un’isola abitata soltanto da militari, praticamente deserta, negli anni Trenta. Non so se avete presente un’atmosfera del genere, uno spazio ritagliato via dal mondo, intorno soltanto una geografia marina, l’eco che ne deriva si cristallizza in un immaginario magnifico. E’ uno di quei frammenti biografici che sembrano inventati da un romanziere, e invece è proprio vero. Su quell’isola, di fronte alla baia di Valona, all’imbocco del Mare Adriatico, la scrittrice salentina Rina Durante imparò a leggere e a scrivere; fu sua madre a istruirla, le sue sorelle, invece, studiavano per corrispondenza, non c’era altro modo. Se questo fosse un film, potrebbe cominciare con un piano sequenza lento: il rettangolo delle finestre di una casa illuminata internamente dall’albore dei lumi, mentre sull’isola cala la notte. Chi ha conosciuto Rina Durante sa che quando lei raccontava la sua infanzia a Saseno, prestava la sua mimica al vento per dire gli alberi oppure le distese di ginestre o ancora la visita inattesa di un marinaio che, per un momento, mandò all’aria la solitudine delle sue sorelle, improvvisamente prese dalla voglia di passarsi un filo di rossetto sulle labbra. E se questa storia da sola non bastasse, eccone un’altra: ad anni di distanza dalla scomparsa di Rina Durante (il 26 dicembre del 2004), la fotografa e regista salentina Caterina Gerardi si è messa sulle sue tracce e ha ripercorso, pronta a filmare, la strada d’acqua che da Valona porta a Saseno. Lo ha fatto perché ha deciso di trasformare in un progetto il desiderio mancato della Durante. Si tratta di un docu-film e un libro, in lavorazione, in grado di dire la stagione estrema di una grande voce del nostro Novecento, ancora non adeguatamente conosciuta. Così, l’isola di Rina è diventata l’ossessione di un’altra Caterina (la Gerardi, per l’appunto), che dal Salento è partita – dove la scrittrice tornò insieme alla sua famiglia, per stabilirsi a Melendugno, a ridosso della seconda guerra mondiale – dopo aver inseguito per tre anni la concessione del permesso per visitare Saseno due volte. Un viaggio necessario per capire, fino in fondo, chi era quella bambina che, una volta finiti i libri a disposizione sull’isola, cominciò a covare l’idea di scrivere. Hanno questo di bello le idee, che quando sono buone ti portano lontano e poi attirano in quel punto, come magneti, anche alcuni altri che incontri. Caterina Gerardi non ha resistito a quel richiamo, si è lasciata guidare, per così dire, giocando a moscacieca con i ricordi di Rina Durante. “Il progetto è una promessa fatta a me stessa. Dovevo andare in quest’isola che lei raccontava; volevo ripercorrere le sue tracce d’infanzia, ho chiesto per tre anni il permesso all’Ambasciata italiana in Albania, loro rinviavano di continuo. E’ stato molto difficile. Si tratta di un’isola che per gli albanesi resta un sogno, - spiega la Gerardi - dopo aver ottenuto l’autorizzazione, sono partita con Ada Donno che sta curando il libro parallelo al docu-film. La seconda volta sono tornata a Saseno per filmare, con me c’era anche la giornalista Rosella Simone, una delle firme che ho deciso di coinvolgere in questo progetto. La Marina Militare ci guidava sull’isola, il luogo negli anni si è trasformato. Nel 1930 non c’era niente a parte gli alloggi per i militari, dopo cinquant’anni di regime le cose sono cambiate.” Pia, la sorella novantenne della scrittrice Rina Durante, ha raccontato a Caterina Gerardi tutto quello che ricorda della casa sull’isola, una sorta di cartografia dello spirito affidata alla bussola della regista che custodisce, come Pollicino, una mappa soltanto pensata, utile per ritrovare la strada di casa. “Attraverso i racconti di Pia, mi sono fatta un’idea mia di come quella loro casa d’infanzia poteva essere. Sull’isola, ho cercato di mettere insieme i pezzi di un mosaico fatto di storie e memorie. Ho cercato una casa con caratteristiche particolari: doveva traguardare la discesa che portava al Comando dove lavorava il padre di Rina Durante che, negli anni Trenta, a Saseno, era il Capoposto. E poi dovevo individuare anche una scorciatoia per arrivare al mare. Dopo tanto cercare, credo di averla trovata, ho adottato quella che secondo me è stata la casa di Rina Durante.”

Caterina Gerardi, a Saseno, ha cercato di filmare il più possibile, nel libro che accompagnerà il docu-film, ci saranno anche i testi scritti dalla Durante sulla sua parentesi albanese. “Nel 1980, Rina fu mandata in Albania dal Sindacato dei Giornalisti, in quell’occasione tentò di tornare sull’isola ma non ottenne il permesso.” Viene da pensare che, forse, anche per questo, la Durante si metteva spesso alla guida della sua barca per prendere il largo. Saseno, infatti, è nel Canale d’Otranto, certe volte si vede anche ad occhio nudo dalla costa salentina. Stasera, a Melendugno, la Cooperativa che gestisce la Biblioteca – Centro Studi dedicata alla Durante, ha deciso di ricordarne l’anniversario della scomparsa con una serata ricca di testimonianze, sarà proiettato anche il filmato firmato dalla Gerardi e che fa il verso all’opera della scrittrice e giornalista salentina, “Come farò a diventare un mito”.

La tenacia di Caterina Gerardi non può passare inosservata, alla fine la sua ricerca dell’isola l’ha portata in riva alla stessa Rina Durante. La regista tornando dal suo viaggio, infatti, ha scoperto che: “L’isola le assomiglia e lei assomigliava all’isola, per via della difficoltà di scoprirla, per la bellezza delle cose essenziali, il mare, la luce, la vegetazione. Questa sensazione di libertà che la attraversa come un vento che entra in ogni cosa. Alla fine di tutto, per me l’isola è Rina. L’isola è il suo ritratto”.

La poesia del meno che niente di Uccio Giannini

2011-12-26T12:52:00.001+01:00

Poeti Uccio Giannini

Domani mercoledì 28 dicembre 2011, alle ore 18.00, presso il Museo “P. Cavoti” di Galatina, l’Università Popolare “Aldo Vallone” presenta il volume di poesie di Uccio Giannini, Pindinguli, Zaranguli e Scisciariculi, a cura di Gianluca Virgilio, Edit Santoro 2011. Letture di Gregorio Caputo. Pubblichiamo in questa pagina una riduzione dell’Introduzione al volume.

Il matematico poeta

Gianluca Virgilio

Uccio Giannini, Pantaleo per l’anagrafe, è nato il 23 febbraio 1928 a Galatina, dove è morto il 4 settembre 2010, all’età di ottantadue anni. Primo di dieci fratelli, il padre commerciante di biciclette, la madre casalinga, si è maturato presso il Liceo Classico “Pietro Colonna” di Galatina ed ha poi conseguito l’8 aprile 1960 la laurea in Matematica e Fisica presso l’Università degli Studi “Federico II” di Napoli. Si è sposato il 23 aprile 1962 con Maria Teresa Carrozzini, con cui ha vissuto per quarantotto anni, unito dall’amore reciproco e per la figlia Simona. Ha insegnato Matematica nelle scuole locali, divenendo preside dell’Istituto Industriale di Galatone.

È strano come i termini essenziali di una vita possano essere racchiusi in così poche parole, che dicono tutto e non dicono niente. Le opere di uomini, che in vita si affaticarono tanto, sembrano consumarsi e disperdersi alla loro morte, e di esse sembra non rimanere più nulla.

Ma Uccio Giannini non fu solo quello che si è detto. Egli fu anche un poeta, poiché seppe rappresentare con simpatia e grande umorismo un passaggio epocale della nostra società, dalla civiltà contadina a quella consumistico-industriale, e tutto questo da una posizione periferica, quale poteva offrirgli una cittadina come Galatina, piuttosto lontana dai grandi movimenti letterari moderni.

La poesia per radio

Giannini non fu un letterato di professione e dunque non ebbe mai la boria del letterato, fu semplicemente un uomo che i familiari e gli amici amano descrivere – ad essi mi affido, non avendolo mai conosciuto di persona - come una persona tranquilla, amante degli scherzi e della convivialità, col culto dell’amicizia, entro cui concepiva il gioco poetico; un gioco che seppe condurre con agilità e leggerezza, senza mai cadere nel pedantesco e senza mai perdere di vista il fine e il destinatario per cui scriveva: divertire una comitiva di amici e di parenti, oppure un pubblico di concittadini, che nelle sue poesie vedeva rappresentato e deformato satiricamente il proprio mondo e la propria vita. Molti ricordano nei primi anni Ottanta le trasmissioni radiofoniche di "Radio Orizzonti Activity", la domenica mattina, quando, dopo la messa, Giannini si divertiva a far ridere gli amici che, accesa la radio, seguivano da casa i suoi mottetti dialettali, che poi avrebbero avuto la loro continuazione in famiglia, a tavola, come sano condimento del pranzo domenicale. La convivialità delle riunioni di famiglia nei giorni di festa, un compleanno, una ricorrenza religiosa, una cena con gli amici, è la cornice entro cui è nata la poesia di Giannini. Una poesia, dunque, con un destinatario preciso, il parente, l’amico, il concittadino, chiamato alla spensieratezza di un’ora, che avrebbe riso delle sue facezie e con lui si sarebbe divertito, prima di ritornare, come Giannini, alle serie occupazioni di ogni giorno.

La produzione poetica

Tra il 2002 e il 2003 Uccio Giannini raccolse alcune sue poesie in due fascicoli, intitolati «Pindinguli e Zaranguli» e «Scisciariculi».

«Pindinguli e Zaranguli» contiene tredici poesie datate tra il 1979 e il 1999 e disposte in ordine cronologico. «Scisciariculi» contiene trentatré poesie, datate tra il 1979 e il 2002, anche queste datate e disposte in ordine cronologico. I due fascicoli sono stati trascritti al computer su commissione di Giannini, secondo la testimonianza della moglie. Ciascuna raccolta è seguita da un elenco dei titoli delle poesie (l’elenco della prima raccolta è scritto al computer, quella della seconda è autografo). La famiglia di Uccio, inoltre, ha rintracciato tra le sue carte altre dieci poesie, scritte a macchina. Di queste poesie solo «L’arvulu de Natale» e «Consigli a nu fiju» sono datate, rispettivamente 1983 e 1991. Forse a Giannini non passò mai per la testa di pubblicare l’intero corpus delle sue poesie, cui dava – o almeno sembrava dare – scarsa o nulla importanza. Per questo forse definì le sue poesie in dialetto galatinese (lo sono quasi tutte, eccetto pochissime in lingua italiana, che si contano sulle dita di una mano) "Pindinguli", "Zaranguli" e "Scisciariculi".

La poesia è "meno che niente"

"Pindingulu" vale per il Rohlfs (ad vocem) frangia, pendaglio, ossia ciò che è inutile, a cui non si assegna alcuna funzione essenziale, ornamento di cui si potrebbe fare a meno (...). Nell’accezione in cui viene comunemente usato l termine ha valore negativo, come accessorio di poco conto, orpello inutile, ecc. Giannini lo usa, oltre che nel titolo, una sola volta, in un testo del 1983 dal titolo «L’arvuru di Natale», dove i "pindinguli" stanno ad indicare degli addobbi che si appendono all’albero di Natale. Sul termine "zaranguli" il Rohlfs non mi è d’aiuto e neppure il Garrisi (Dizionario Leccese-Italiano): entrambi non riportano la voce; ma a Galatina è conosciuta la voce "zarangu", usata nell’espressione "Nu n’aggiu ssaggiatu mancu zarangu", che vale "Non ho mangiato neanche niente". "Zarangu" è un "niente", e "zaranguli", il suo diminutivo, è un meno che niente (Piero Vinsper docet). Il titolo "Pindinguli" e "Zaranguli" nell’insieme varrebbe "pendagli e cose da nulla", una sorta di dittologia con cui il poeta ha voluto designare la materia dei suoi versi.

Il secondo titolo, "Scisciariculi", significa propriamente fiori di camomilla (si veda anche qui il Rohlfs, ad vocem), una pianta molto comune nelle nostre campagne, che vale poco a causa della sua facile reperibilità e abbondanza. In senso traslato, il termine è usato per indicare oggetti tanto comuni da non avere alcun valore (vedi la frase dialettale: "Ce bbindi, scisciariculi?", "Cosa vendi, merce senza valore?"). Pure questo termine non compare nelle poesie, se non nel titolo di uno dei due fascicoli. Credo che dal significato dei titoli che Giannini volle dare alle sue poesie emerga chiaramente la volontà del poeta di presentare il suo lavoro in modo semplice e dimesso, come un "corpus" di composizioni di poco conto e senza valore.

Poesia son le cose

Indubbiamente, diminuire il tono della propria poesia può essere un buon modo per captare la benevolenza del lettore-ascoltatore, per avvicinarlo alla poesia. In essa i protagonisti sono gli oggetti spesso desueti della nostra quotidianità o di quella dei nostri padri. Questi oggetti e strumenti, ma possono essere anche piante e animali, ci parlano di se stessi e ci raccontano la loro storia proprio nel momento in cui essa è definitivamente conclusa, cioè quando essi sono resi inservibili dalla comparsa di una nuova tecnologia oppure di nuove usanze e modi di pensare indotti dalla modernità. Si pensi alla poesia «Lu Stricaturu», nella quale assistiamo ad un dialogo serrato tra un ormai consunto "stricaturu", ovvero l’asse su cui le donne lavavano i panni, e la moderna lavatrice; oppure alla poesia «La presunzione», nella quale discutono un plebeo "zangone" e una nobile "cicureddha", con la rivincita finale dello "zangone"; e ancora il dibattito tra la lancetta dei minuti e quella delle ore in «Le lancette dell’oruloggiu»; e in «Na busta dicìa», dove appunto prende la parola una busta per lettera; e «L’apparenza», in cui gareggiano in superiorità un pozzo e una cisterna; e in «Dignità e superbia», dove la disputa è tra il vecchio cavallo e il nuovo trattore; e gli esempi potrebbero continuare.

Giannini utilizza in tutti questi casi una figura retorica che i professori chiamano prosopopea o personificazione, consistente nell’ animare l’inanimato, ovvero nel dare la parola agli oggetti, alle piante e agli animali che naturalmente ne sono privi. Le cose desuete sembrano svegliarsi dal torpore in cui la nostra incuria le ha confinate e prendersi la rivincita nei confronti degli uomini, ridotti per una volta al silenzio. Gli oggetti, le piante, gli animali, come nella favola antica, nella poesia di Giannini parlano, ma non contro gli uomini, ma degli uomini e per gli uomini. Così, per riprendere gli esempi su menzionati, raccontano l’avvento del nuovo e rimpiangono l’antico (la lavatrice e lu stricaturu ne «Lu stricaturu»), stigmatizzano la presunzione di chi crede di essere nobile e superiore agli altri (la cicureddhra e lu zangone ne «La presunzione»), rivendicano l’eguaglianza di tutti dinanzi alla morte («Le lancette dell’orologgiu»), la durezza della vita e la necessità di mantenersi onesti («Na busta dicìa»), l’inganno delle apparenze (il vecchio pozzo e la cisterna nuova ne «L’apparenza»), la dignità di chi ha lavorato con dedizione e la superbia di chi incarna una facile idea di progresso (il cavallo e il trattore a confronto in «Dignità e superbia»)...

L'esito morale

Come si comprende da questi pochi esempi, la poesia di Giannini ha sempre un esito di natura morale, poiché veicola degli insegnamenti utili all’uomo, che servono alla sua edificazione morale. Tuttavia questo fine, col suo contenuto didascalico e gnomico, non sovrasta mai e non si impone al lettore in modo pedantesco, come unica ragione del testo, bensì è sempre presentato come la conclusione logica di una storia narrata naturalmente con una verve scrittoria che non esitiamo ad avvicinare alla “licenza fescennina” della letteratura arcaica romana. L’equivoco, il lazzo osceno e lùbrico, la battuta salace, l’allusione sessuale, la strizzata d’occhio complice, il motto arguto e impudico, la battuta sguaiata e popolaresca che erano propri dei fescennini antichi, sono anche le costanti modalità espressive della poesia dialettale di Giannini, che affida ad esse l’efficacia del racconto, la sua immediata ricevibilità. Non si perda mai di vista il summenzionato contesto conviviale in cui Giannini recita le sue poesie e, appunto, l’oralità della comunicazione tra il poeta e il suo pubblico. (...) Il nostro lettore ha già capito entro quali termini si muove la poesia di Giannini, ovvero tra morale della favola e espressionismo popolaresco, di un popolo che non ha peli sulla lingua e riconduce ogni cosa alla corporalità di cui siamo fatti.

Ma la cifra che identifica meglio la poesia di Giannini, a mio avviso, è un’altra, ed è riscontrabile nel grande senso di nostalgia, sempre ben controllato, che aleggia in alcune composizioni poetiche come «La votte de lu tata», in cui il poeta racconta la triste fine di una botte, o «La cazzarola», surclassata dalla moderna pentola a pressione (identica situazione narrata in «Dignità e superbia» e ne «Lu stricaturu», di cui si è già detto). In realtà il rimpianto d’un mondo contadino ormai definitivamente tramontato, ripensato come un’età dell’oro lontana e perduta, pervade tutto il corpus poetico di Giannini, divenendo la sua motivazione principale. (...)

Dolersi del "progresso"

È bene notare che, accanto al rimpianto del passato, non c’è in Giannini un pregiudiziale rifiuto del presente, bensì una considerazione piuttosto dolente del “progresso”, che ha portato con sé la fine dei valori nel rispetto dei quali egli è stato educato: la frugalità del vivere, la sincerità, il culto del focolare domestico e del duro lavoro in campagna, ecc. Tutto questo è ormai passato e Giannini lo sa. Ma al suo posto non è nata una società migliore, bensì un mondo in cui l’ingiustizia la fa da padrone, in cui i farabutti sono mescolati alle persone perbene. (...) Le recriminazioni contro un mondo ingiusto sono presenti spesso nelle composizioni di Giannini come contenuto fondamentale della sua moralità. Che fare, dunque, contro questo mondo malvagio?

A questo mondo così ingiusto il poeta reagisce nel solo modo in cui un poeta può reagire, ovvero assegnando alla scrittura poetica il compito di recuperare e riproporre i valori del passato, secondo modalità che un giorno la madre gli ha insegnato. (...) Col cuore ha scritto sempre Giannini, col cuore del popolo, utilizzando il nostro dialetto - sempre ravvivato dalla rima -, uno strumento linguistico che è riuscito a padroneggiare con grande spontaneità e che gli ha permesso di rimpiangere il passato senza farsi travolgere dalla nostalgia, bilanciando sempre situazioni favolose, di cui fu ricca la sua capacità inventiva, e sana antica morale, fondata su un senso innato della giustizia. Questo ha fatto Giannini, ha respinto l’ingiustizia del mondo con quell’arguzia e quell’umorismo di cui dicono siano ricche le genti salentine. Per questo motivo, i suoi familiari, gli amici e i concittadini lo ricordano e lo ricorderanno anche in futuro.

Diventare "ortesi"

2011-12-09T15:27:00.000+01:00

Scritture meridiane Anna Maria Ortese
di Santa Scioscio

"Per me il nome di Anna Maria Ortese è “Corpo Celeste”. Quando l’ho conosciuta era un inverno condiviso, nella sala lettura del DCA. Incomprensibile nello smarrimento, il corpo celeste sembrava un inspiegabile sospiro, e irraggiungibile nella lontananza che deglutisce. In fondo era solo una lettura e un ascolto che mi imponevo. La lettura condivisa riscaldava e apriva il suono della possibilità… quella di silenzi, che fossero lontani dalla scena dell’impronta nello specchio; la voce del vissuto altrui descritto in quelle righe si faceva pian piano possibilità di credere in speranza. La curiosità muove, così la fedeltà all’essere donna, me!

Così il silenzio, da quella scrittura, mi ha fatta “più” e tinta di celeste… di un cielo squarciato di possibilità. Per me il nome di Anna Maria Ortese è Corpo Celeste: “ortese” è il suo masticare la quotidianità, “ortesi” gli orecchi di conchiglia spiaggiata che raccolgono e raccolgono, e tengono finché il vento non respira dentro e mi semina la voglia di viaggiare nell’incontro. Ortese è tutto ciò che accade fuori e dentro, che è mai dimenticato, è tutto ciò che lucidamente rapito è restituito con atto di intera fedeltà

Mi tuffo nella lettura solo come chi ha paura del mare sa fare, esattamente come un sogno, nel concreto spingersi verso altezze più elevate, più claustrofobiche, più... Dove si respira il canto seminatore. Ogni parola letta è un passo in su, ogni seme è trapiantato, innestato alla volta di un’ondata di schiuma bianca bianca, che porta più in là con “la lente scura” che intravede il passato, e l’attuale, nello scherno nostro, che intravede malinconia e vergogna… “ortesi” sono gli occhi che vedono attraverso la lente scura; e scrutatori sono i luoghi che cercano lo sguardo, denudando le frontiere dell’apparenza. Gli occhi sono concretezza di inchiesta, riempimento fotografico, calore vicino, illimitato fascino di ascolto è “la lente scura”.

***

“Corpo Celeste”, libro di Anna Maria Ortese, edito da Adelphi, “racchiude scritti che vanno dal 1974 al 1989 meditazioni, memorie, conversazioni, illuminanti della loro trasparente ragione questa terra "perché non sia più quel luogo buio e perduto che a molti appare", e anche perché Ortese abita luoghi lontani dalle risse del mondo, solitario, indomabile folletto di percorsi di foresta e di acque cristalline, creatura di luce e orizzonti incontaminati, il cui sguardo d'acqua bagna le rive esauste della terra in una rivisitazione che ne coglie l'immane ingiustizia”.

Intervista a Piero Marsili Libelli

2011-12-09T10:11:00.001+01:00

Intervista a Piero Marsili Libelli fotografo - Lecce, 08.12.2011

Pierpaolo Spada

Piero Marsili Libelli, cosa faceva prima di diventar fotografo?

“Ho studiato, poco. Avevo un padre con tre lauree, nobile, senese, decaduto. Abitavo a Milano, e praticamente, la sera, per guadagnare dei soldi, facevo il cameriere. Insieme a un amico, che tutt'ora lo è: Al Bano Carrisi. Poi, in quel periodo vidi un film di Antonioni che si chiamava Blow Up e decisi da quel momento di fare il fotografo. Mi dissi: voglio fare il fotografo”.

Quando è riuscito ad avere la sua prima macchina fotografica?

“Questa è una storia lunga. Una storia peccaminosa che, però, ti racconto. Vidi Blow Up, il giorno dopo ero vestito esattamente come il protagonista del film. Però, non avevo la macchina fotografica. Abitavo a Milano, in via Brera. In un bar famoso, che io frequentavo, il Bar dell'Angolo, che ancora oggi c'è, una notte alle tre, entrai, c'era un giapponese completamente ubriaco che dormiva su un divano, con vicino una borsa. Lì, mi chiedo: ora o mai più. Ho guardato bene questa borsa. Mi sono fatto un esame di coscienza, ma non me ne fregava un cazzo. Ho preso la borsa e sono uscito, salutando tutti gli amici. E quindi. Il giorno dopo, avevo anche la macchina fotografica al collo che non sapevo, ancora, esattamente, cosa fosse. Non sapevo cosa fossero diaframmi, tempi ecc. Dovevo studiare e ho cominciato a comprare tutti i giornaletti specializzati e a studiare”.

Come ha usato quella macchina per la prima volta? Quale è stata la sua prima esperienza da fotografo?

“Foto agli amici, alle amiche. E poi costava, fotografare costava. Dovevi comprarti il rullino, dovevi svilupparlo, dovevi vedere il provino, dovevi scegliere la fotografia. Non mi potevo sfogare molto, capito? Ero attento a spendere poco ma a imparare, comunque, tanto”.

L'arte non è stato quindi il suo punto di partenza.

“No, assolutamente. L'arte è stata un'invenzione degli ultimi tempi. Però, quando io capì che questo era il lavoro della mia vita, che volevo vivere di questo lavoro, volevo campare con questo, guadagnare con questo, un giorno, siccome via Solferino era lì, mi presentai, chiesi di parlare con il direttore del Corriere della Sera, mi inventai un'altra storia. Non potevo inventarmi molte cose, avevo 18 anni. Però, mi venne in mente questa cosa: dissi, guardate io vivo a Parigi, faccio il fotografo a Parigi, vorrei venire ad abitare a Milano, sapere. Insomma, ho cominciato a presentarmi non come un semplice ragazzotto. Parigi faceva un certo effetto. Il direttore mi disse “va bene, ti metto alla prova”. Mi mise a fare la cronaca nera, tra Varese, Saronno, con un giornalista gay. E quindi fotografavo i morti dalla mattina alla sera, sulle autostrade, rapine, tutta questa roba. Le foto venivano, anche perché i morti stanno fermi”.

Poi ha deciso di dire basta. Perché?

“Perché nella vita si va avanti. Era semplicemente il mio cammino, stavo camminando. Quando vedevo già delle mie foto sul giornale, io dicevo “ho fatto delle foto”. Mi interessava arrivare a questo, che le mie foto avessero una funzione. Io in quel momento stavo facendo il fotografo. Riconosciuto da altri, stavo entrando in una professione. Avevo la prova che stavo facendo il fotografo”.

Era partito con il mito di Antonioni e un giorno è riuscito a incontrarlo. Come è accaduto?

“Finisco questo periodo di cronaca nera a Milano, parto al militare, vado a Palermo. Sempre queste storie d'amore che mi hanno distrutto la vita. Torno dal militare, decido di trasferirmi a Roma. A Roma, mia sorella aveva un amante avvocato che era amico di un redattore de L'Espresso. Mi presentano a L'Espresso. Per anni ho collaborato con questa rivista come fotografo di tutto il tempo sperimentale degli anni '70 e 80, da Carmelo Bene in poi. Faccio la mia prima mostra e arrivano degli amici che conoscevano Michelangelo Antonioni, i quali ho pregato di invitarmi Antonioni. E, guarda caso, quella sera, a questa mia prima mostra, arrivò Antonioni a braccetto con Marco Ferreri. Antonioni si presentò, disse “io sono Michelangelo Antonioni”, e io, naturalmente, risposi “lo so, io sono Piero Marsili”, mi fece i complimenti. Il giorno dopo, mi invitò a casa sua. Mi disse: “Che fai domani?”, io dissi “niente!”. Mi invitò a casa sua. Appena arrivato mi disse “ho un regalo per te”. Andò nella stanza e portò una scatoletta con una macchina fotografica, una Canon degli anni Sessanta, ancora tutta imballata, precisa, perfetta. Era di David Bailey, il fotografo che lo aveva ispirato per fare Blow Up e la regala a me. Quindi, puoi immaginare...Con Michelangelo, poi siamo diventati amici. Era molto curioso di quello che facevo. Gli piaceva andare nelle cantine, nei teatrini. Una volta mi pregò, addirittura, di portarlo alla festa di tutti gli impiegati della Coin, pensa un po'”.

A conti fatti, ritiene sia stato questo l'incontro che l'ha portata alla ribalta?

“No, a me alla ribalta no mi ci ha portato nulla. Non c'è una ribalta. La ribalta sarà quando ribalterò dall'altra parte. Qui non si parla di successo. Lo sai bene, per noi fotografi, come per voi giornalisti, non c'è successo. In questo lavoro non finisci mai, non diventi famoso, non è il sommo attore. Noi lavoriamo sempre nei bassi fondi del mondo e continuiamo a esistere. Se la ribalta è questa, è solo quella di esistere. C'è l'esserci. Un continuare a ricercare, confrontarsi, a stare dentro la storia, questo è importante per noi, non siamo mica attori”.

Stare nella storia. Bene: quale è il suo rapporto con la fotografia digitale?

“La fotografia digitale è stata una scoperta, straordinaria, non sono un romantico dell'analogico. L'analogico mi piace, venite a vederlo alla mostra. Ma non m'interessa più di tanto, il digitale è straordinario. Chi avrebbe mai pensato di scattare una foto e di poterla poi spedire in giro per il mondo in due secondi?”.

E adesso si ritrova a Lecce per esporre una mostra che ha come filo conduttore la libertà. E' una mostra autobiografica, una metafora della sua vita?

“La “Libertà” non me la sono inventata io. Lo hanno inventato loro il titolo. A me non piace molto. Certo, se vai a vedere la mia mostra, vedi sicuramente un uomo libero. Libertà non c'è. Te la fai tu da solo. Non me la possono dare come compitino. Un giorno mi hanno fatto una domanda: lei che rapporto ha con la luce? E' come chiedere a un cuoco “che rapporto ha con il gas?”. Libertà è una parola grossa, non si mette come manifesto”.

Ha lo spirito e il temperamento di un giovane, ma lei ha dei rimpianti?

“Sì, quello che il corpo mi sta lasciando”.

E un progetto futuro?

“Sto cercando di vendere la mia casa a Trastevere, che non ce la faccio più. E c'è nell'aria, io e mia moglie che è una grande costumista, si chiama Catia Dottori, negli ultimi vent'anni ha fatto i più bei film italiani, abbiamo l'idea di venire a Lecce. Ma non lo so se ce la farò, perché il barocco è veramente tosto per la mia testa”.

Raffaele De Giorgi, nelle parole...

2011-11-17T09:36:00.001+01:00

Antonio Errico

Non è orizzontale lo sguardo di Raffaele De Giorgi. E’ obliquo, trasversale, attratto dal richiamo dell’analogia; poi è uno sguardo che si muove nei territori culturali in verticale: discende, scava, sprofonda, fino a raggiungere il punto in cui ha origine il fenomeno, dove matura una condizione dell’essere e dell’esistere, prende forma l’idea del tempo e delle cose, la concezione del limite e dell’illimitato, del finito e dell’infinito, del possibile e dell’impossibile, del vero e del falso, della verità e della menzogna, della realtà e della finzione. E’ uno sguardo che indaga gli eventi e gli elementi del sociale, i motivi e i moventi dei fatti, le cause e gli effetti, che scandaglia i fondali della conoscenza, che perfora la superficie dell’apparenza per rivelare quello che è in relazione a quello che sembra, che stringe i piani del significante e del significato, della forma che si separa dalla sostanza e della forma che corrisponde alla sostanza.

De Giorgi penetra nelle parole per rintracciarne il senso, i sensi essenziali, radicali: quelli che costituiscono l’autenticità, la differenza. Quelli che strappano le maschere. Quelli che rivelano i trucchi, gli imbrogli, i colpevoli artifici. Parole come identità, memoria, Sud, spalancano voragini semantiche nelle quali il suo sguardo si inabissa.

Ricordavo di aver letto una scrittura di Raffaele De Giorgi che diceva di Lecce. Mi erano rimaste certe atmosfere, certe immagini. Ma per quello che dovevo fare mi servivano le parole: quelle parole precise. Ho cercato tra gli articoli di giornale che ritaglio e conservo, e non c’era. Poi ho cominciato, per intuizione, a rileggere uno dei suoi libri, “Futuri passati”, edito da Pensa. Una scrittura secca. Idee taglienti. Un’argomentazione da accerchiamento. Nuclei concettuali che si espandono, si diramano, coinvolgono altri nuclei. Frammenti che si ricompongono in una struttura coerente, coesa, perché appartenenti ad un progetto unitario, ad una visione complessiva, ad un pensiero organico, rigoroso. Uno stile che sintetizza tutte le categorie di cui parla Italo Calvino nelle “ Lezioni americane”: leggero, rapido, esatto, visibile, molteplice. Un linguaggio che non si concede mai una morbidezza, sempre teso all’essenziale, al confronto senza mediazioni. Nitido. Implacabile. A pag. 58 trovo quello che cercavo su Lecce, ma non mi soffermo; ormai sono nel flusso, attraverso il passo, vado oltre. Perché quello che cercavo diventa meno importante di quello che non cercavo e che riscopro.

Di tanto in tanto, nel corso della lettura, si presenta – indiscreta, inopportuna – la domanda su quale sia il genere di questo libro. Banale domanda, perché ignora la circostanza che il genere rappresenta la convenzione di un’accademia che non ha passione. Mentre questo è un libro tramato di passione, di un lucido ed inquieto sentimento degli esseri e delle cose. Contempera l’analisi del filosofo con l’andamento del narratore. Le parti che compongono questo libro sono le riflessioni di uno studioso proposte con le forme del narratore, probabilmente perché pensate, elaborate, con il metodo scientifico del ricercatore e con lo scarto dalla comune grammatica della visione che caratterizza il processo di pensiero dell’ inventore di mondi.

Allora viene in mente, inaspettata eppure inevitabile, quella figura del narratore come persona di consiglio di cui parla Walter Benjamin nel saggio sull’opera di Nicola Leskov contenuto in “ Angelus Novus”; e nonostante questa parola, oggi, possa sembrare inadeguata ai tempi e incoerente con i comportamenti individuali e collettivi, con l’edonismo a prezzi stracciati, con la superficialità allarmante, con l’indifferenza insolente, vorrei azzardarne l’uso ed affermare che le riflessioni, le argomentazioni, le esemplificazioni di Raffaele De Giorgi si caricano del senso di un consiglio che coinvolge le sfere dell’essere con gli altri, tra gli altri, possibilmente per gli altri. L’altro è un vecchio con le mani bruciate dal freddo che dice “ per me è sempre Natale quando ti vedo”. L’altro è un bambino che dorme e “forse sogna parabole, forse esempi, forse racconti che dirà a quell’umanità che gli sta davanti , perché spezzi le catene che le bloccano la parola”. L’altro è un ragazzo solo “ schiacciato dal mondo. Soffocato dal mondo, dagli altri, dagli adulti”. L’altro è ogni creatura alla quale non vogliamo rassomigliare, che non sappiamo ascoltare, a cui non riusciamo a parlare. E’ la nostra coscienza che abbiamo voluto ammutolire. Così il consiglio più profondo di Raffaele De Giorgi dice che è urgente ritrovare quella parte di noi che vive segretamente con il cuore dell’altro.

Pietro Gatti - Nel rifugio della parola

2011-11-03T19:04:00.002+01:00

Antonio Errico

Da quale luogo scrive Pietro Gatti: da quale antro, culla, tana, caverna, anfratto, rifugio, labirinto. In compagnia di chi scrive Pietro Gatti: di quali ombre amorose, di quali affettuosi fantasmi, di quali memorie lievi, di quali figure lancinanti.

Per che ragione scrive. Forse per la rivelazione di una verità custodita dalla terra da cui tutto ha avuto origine, in cui tutto avrà fine. Oppure per una sortilegio, un miracolo, un trasognamento. Oppure per un dolore segreto, per un pianto sommesso quasi fosse un lamento di madre. Oppure per fare il conto, il resoconto - talvolta aggiungendo un poco, sottraendo sempre molto – del tempo giusto, di quello inevitabile, del tempo imposto: dell’ora, dell’istante in cui la luce si rapprende, le creature si dissolvono, le cose si trasformano in forma confusa, pallida sembianza, e le case, le strade, le piazze, i campanili, le chiese, la campagna, si allungano o si restringono, si dilatano, si deformano, si sciolgono nell’aria. Scrive per questo, forse. O scrive per una resurrezione dell’infanzia, per rimanere a parlare ancora un poco con gli amici, o per ricordare, o per dimenticare, o per rinnovare un incantesimo, un prodigio.

Oppure scrive semplicemente – angosciosamente- perché pensa di poter placare l’ansia di tornare indietro indietro, di dimenticare la fanghiglia degli anni. Scrive per potersi raggomitolare al buio, senza sentire voce, senza vedere luce. Per sentirsi richiamare da una parola d’amore, per farsi consolare da una carezza lunga.

Scrive per pregare. Forse scrive per tutto questo. Forse per tutt’altro. Ora l’opera di Pietro Gatti è contenuta in due volumi editi da Manni con le affettuose cure di Donato Valli e le note biobibliografiche di Gerardo Trisolino.

Lo spazio antropico da cui scrive Pietro Gatti è Ceglie Messapica; lo spazio psicologico è un abisso: di nostalgia, di rimpianto, di desiderio contratto. Un luogo a volte scuro, a volte luminoso, centro di un universo esistenziale, luogo dell’anima e luogo del destino, mondo reale e mondo immaginario, microcosmo e universo, logos e mythos, villaggio dove tutto ha inizio e conclusione, dove i ricordi sono appesi a un chiodo arrugginito “ come la giacca in casa del povero”, terra che aspetta “ con la pazienza della fame seduta sul gradino” , dove una nascita e una morte hanno lo stesso peso, dove un sussurro e un grido sono una risposta al vento pacato o furioso.

Da quell’abisso di dentro, da quel villaggio sepolto proviene la voce che si fa poesia, che è un’ombra tra le ombre, che rassomiglia a una voce di bambino che sbava parole senza senso, a una voce malata che si rompe quando tenta d’alzarsi, che si spaventa al rumore di un’altra voce, voce di un tempo lontano, voce di malinconia. Questa è la poesia di Pietro Gatti. Questo vorticare di suoni, balenare di riflessi, proiettarsi di visioni. E’ la parola che s’impasta con le cose “ ingiallite al buio come il grano per il sepolcro” , che assorbe l’inquietudine racchiusa in uno sguardo, che si modula, si flette, si contorce nello sforzo – nello spasimo – di farsi natura, di essere garofano, calandrella, filo di vento, lucertola, pulviscolo, e luce : “ che emani luce ogni parola, pure che mi stia piangendo il cuore”.

Solo il dialetto poteva dare a Pietro Gatti una parola con sostanza di natura; solo una lingua delle viscere, del tempo remoto. Solo il dialetto poteva consentirgli di trovare la coincidenza perfetta tra il pensiero e il linguaggio, tra l’emozione e l’espressione, tra il lessico e la sensazione, di avvertire la parola come respiro, pulsazione del sangue, come elemento biologico.

Il pensiero, la terra, la parola, non hanno differenza, dissonanza, scarto. Appartengono all’essere, alla fisionomia intima, all’identità interiore. Pensiero e parola si generano dalla terra e alla terra ritornano; e la terra sarebbe inespressiva senza un pensiero che la perforasse fino a raggiungerne l’anima, senza la parola che dice quel pensiero che riemerge dalla profondità che custodisce il fuoco e il gelo. Sono di terra i pensieri miei, dice Gatti; e sono di terra anche le mie parole,dice; sono cose di sempre, di ogni giorno, “ rimaste nel sangue, fatte sangue, moti del cuore delle creature antiche”. Con quelle parole racconta il diritto e il rovescio delle storie, la speranza e la disperazione, la concretezza e la fantasticheria.

La conformazione della terra e quella dell’esistenza si rispecchiano, si riguardano, si riconoscono. La poesia racconta questa specularità, questo riconoscimento. Racconta il visibile. Soprattutto l’invisibile: racconta tutto quello che scorre sotterraneo, tutto quello che è stato e non è più. Racconta la memoria che forse non è altro che una pietosa consolazione dell’assenza. Allora la terra di Pietro Gatti non avrebbe potuto avere altro linguaggio se non quello di Pietro Gatti. La terra non è al centro del linguaggio ma è il linguaggio stesso. La compenetrazione è assoluta e rappresenta la condizione che consente l’esistenza dell’uno e dell’altro elemento. Forse si potrebbe dire che in Pietro Gatti la terra e il linguaggio costituiscono la materia della coscienza. Si impasta di una luce di luna, la coscienza, di un ciuffo d’erba, una nuvola, un colore d’aprile, di una mano di bimbo, una nuvola vaga, un desiderio, una vertigine, un profumo, “ e senti che la vita il mondo tutto intero nel profondo ti penetra nel sangue e ti ubriachi di piacere e la vorresti stringere sempre più forte per frantumarla fino a che entrasse dentro l’anima, tutta”.

Ecco, dunque, che non c’è cesura tra l’essere, la terra e la parola che esprime la loro fusione. La poesia prende le forme della terra, ad essa si modella, aderisce. Le assorbe e in qualche modo finanche le sostituisce, così che a un certo punto non ci sono più rondini, sassi, casupole, rovi, fumaioli, ma ci sono le parole che assumono le forme di tutte queste cose.

A un certo punto non ci sono nemmeno i ricordi, ma la poesia che si è fatta dal ricordo, che nelle parole ha assimilato i suoi piaceri e le sue dolenze. A un certo punto, in certi punti di sospensione, d’incantesimo, di magia lessicale capace di trasformare in metafora vaporosa la concretezza più dura, non c’è più nemmeno la vita. C’è la poesia in cui la vita è stata accolta. Forse la poesia che ospita la vita è la condizione che accade ai grandi poeti. Certamente senza che lo vogliano, certamente senza che se ne accorgano. Accade che fuori da quella condizione non si possa vivere, non si sappia vivere. Ogni gesto, ogni respiro, ogni relazione con l’Altro, ogni corrispondenza col Sé, ha origine dal fondo, dal fondiglio, di una parola – una sillaba, un suono - e si conclude dentro una parola, una sillaba, un suono.

Eugenio Barba, dal Salento al Mondo

2011-10-31T21:55:00.004+01:00

Eugenio Barba a Holstebro in una fotografia di Cassie Werber

Intervista

Mauro Marino e Patrizia Capoccia

Il Salento è stato per lei luogo di partenza di un viaggio lunghissimo che l'ha portata ad esplorare geografie profonde attraverso il contatto con le culture degli uomini. Qual'è il Salento che ha portato e custodito in lei nel suo peregrinare?

La casa senza riscaldamento e senza acqua corrente, le serate invernali intorno al braciere, il sapore dei fichi secchi con le mandorle e un coriandolino di buccia di limone, i geloni che struggevano le mani, le processioni religiose, i pescatori che sparivano remando all’orizzonte, il profumo dolciastro del cimitero, la tombola natalizia, le valigie di cartone nelle littorine del Sud Est, il primo bikini che ho visto al Lido San Giovanni di Gallipoli.

Con la nascita dell'Odin Teatret è possibile parlare di una sorta di processo di “democratizzazione” della professione dell'attore che diventa tale fuori dalla formazione nelle Accademie?

Sia che sia passato da un’Accademia o che sia un autodidatta, l’attore rimane un presunto artista che si lascia assoldare senza nessuna voce in capitolo riguardo alle decisioni artistiche ed economiche, di repertorio e di politica culturale del teatro o della compagnia che lo ha ingaggiato. La sua posizione non si è democratizzata, l’attore continua ad essere un sottoproletario che pur costituendo lo scheletro della professione teatrale, non parla mai in prima persona ed è incapace di imporre le sue visioni e le sue necessità. Con l’Odin non inizia una democratizzazione, ma un processo di individuazione e sviluppo dell’attore non solo come artista ma anche come individuo e come leader di altre persone, di iniziative e progetti indipendenti da quelle del teatro in cui opera. Paradossalmente questo avviene in una rete di relazioni basate sul dare il massimo di se stessi e con un regista che esige l’apice dell’eccellenza in quanto “ombudsman” degli spettatori.

Ci pare che la vera chiave del cambiamento proposta dall'Odin Teatret sia strettamente legata alla figura dell'attore e alla sua ricerca interiore. In che ruolo si colloca il pubblico in questa dimensione? E di fronte a che tipo di performance si trova lo spettatore quando è al cospetto dell'Odin?

Non ho mai lavorato con i miei attori pensando alla loro ricerca interiore. Piuttosto come lavarli dal modo di pensare che avevano assorbito nella loro famiglia, nella scuola, con gli amici. Questo disinquinamento è avvenuto attraverso il training: esercizi fisici e vocali che non apprendevano a recitare, ma a reagire con tutto il corpo. Questa partecipazione dell’intero organismo presuppone un continuo stato di allerta, di imprevedibilità, di guizzo immediato somatico e mentale. Il loro corpo intero pensa, non le loro idee, i loro pregiudizi, quello che è giusto o sbagliato. Le reazioni degli attori sono segni fisici, radicate in esperienze storiche e archetipiche e provocano un impatto con lo spettatore a livello di sistema nervoso, di cervello limbico e rettile. Quindi non attraverso categorie concettuali o estetiche, anche se in una fase successiva subentra il giudizio e la riflessione.

Cosa chiedeva il Mondo al Teatro quando lei ha iniziato e cosa chiede oggi? Che differenze, se ci sono state, ha riscontrato rispetto a quando ha iniziato a fare questo mestiere? Come sono cambiati nel tempo gli elementi che girano intorno al teatro, vale a dire la formazione degli attori, i gusti e le esigenze del pubblico, il ruolo delle istituzioni?

Nel 1960, quando ho iniziato, esisteva un solo modello di teatro basato essenzialmente sull’intrattenimento. Persino il teatro di Brecht, che in quegli anni iniziava a scuotere il letargo della nostra professione, voleva intrattenere. In questo periodo appaiono il Living Theatre e il laboratorio di Grotowski, gruppi autodidatti come l’Odin, le Théâtre du Soleil, e gli americani Open Theater. Bread and Puppet, San Francisco Mime Troupe, Performance Group e altri. Il teatro non vuole essere più diversione ma immagina di cambiare la vita, sia di chi lo fa che di chi vi assiste. In questa decade avviene un’esperienza unica nella storia del teatro europeo: una generazione rivendica nella creazione di gruppo una maniera di vivere e di trasformare la società. Questa aberrazione – perché il teatro è sempre stato un mestiere per intrattenere magari attraverso la provocazione – è durata una quindicina di anni. Dalla metà degli anni Ottanta, è continuata la frammentazione, con numerosi artisti di teatro eccellenti: Si è perduto, però, lo spirito generale di palingenesi. Gli spettatori non sono mai mancati, anche se oggi il teatro diventa sempre più anacronistico rispetto ad altre forme di spettacolarità e raduno. Un fatto interessante, però, è osservare le nuove generazioni che persistono a scegliere il teatro. Qual è il senso di questa professione per loro?

Mino De Santis - Un fuoco che canta

2011-10-27T16:02:00.000+02:00

Musiche dal Salento Continua a soffiare forte il “vento dal basso” de lu Scarcagnizzu di Mino De Santis, oggi, venerdì 28 ottobre alle 21.30, l'appuntamento con il cantautore salentino è alla Saletta della Cultura di Novoli. A presentare il concerto, la “cronaca” di una sera a Sternatìa con le canzoni di un menestrello irriverente

Maira Marzioni

È domenica. Siamo a Sternatìa. Stasera c'è la festa del peperoncino, non la solita sagra estiva, ma una piccola manifestazione, pochi banchini nelle due vie principali del centro ognuno con una diversa specialità culinaria, ma tutti a base di peperoncino. Siamo qui per ascoltare Mino De Santis. Dopo i cantori di Zollino il presentatore annuncia Mino, lui imbraccia la chitarra si siede e inizia a suonare. Dopo le prime due canzoni, canta “Arbulu te ulie”. “Siccome non so quanto potrò cantare, faccio questa perché mi sembra importante in questo momento. C'è qualcuno in questi giorni che vorrebbe espiantare ulivi per metterci il fotovoltaico”. Una canzone necessaria. Intorno intanto timidamente qualcuno si siede, qualcun altro se ne va in cerca di pizzica, un bambino si piazza davanti al faccione di Mino e sorride dondolando, mentre lui canta. A un certo punto inizia a piovere, prima poche gocce e poi di più. Alcuni se ne vanno, altri irriducibili prendono la sedia e si mettono sotto al gazebo, dietro a Mino che canta. Lui si guarda intorno un po' spaesato e va avanti. Iniziamo ad avvicinarci tutti. Si decide di girare le casse all'interno, ci addossiamo a Mino che ha giusto lo spazio per la sedia e la chitarra. La serata cambia forma. Non c'è più il vuoto davanti all'artista, ma un gruppetto di gente che sfida l'acqua e ascolta. Le facce più belle sono quelle che quasi gli stanno in collo. Signori anziani con la pelle segnata, che ammaliati ascoltano questo cantore anomalo, menestrello irriverente che dice senza aver paura di dire. Uno di loro se ne sta con la faccia seria e scura sotto a un cappello da baseball, in giacca e pantaloni pesanti, annuisce e batte le mani convinto, ad ogni fine di pezzo. All'arrivo di alcuni versi in molti sorridono, scattano applausi nel mezzo della canzone, gesti di approvazione. Vicino al signore scuro, c'è Uccio, Mino lo conosce. “Questa te la dedico Uccio, mi ricordo che ti piacque”. Lui si toglie il cappello e ascolta. A un certo punto arriva un ragazzo dal viso sorridente e dolce, un bonaccio, con un flauto di legno che non suona, ma che appoggia solo alla bocca sdentata. “Questa è una canzone sulla libertà, che costa...”, dice Mino. “E quanto costa?” chiede lui. “Tanto”. Arriva da dietro una voce: “Ma tu ce l'hai già la libertà!”. Non so dire se sia stato il mio sguardo artefatto da quella situazione bella e surreale, ma giurerei di aver visto le sue labbra cantare i versi di Mino: “La libertà è un boccone bollente, finché ddafridda t'ha catutu nu tente e n'immensa casa per chi casa non ha, tutta la piazza della città”. Alla fine della canzone Mino è felice e la piazza è una casa. Le facce che stanno attorno hanno tutta l'aria di sentirsi raccontate dalle sue parole. “Forse state scomodi in piedi, magari faccio l'ultima”. Ne sono susseguite altre e poi altre, a richiesta oppure no. Nessuno se ne è più andato, qualcun altro si è avvicinato. Il signore e la moglie dapprima titubanti alla fine applaudivano al ritmo della chitarra. Una ragazza giovane che faceva parte dello staff della festa si è avvicinata sorridente, guardava gli altri contenta, in piedi. È tornata persino la signora che cercava disperatamente la pizzica. Quelli della seconda fila e oltre non vedevano la faccia di Mino, né le mani grosse sui tasti della chitarra, ma è come se leggessero le note nelle espressioni degli altri, spartiti di carne che per una volta non si è temuto di guardare, magari di sottecchi. Stavamo tutti là stretti come si sta attorno a un fuoco che canta, ad accorgerci che era bastata una pioggia a far diventare le parole di uno quelle di tutti. La gente di Sternatìa ha abbracciato Mino per una sera e lui ha ricambiato. Il vento dal basso che sa scompigliare, senza perdere la tenerezza.

Cesare Padovani

2011-10-24T10:01:00.004+02:00

Lo scorso giovedì 20 ottobre 2011, è stato presentato a Parabita, nell’Aula Magna del Liceo Artistico il libro di Cesare Padovani e Vittorio D'Augusta “Farfalle/Aforismi Crisalidi/Inchiostri”, per i tipi della casa editrice cesenate il Vicolo. Sono intervenuti ad introdurre l'autore Giovanni Invitto e Luciano Provenzano.

Noi e i Miti
Luciano Provenzano

Cosa può rappresentare una rubrica di attualità-politica-cultura, su un quindicinale – è “Chiamami Città”, pubblicato a Rimini - dedicata ad una rivisitazione di figure ed eventi mitologici attualizzati per circostanze e accadimenti odierni, condotta dal nostro caro Cesare Padovani, e diventata ora – accogliendo i vari interventi apparsi nell'arco di alcuni anni – un libro – o perlomeno parte di esso? Sarà la stravaganza di una residuale visione del mondo nel market culturale di una società globalizzata in cui un po' di tutto si concede a tutti? O è l'insidioso tentativo da parte di una cultura altra – arcaica solo fino ad un certo punto – di operare una colonizzazione culturale all'interno del pensiero attuale, e dalla quale occorre affrancarsi per non cadere in retrospettive favolistiche che nulla hanno a che fare con l'evoluzione dei tempi e i traguardi di civiltà che ci attendono? Avviare con tre domande siffatte un intervento costituisce – mi rendo conto – il pegno per dover fornire ad esse una risposta, ma visto che ci siamo, ci provo. Conoscendolo e leggendolo, si può anzitutto dire che non è affatto una stravaganza il ricorso di Padovani al mito per interpretare il mondo, oggi, e quanto in questo accade. Lui ci crede realmente e, il suo, è uno studio metodico che lo porta a cercare le radici da cui i miti si sono generati, e per questo – ormai da quasi quarant'anni – dedica lunghe permanenze e peregrinazioni ai mitici luoghi della Grecia. È un'urgenza la sua, una convinzione profonda: quei miti rappresentano la culla della nostra civiltà; la loro rivisitazione ed attualizzazione può significare incontrare un po' più se stessi, parti smarrite di sé, aprire finestre sulla propria infanzia, riconoscere il flusso onirico che ci ha attraversati e che è parte di noi, una parte che andrebbe riscoperta e dignitosamente valorizzata per come merita.

Il Mito e la Contemporaneità
C'è chi ritiene - come Umberto Galimberti, ma non è il solo - che vi sia un rischio in una rivalutazione del mito, oggi. Ma il vero rischio andrebbe invece visto in quel che è stato ed è, molto spesso (da cui il diffuso disagio personale di tanti e sociale in senso lato) lo strappo dalle proprie radici culturali, quasi che l'evoluzione sociale e culturale possa affrancarci dalle immagini che hanno lungamente pervaso il cammino millenario di generazioni, apparendo oggi come residuali, quasi prive di senso, se non addirittura pericolose, mentre invece il discorso rende necessario ricercare e vivere una integrazione fra quest'onirico-mitologico che alberga in ciascuno di noi e la personalità adulta che ci sembra d'aver conquistato sia per l'età a cui ciascuno è giunto – parlando fra adulti – e sia a livello filogenetico per il grado di civiltà che ci sembra d'aver oggi raggiunto. Può effettivamente, comunque, intravedersi un dosso: se adulti, il voltarsi indietro a guardare nell'infanzia potrebbe costituire rischio a divenire statue di sale, come per la moglie di Lot nella Bibbia, allorquando si voltò a guardare la città che svaniva? Come dire, restare intrappolati da questo sguardo all'indietro tanto da non riuscire più ad andare avanti? Ma è questa visione del tempo - per la quale il dopo si contrappone al prima - che andrebbe messa in discussione: l'essere adulti come infanzia definitivamente superata; il grado di civiltà raggiunto come definitivo stacco da arcaiche visioni di vita e comportamenti. Non si tratta neppure di andarsi ad attestare sui corsi e ricorsi storici di Giambattista Vico. Qualche passo oltre è possibile e necessario.

Il molto tempo fa
È a livello ontogenetico che possiamo individuare che qualcosa di ieri – o di molto tempo fa – oggi, e un po' per sempre, sarà parte di noi. Realmente ciascuno comprende in sé la storia e le generazioni che hanno portato ad essere ciò che si è. Nella nostra mente, localizzato nel cervello limbico, è depositato il patrimonio di svariati mondi e stati interiori che fin dai primordi e per tutte le generazioni che ci hanno preceduto ha lasciato una traccia in ciò che noi in questo momento siamo. E se scopriamo – o perlomeno ci rendiamo conto di questo – la nostra vita può realmente cambiare. Possiamo essere nuovi, rinnovare cioè il nostro essere come abitudini, comportamenti, modi di comunicare, soltanto alla luce di ciò che da sempre siamo, per quel che abbiamo avuto in dote, il carattere di se stessi. Ed a questo punto, bestemmia!, occorre fare i conti con l'animalità di sé, gli istinti anche brutali, la sessualità, gli appetiti, la rabbia, la violenza che in sé stessi si sviluppano. Anche evidentemente gli aspetti belli di sé, ma questi sono – a ben guardarli – il frutto del percorso di civiltà: all'inizio è il kaos; la bellezza del sentimento è il frutto di un ordine per il quale anzitutto si percepisce se stessi come soggetti di relazione, in grado da ciò di soddisfare i bisogni.
La materia dei Sogni
Non è da ritenersi però affatto lineare il percorso per il quale dagli istinti e bramosie primordiali si giunge alla relazione soddisfacente e appagante. Perfino il riconoscimento della dignità di figli di Dio implica che la capacità di relazione la si sia acquisita. Ma nel passaggio, fra l'istinto animale ed un essenziale grado di relazione umana cosa troviamo mai? Semplicemente e banalmente delle immagini interiori: i sogni, le fantasie stratificate erette a miti di come l'immagine di un dio parla con un fiume, o due immagini di dei parlino fra loro, o personaggi forse esistiti che abbiano realizzato storie impresse nell'immaginario collettivo e da questo trasformate, per tanti versi, appunto, in mito. Senza il mito, in definitiva, rischia di sfuggire, di fatto, l'istinto che ci pervade, diventiamo animali domestici sullo zerbino di una quotidianità senza tempo e la ciotola di croccantini a tutte le ore: da sempre saziati e privi di prospettiva. Anche il sesso non è più un problema - vedasi il tipo di servizi offerti a domicilio, anche per zona geografica immediatamente individuata attraverso l'IP del proprio computer. E cosa ci diremo in quell'istante? Una dopo l'altra in serie (erano dodici ma è riuscito solo con dieci in quella notte, dice di sé quel tale che per non inquinare il dialogo ora neppure dico!). Ma cosa ci diremo in quell'istante? Se Psiche ed Eros si guardano negli occhi, se si vuol dire o sentire di sé e dell'altro(altra) di più e sempre più, scoprirsi fino all'inverosimile, oltre la pelle ed i pensieri, penetrare l'intimo più intimo di sé e dell'altro, in definitiva, se non abbiamo un'immagine intermedia che abbracci l'istinto e lo riveli nella relazione siamo irrimediabilmente persi, come quei due, Psiche ed Eros, che da tempo teneramente si amavano, ma che, allorquando si guardarono negli occhi, più non s'incontrarono.

Gianluca Virgilio, a Galatina

2011-10-10T17:14:00.005+02:00

Il Santu Paulu di Valentina D'Andrea

In un tardo pomeriggio infrasettimanale, è bello staccare prima dal lavoro e andare per paesi salentini, inseguendo il bisogno intimo di evadere dalle solite e asfittiche stanze di un ufficio per troppo tempo frequentato e respirare un po’ di aria pura, fresca, come pura e fresca è la cultura che sempre si rinnova e dona ampi e piacevoli squarci di sereno, come appunto un soleggiato meriggio, in un orizzonte in cui si addensano nubi minacciose.

Nel luogo di Pietro-Paolo

Paolo Vincenti

Sono a Galatina, nella bellissima piazza centrale, sulla quale domina la chiesa di San Pietro, che a me evoca tante passeggiate fra le bancarelle e le luminarie, fatte negli anni dell’infanzia insieme alla mia famiglia o ad alcuni parenti, in occasione della festa dei Santi Pietro e Paolo (che, nella vulgata diventano uno solo, “San Pietro e Paolo”, tanto forte, forse, è l’osmosi nella devozione popolare fra le due figure), santi per me onomastici, il 29 giugno. Erano quelle, ricordo, le occasioni per assistere anche allo spettacolo, per noi surreale e incomprensibile all’epoca, delle ultime tarantate - si era sul finire degli anni Settanta - e delle loro contorsioni, nel centro della piazza e davanti o dentro la cappelletta di San Paolo. Incontro Gianluca Virgilio, insegnante e scrittore.

Seduti al tavolino di un bar della piazza, accanto al noto bistrot “Il covo della Taranta” (che mi ricorda piacevoli serate estive trascorse in deliziosa compagnia), ci scambiamo i nostri ultimi lavori editoriali. Gianluca mi dona il suo “Vita nuova e altri racconti” (Edit Santoro 2010) ed io gli faccio omaggio del mio “Di tanto tempo (Questi sono i giorni)” (Pensa Editore 2010).

Gianluca è una persona affabile, dotata di una simpatia naturale e di una comunicativa che toglie dall’imbarazzo chiunque lo incontri. Oggi è Presidente dell’Università Popolare “Aldo Vallone” di Galatina, avendo raccolto il testimone dal prof. Pietro Giannini e, prima di lui, dal grande Zeffirino Rizzelli, un nome importante per la cultura galatinese e salentina. Gianluca Virgilio, nato a Galatina nel 1963, insegna Lettere italiane e latine presso il Liceo Scientifico Statale “Antonio Vallone” della sua città. Ha ideato e diretto la rivista letteraria online Zibaldoni.it (prima e seconda serie) e i “Quaderni della Biblioteca” del Liceo Scientifico Statale “Antonio Vallone” di Galatina.

Sul filo dei ricordi

La sua prima pubblicazione è stata “Il fior fiore di Zibaldoni e altre meraviglie” (a cura di Gianluca Virgilio e Enrico De Vivo), Galatina, Edit Santoro 2004. Nel 2007, ha pubblicato “Vie traverse”, Galatina, Edit Santoro. Un libro di memorie, genere letterario al quale il Nostro è affezionato, avendone fatto materia della maggior parte delle sue pubblicazioni. Mi colpisce il fatto che egli, proprio in un punto del libro in questione, affermi di non essere aduso alla nostalgia, quando invece tutto il libro è percorso dalla voglia di ricordare i tempi della propria infanzia e adolescenza, il buon tempo antico insomma, per dirla con un’espressione letteraria, quando altri erano i colori e i sapori di una vita intensamente vissuta, di quel tempo cioè che sempre dal ricordo viene sublimato per il semplice fatto di appartenere ad un’epoca lontana che non potrà più tornare. Tutte le pagine del libro grondano proprio quel sentimento classico che è il “nòstos”. A maggiore dimostrazione di ciò, basti leggere i suoi titoli successivi. Tutta la materia del libro è svolta sul filo dei ricordi e il narrato si configura come un viaggio letterario, nel territorio di Galatina città e soprattutto della sua campagna, nella proustiana ricerca del tempo perduto. E a far da guida al narratore, in questo viaggio degli affetti e dei sentimenti, troviamo, novello dantesco virgilio (“nomen omen”, diremmo), il padre ultraottentenne o, in un rapido e significativo passaggio generazionale, le figlie, e a far da contrappunto alle puntuali descrizioni paesaggistiche del narratore, le riflessioni, sue o dei compagni di viaggio, sull’architettura urbana ed extraurbana, sullo scarso senso civico dei concittadini, sulla politica, sulla vita , sul passaggio del tempo e sul continuo mutare di tutte le cose. Virgilio sceglie non le direttrici principali, in questo suo percorso “a rebours”, indietro nel tempo e nello spazio, ma “vie traverse”: vie, cioè, non molto battute e frequentate. Gli scritti che compaiono in questo libro erano stati già pubblicati in forma episodica sulle riviste “Il Galatino” e “Il filo di Aracne”, con le quali da lungo tempo Gianluca Virgilio collabora.

Il Cronista Civico

Lo stesso sentimento del nòstos, del ritorno, è presente nel terzo libro di Virgilio, cioè “Gioventù salentina”, Galatina, Edit Santoro 2007, che contiene cinque interviste - racconti ad altrettanti cittadini di Galatina, “nei quali, attraverso il recupero memoriale del percorso individuale e collettivo degli intervistati, si ricostruisce il quadro della condizione giovanile nella provincia salentina e in particolare a Galatina dalla fine degli anni sessanta alla metà degli anni novanta”. In “Scritti cittadini”, Galatina, Edit Santoro 2008, Virgilio raccoglie una serie di riflessioni su argomenti importanti che interessano la città di Galatina, in primis cultura, politica e società, con lo scopo da parte dell’autore di suscitare un dibattito fra i suoi concittadini su temi così importanti. Sempre nel 2008, viene stampato, fuori commercio, “L’età dell’apprendimento e dello studio”, Galatina, Edit Santoro, che “presenta la relazione introduttiva tenuta ad un corso per le maestre del 1°Circolo Statale di Galatina e costituisce l’occasione per discutere sulle varie problematiche della vita scolastica”. “Infanzia salentina”, Galatina, Edit Santoro 2009, con un Preludio di Antonio Prete, dal titolo “Marangella”, rientra perfettamente in quel genere letterario della memorialistica che tanto successo ha avuto per buona parte della letteratura italiana contemporanea del Novecento. L’autore rievoca tanti episodi della propria infanzia e adolescenza, scritti quasi in presa diretta, anche se poi rielaborati successivamente a ragione della loro pubblicazione. Ed ecco dunque scorrere, nelle pagine del libro, personaggi della sua famiglia, come il nonno, i genitori e la sorella, alcuni pittoreschi protagonisti della vita sociale della Galatina “d’antan”, gli amici d’infanzia e i compagni di giochi delle ore liete, e fatti, come le lezioni scolastiche, le malattie, le usanze famigliari quali il pranzo domenicale, le visite parenti o le gite fuori porta, che rappresentano più o meno il vissuto personale di tutti noi anche se apparteniamo ad una generazione successiva a quella dell’autore. Le prime infatuazioni per le ragazzine, le sue letture preferite, le feste di paese, le vacanze trascorse al mare a Leuca, la ripresa della scuola, il cinema domenicale e l’amore che pian piano cresceva in lui per la letteratura e che avrebbe portato poi alla scelta della scrittura.

Questi gli episodi salienti del libro, costellato, in esergo ai vari paragrafetti che ne costituiscono il filato, da citazioni prese da alcuni autori che devono essere cari al narratore, come Friedrrich Nietzsche, Robert Walser, Marcel Proust, E.M. Cioran e C. Dickens, e costruito con una scrittura piana, leggera, molto semplice e diretta nella pur notevole padronanza delle tecniche espressive.

La lingua e la scrittura

L’autore padroneggia la lingua italiana, cioè, senza appesantirla con effetti speciali o con un anacronistico gusto per l’espressione ricercata e rimbombante, perché ciò sicuramente striderebbe con la materia leggera del libro stesso che si legge in assoluta scioltezza. A proposito dell’amore per la scrittura e della nascita di quel tarlo che poi non lo avrebbe più abbandonato, mi piace riportare le ultime battute del libro, in cui l’autore parla di quella sua adolescenziale aspettativa, quasi beckettiana attesa di Godot, per la forma giusta, per uno stile personale nel quale scrivere pensieri ed impressioni della sua ancora giovane vita e delle numerose fallimentari prove di mettere nero su bianco quanto confusamente gli passava per la testa: “scrivere non sarebbe dipeso neppure da me, io non avrei più preso la decisione di scrivere e pertanto senza alcun rimpianto non sarei stato uno scrittore. Infatti, avrei capito col tempo che non si può decidere di scrivere o non scrivere, come non si può decidere di respirare o di non respirare, ma si può solo respirare, finché abbiamo fiato. Scrivere, allora, mi sarebbe apparso non più un surrogato d’azione, ma un’azione, colui che scrive non più un surrogato d’uomo, ma un uomo, la materia dello scrivere non più un surrogato della vita, ma la vita stessa”.

Infine Virgilio ha pubblicato “Vita nuova e altri racconti”, l’ultimo libro del 2010. Nel nostro incontro parliamo del lavoro, delle nostre famiglie e progettiamo alcuni appuntamenti da organizzare insieme per l’anno accademico prossimo venturo dell’Università Popolare che, fra tutte, sembra essere la creatura preferita, certamente quella più coccolata, da Gianluca, nella sua variegata attività socio-culturale.

L'Unipop

L’Università Popolare “Aldo Vallone”, “Unipop”, nella sua forma abbreviata, nasce a Galatina nel 1992 ad opera di Zeffirino Rizzelli e Pietro Giannini che, insieme ad altri, creano questo importante centro di elaborazione culturale che, all’inizio, si configura come una Università della Terza Età, rivolgendosi ad un pubblico più maturo composto esclusivamente da anziani e pensionati. Le sede dell’Università era quella del Palazzo della Cultura che oggi è significativamente intitolato proprio a Zeffirino Rizzelli. Successivamente, il raggio di azione dell’associazione si amplia e quindi le attività dell’Università Popolare si estendono a tutte le fasce di età e ad un pubblico molto eterogeneo, di studenti ed appassionati. Molti gli incontri tenuti negli anni con i più importanti nomi della cultura accademica ed extra-accademica salentina nel campo delle lettere ma anche della scienza, dell’arte, della medicina, che sarebbe troppo lungo elencare. Quest’anno l’Università avrà come sede il primo piano del Museo Civico “Pietro Cavoti”.

Fermenti galatinesi

Passeggiamo, io e Gianluca, nella calda sera settembrina, per le strade del centro storico di Galatina ed io non posso fare a meno di pensare a quel grande fermento culturale che si respira in questa città dalla gloriosa tradizione letteraria e anche dal presente altrettanto pieno di iniziative culturali. Basti pensare, oltre all’Università anzidetta, alle riviste “Il Galatino” (quindicinale), diretta da Rossano Marra, e “Il Filo di Aracne” (bimestrale), diretta da Rino Duma e anche al "Bollettino storico di Terra d'Otranto", annuario, curato da Giancarlo Vallone; poi alle numerose case editrici presenti sul territorio, come la Congedo, la Edit Santoro, Grafiche Panico, Editrice Salentina e Toraldo.

Proprio presso la Edit Santoro, nell’antico centro storico, ci fermiamo, perché Gianluca vuole farmi conoscere il titolare della stessa, Pietro Santoro, sottratto per pochi minuti ai suoi torchi situati nel piano rialzato della sua bottega tipografica. Procediamo poi alla volta del Circolo Culturale Athena, sede del Circolo Cittadino galatinese nonché della redazione della rivista “Il Filo di Aracne”, “trait d’union” fra me e Gianluca e le rispettive penne. Appena entrato, dopo aver salutato Rino Duma, noto con piacere che sulla bacheca del circolo, in bella evidenza, campeggia il mio articolo sulla rivista, intitolato “Come sfida di fanciulla” e pubblicato proprio su “Il Paese Nuovo”, in data 13 maggio 2011. Gianluca si offre subito di ripubblicarlo su: www.unigalatina.it che è il sito ufficiale dell’Università Popolare sul quale vengono pubblicati, oltre agli avvisi delle numerose iniziative programmate e al calendario delle lezioni, tanti e tanti contributi di storia patria e letteratura, in estratto o originali, a firma dei più importanti studiosi di Terra d’Otranto.

Pitardi

Ritornati nella piazza centrale, mentre ci avviamo alle rispettive automobili, proprio quando ho appena finito di chiedere a Gianluca notizie su Pasquale Pitardi, pittore e scultore galatinese, che non riuscivo a contattare in mancanza di recapito telefonico, ecco che sul corso si materializza proprio lui, il Pitardi (cosa questa che induce me e Gianluca a fare una riflessione sul valore che ancora oggi la piazza può avere come luogo d’incontro, sul modello dell’antica agorà greca). Consegno a Pitardi copia dell’ultimo numero di “18 Meridiano” nuova rivista edita in Maglie alla quale collaboro f occupandomi di letteratura ed arte. E infatti nel numero in questione compare una mia recensione sulla pittoscultura di Pitardi, motivo per cui mi fa molto piacere consegnargli “brevi manu” copia della stessa. Pitardi accetta il mio dono, sia pure con riserva, ché certi personaggi sono davvero strane creature e non sai mai come prenderanno quello che tu ritieni sia un gentile omaggio alla loro arte: Pitardi è uno di questi, e io già mi aspetto, dopo la lettura dell’articolo, i suoi rimbrotti (che Dio lo benedica). Mi congedo da Gianluca Virgilio e da Pasquale Pitardi e ritorno a casa con la gioia nel cuore di una serata intensamente vissuta fatta di incontri, lettere, arte e allegria, nel segno di Galatina e dell’amicizia.

Osvaldo Piliego, l'esordio letterario

2011-10-07T21:15:00.004+02:00

“Secondo me tutte le persone hanno un libro dentro. Quando ho iniziato a scrivere mi sono reso conto che è inevitabile che la tua vita entri nelle tue scritture”...

Da una terra per pigri
Ennio Ciotta

Partiamo dall’inizio: di cosa parla Fino alla fine del giorno?
Il libro parla di alcune vite apparentemente molto diverse fra loro ma che, in qualche modo, si somigliano. Vite diverse, con delle età diverse, che però hanno un mood, un qualcosa di musicale che le lega: rapporti familiari labili che pian piano si intrecciano fra loro con dei passaggi che si incrociano. Li possiamo considerare dei racconti paralleli che in qualche modo finiscono per convergere in una narrazione finale quasi corale.
Il libro mi ha fatto pensare molto al momento in cui, anni fa, ci siamo conosciuti: al momento siamo trentenni, allora eravamo degli adolescenti, eravamo spesso in giro per festival musicali e soprattutto, imbevuti come eravamo di ascolti e visioni, se pensavamo ad una città ci venivano immediatamente in mente Londra, New York, Berlino. Non avremmo mai immaginato, da li a qualche anno, a quali e quante esperienze avremmo fatto nel Salento.

Nel tuo libro invece c’è assolutamente una sintesi di questa prospettiva, mi sbaglio?
C’è assolutamente un lato positivo nello scegliere di vivere in un posto per così tanto tempo come abbiamo scelto di fare noi: ad un certo punto puoi vedere le cose “da una certa distanza”, osservando sia la crescita avvenuta che quella mancata. Grazie a questo puoi analizzare bene la situazione. Il Salento è una terra strana, alcune persone che hanno letto il libro hanno detto che io ho parlato di “un altro Salento”, in realtà ho parlato del mio Salento, di quello che ho sempre vissuto e che è cresciuto con me. Faccio chiaramente riferimento a quella parte del Salento che suona il rock e che vive altre atmosfere, non solo musicali, ma anche di vita. Questa è una cosa che mi ha sempre accompagnato e che sentivo il bisogno di raccontare. Spero di aver reso bene questa sensazione nel libro perché, come sappiamo, le opere prime sono il frutto di passioni covate e coltivate per anni.

Fra l’altro è un libro molto musicale. Ma secondo te in che maniera è musicale e quale musica c’è dentro?
La musica è una parte fondamentale della mia vita ed è parte integrante di alcuni dei personaggi del libro. Ho cercato di far suonare solo alcuni personaggi e altri li ho lasciati silenzio. In particolare poi ci sono due personaggi il cui ritmo della giornata è scandito dalle canzoni ed alle volte anche i testi delle canzoni diventano una sorta di messaggio, mentre altri personaggi vivono nel silenzio. Sono certo che la musica, soprattutto un certo tipo di musica, può cambiare anche le scelte delle persone. I miei personaggi sono tutti animati principalmente da musica rock, altri hanno ascolti più ricercati o marginali, come ad esempio il jazz che appartiene alla parte più depressa del libro, poi Philip Glass compare all’improvviso per un attimo come un barlume

Esattamente come è comparso a noi anni fa a Lecce durante un edizione della residenza musicale Sound Res…
Un episodio stranissimo nel Salento! Anche se a livello temporale nel libro questi eventi non sono sistemati in maniera ordinatamente sincronica, sono funzionali a far capire che alcune cose che sono passate dal Salento hanno in qualche modo influenzato l’andamento generale, magari lo hanno deviato. Il tutto senza la pretesa di scrivere un romanzo storico.
Quanta parte della tua vita personale possiamo trovare nel libro? Secondo me tutte le persone hanno un libro dentro. Quando ho iniziato a scrivere mi sono reso conto che è inevitabile che la tua vita entri nelle tue scritture. Io ho preferito frammentare la mia vita personale in tutti i personaggi del libro. Non bisogna credere che io somigli più al protagonista principale perché c’è una parte di me in ogni singolo personaggio.

Allontaniamoci un po’ da libro. Sei un salentino, sei molto attivo sul territorio dal punto di vista culturale: eventi, editoria, ecc… Sei parte di una certa “svolta salentina” grazie alla quale non abbiamo ridotto il nostro territorio alla sola equazione Salento: sole mare divertimento. Esiste secondo te una maniera per poter vivere bene in una terra bella ma difficile come la nostra? Lavorando nel settore culturale ho sempre avuto un conflitto grandissimo con questa terra. Quando avevo vent’anni ero sempre in guerra con la risposta che questa terra non mi dava. Poi crescendo ho maturato un’idea: ovunque tu sia ci sono poche cose che sono importanti e le puoi trovare ovunque. Nel Salento queste poche cose importanti sono a portata di mano. Una terra per pigri. Le cose che ti nutrono giù da noi lo fanno molto di più, parlo degli affetti. Sei circondato da persone che sono cresciute con te. I legami sono la cosa che salvano la nostra terra. Ho avuto la possibilità di vivere in altri posti e l’unica cosa che non ho mai sentito sono proprio i legami stretti. Parlo di rapporti veri. Qui ho tutto il tempo e la tranquillità interiore di poter creare e di poter stare tranquillo. Non è un caso che molti artisti decidano di trasferirsi nel Salento proprio alla ricerca di un’oasi di pace interiore. Trovano terreno fertile per poter produrre in maniera assolutamente libera. Poi questa terra ha chiaramente tantissimi difetti, gli stessi che hanno tutte le periferie del mondo.

Cosa ti aspetti da questo libro? Quali sono i tuoi progetti a riguardo?
Questo libro è un po’ un progetto familiare. Cosimo Lupo, il mio editore, è una persona con la quale collaboro da anni. Ho avuto altre richieste da parte di altre case editrici, in realtà ho pensato che non avrebbe avuto senso lavorare con altra gente che non mi curerebbe come Cosimo. Ho pensato di lavorare con gente a me vicina che crede molto in questo mio progetto. Magari non avrà dei grandi risultati ma, provenendo dall’ambiente musicale, spero di portarlo molto in giro con un tour quasi da musicista. Abbiamo già fissato numerose date. Il primo libro è una sorta di perdita della verginità. Magari ti ritrovi con vari file in diverse cartelle sul pc. Questo era un progetto più o meno concluso. Ce ne sono altri aperti su cui lavorare. Adesso mi sento sdoganato.

Salvatore Tramacere di ritorno dal Brasile

2011-10-07T10:17:00.002+02:00

Giardini di plastica
in una foto di Alessandro Colazzo

Cantieri Teatrali Koreja Il 25-26-27 settembre la Compagnia salentina è stata ospite, a San Paolo del Brasile, del Festival Internazionale di Teatro per Bambini e Giovani di Paideia. La rassegna ha ospitato spettacoli e attività di animazione riunendo diversi gruppi operanti in Brasile e all'estero per realizzare spettacoli per bambini e giovani con diverse tecniche fra cui ombre, burattini e clown. Koreja ha proposto lo storico “Giardini di Plastica” con in scena Giovanni De Monte, Alessandra Crocco e Maria Rosaria Ponzetta. Del viaggio brasiliano parliamo con il regista Salvatore Tramacere

Amor di Favela
Ennio Ciotta

Se da un lato i rapporti con le istituzioni locali, comune di Lecce in primis, continuano ad essere così difficoltose da costringervi a non poter programmare il Cartellone di “Strade Maestre”, dall’altro lato continuano i successi di Koreja all’estero. Cosa siete andati a fare in Brasile?
Siamo andati ad incontrare realtà molto simili alle nostre, anche in Brasile ci sono dei “Koreja” che hanno attitudine ed obiettivi simili ai nostri. Siamo stati ospitati in una struttura che si chiama Paideia a San Paolo dove abbiamo proposto il nostro spettacolo “Giardini di Plastica”, un centro culturale vicino ad una favela, nella periferia della città in una metropoli da venti milioni di abitanti, dove praticamente ogni quartiere ha la sua periferia. Li abbiamo incontrato delle persone straordinarie che lavorano su un terreno difficile, su territori pericolosi dove il teatro ha ancora un grande senso. Lavorano su relazioni, sentimenti, cultura, volontà di evolversi, cose che in Italia che crisi e malumori stanno spazzando via.

Un viaggio che spinge anche alla ricerca di questi valori che ormai in Italia stanno lentamente scivolando via, giusto?
In questo momento così difficile, che comprende proprio tutti, ci riteniamo davvero molto fortunati del fatto di poter andare a proporre i nostri spettacoli in Brasile, recuperiamo e ritroviamo quel “senso delle cose” che in Italia si rischia di perdere continuamente. Una sorta di forza centrifuga che butta tutto via. In Brasile abbiamo colto l’entusiasmo della gente e la voglia di confrontarsi. Dovremmo finirla una volta per tutte di considerare questi paesi parte del terzo mondo: sono aree geografiche vastissime, molto diversificate, all’ avanguardia dal punto di vista tecnologico e dell’immagine, lavorano bene anche sul cinema. Allontaniamoci dallo stereotipo del Brasile come patria del calcio e della samba. Parlare del Brasile è come parlare dell’intera Europa.

Come mai avete scelto proprio Giardini di Plastica?
Si trattava di un festival di teatro per ragazzi, lo spettacolo non ha testo e parole e quindi diventa molto funzionale a questa idea di lavoro. Il successo è stato enorme, ci hanno già chiesto di ritornare. Lo spettacolo lo abbiamo fatto al confine di una favela, sono posti difficili da spiegare. In questo luogo si radunano ragazzi di ogni tipo ed età. Alla fine dello spettacolo circa cento ragazzi hanno invaso la scena assalendo gli attori con abbracci e baci. Una cosa estremamente emozionante. Ti accorgi che devi allargare le braccia ed accogliere tutti.

Quindi da un lato “combattete” in casa per poi viaggiare così tanto e raccogliere spinte emotive così forti, cosa si prova?
Sono spinte che servono a capire ancora una volta che le cose che fai hanno davvero un senso. Pensi i poterti trasferire e continuare li il tuo lavoro, ma la carica che ti danno queste cose ti permettono di capire come affrontare i problemi che stanno a casa tua. Noi non siamo il centro del mondo, il mondo è altrove e noi dobbiamo fare i conti con questa cosa.

Arrigo Colombo, Io canto poesia

2011-10-06T12:30:00.002+02:00

Poesia Un'intervista al filosofo e poeta Arrigo Colombo a cura di Manuela Mastria

Sull’estrema soglia, è il titolo del suo ultimo lavoro poetico edito da LietoColle. Come nasce quest’opera? Nella nota al libro, lei stesso afferma che si tratta di una serie di ‘Varizioni’, ‘Canzoni’ ed ‘Inni’.

Il libro nasce casualmente. “Sull’estrema soglia” è una raccolta breve. Io avrei atteso. In passato ho pubblicato due volumetti che sono appunto le ‘Variazioni’ e le ‘Canzoni’, che sono i miei due modi di fare poesia. Per “Sull’estrema soglia” ho raccolto tre ‘Variazioni’, tre ‘Canzoni’ e tre ‘Inni’ che fanno parte, questi ultimi, di un progetto di “Inni alla Notte” a cui sto lavorando e che ho derivato da Novalis e che dovrebbero essere in tutto una ventina.

Anche questo libro torna su alcuni temi cari alla sua ricerca teorica e poetica. A questo proposito Guido Oldani, nell’introduzione, parla di una poesia colta, ma che non ha bisogno di tradire alcuna citazione. Una scrittura che, svela il suo legame con la musica, la sua derivazione musicale. Quali sono le fonti che l'hanno ispirata, oltre a Novalis, da lui stesso citato?

Se dovessi fare la storia della mia poesia, il primo autore che incontro durante il primo ginnasio è Pascoli. Pascoli, fortemente sensibile, fortemente musicale. Poi D’Annunzio, che è il mago della parola, in un certo modo. Il terzo è Leopardi. Sono questi i tre autori da cui muove la mia poesia. Poco dopo, però, incontro Eliot, in quando un mio amico mi passa un dattiloscritto del “Mercoledì delle ceneri”. Lo leggo e ne rimango fortemente impressionato. Continuo a leggere Elliot e lo leggo a tal punto e con tale insistenza che ad un certo momento non posso leggerlo più, mi ha come saziato. Sono stato diversi anni senza toccarlo. Naturalmente da queste letture nasce il mio modo di fare poesia. La poesia italiana è dominata dal frammento. Io, invece, ho bisogno di un discorso ampio. Per questo scrivo poemetti essenzialmente. Ad un certo momento mi viene l’idea della ‘Variazione’. Seguo molto la musica. Anche quando scrivo di filosofia devo sempre ascoltare musica (musica che conosco già e che quindi vibra nell’anima e stimola il pensiero). La mia poesia ha sempre una forte musicalità. Questa derivazione quasi musicale del fare poetico nasce da alcune riflessioni legate alla possibilità propria della musica di enunciare un tema, poi ripeterlo, poi variarlo, poi riprenderlo. Da qui l’idea delle ‘Variazioni’ poetiche che riprendono sempre lo stesso tema e che sono in quattro o cinque tempi. Questo risulta chiaro, per esempio, nella prima ‘Variazione’ che compare sul mio ultimo libro dal titolo “Sul tema della luna cadente”. Come si può vedere, queste variazioni sviluppano un tema che va, di solito, verso la catastrofe, perchè esprimono il nulla delle cose. Io sono profondamente credente. Dio è tutto, mentre l’uomo stesso è nulla. È un’idea heideggeriana. Io sono uno studioso di Heidegger, ho studiato a Friburgo, dove c’era la sua scuola. L’uomo è l’essere di un nulla di sé. Tutto ciò che comincia ad essere non può essere per se stesso, altrimenti come si darebbe l’essere? Sull’insieme di queste idee nascono le ‘Variazioni’.

Nella sua formazione e nella sua ricerca, la poesia ha sempre rivestito un ruolo fondamentale, essendo, insieme al pensiero, l’altro momento e modo del disvelarsi dell’essere. Cosa significa per lei fare poesia? Qual è la relazione che tiene assieme la sua ricerca filosofica e quella poetica? Quale il filo rosso che lega le due esperienze?

Momento poetico e filosofico sono paralleli nella ricerca umana, secondo il mio parere. Non c’è molta differenza. Sono due modi di esprimersi, di cercare la verità. Per me la filosofia è la ricerca della verità, della verità divina. È un impegno morale per il bene dell’umanità. La ricerca sull’Utopia che si sviluppa dall’82 diventa la ricerca del progetto dell’umanità che è il progetto di una società di giustizia e di una società fraterna, più ancora. La poesia è la sublimazione del discorso umano. È lo stesso pensiero che si esprime altrimenti. Noi parliamo di intuizione poetica, ma ad essa deve fare seguito un distacco. La scrittura deve attendere. Un pomeriggio andando sul terrazzo, guardo verso est e vedo una cortina di nubi. Al termine di questa cortina, c’era posata proprio la luna, che, sembrava, che dormendo dovesse scivolare giù, dovesse cadere. Qui ho l’intuizione poetica. Dopo, però, viene il tempo che questo fermento nell’animo, nell’inconscio abbia il tempo di crescere e di arricchirsi da sé. Solo dopo si arriva alla decisione di scrivere. Come del resto dice Leopardi nella sua famosa lettera a Melchiorri, in cui spiega il suo modo di fare poesia. C’è una prima fase torrenziale della scrittura, un torrente di lava che esce fuori da sé. Il momento successivo, invece, è quello dell’elaborazione del discorso poetico, ed è una fase piuttosto faticosa. Leopardi addirittura diceva che questa fase gli comportava settimane di lavoro. Per me non è così. Capisco, allo stesso tempo, che questo processo implica del tempo perché è qui che il discorso poetico deve costruirsi nelle sue peculiarità. È questo che rende differente il discorso quotidiano o filosofico da quello poetico. Il costruirsi del discorso poetico deve essere dominato dal ritmo, dalla musicalità, da quelle che in passato erano chiamate le forme retoriche. Per questo amo l’iterazione, l’accumularsi della parola (come il mettere 3 o 4 aggettivi di seguito), l’inversione, oppure l’allitterazione (questi due suoni simili che seguono l’uno all’altro). Nella poesia amo cioè, che la parola ritorni. Amo sentire la parola, gustarla...

Nell'1985 ha fondato, insieme a Walter Vergallo il Laboratorio di Poesia nell’Università di Lecce, luogo di confronto, scambio con i maggiori poeti salentini. Il laboratorio ha poi dato vita ad un prolifico giornale di poesia, L’Incantiere. Altra importante esperienza è Salentopoesia, festival in cui la poesia sposava altri linguaggi artistici, dal teatro, alla musica, alla danza. La sua idea e la sua pratica di un fare poesia si è declinata negli anni nella costante necessità della lettura e dell’incontro pubblico. Compito del poeta è, dunque, cantare la poesia in un corpo a corpo tra chi fa esercizio di scrittura e chi è chiamato all’ascolto?

Quando abbiamo pubblicato il numero zero dell’Incantiere abbiamo enunziato due principi: “il principio di spettacolarità e il principio di popolarità”. In realtà la poesia non è lo scritto. Lo scritto è soltanto il tramite di conservazione e comunicazione. Si scrive poesia per poterla comunicare poi, in maniera più ampia. Il vero essere della poesia sta nella parola parlata, sta nel suono, nel canto. La poesia è canto, come giustamente fa Leopardi che chiama Canti le sue poesie. L’essere della poesia sta nel canto, quindi nello spettacolo, cioè è spettacolo, un momento spettacolare. Appunto perché è sublimazione del discorso umano, la parola poetica è musicale, ha questa musicalità intrinseca. Proprio per questo io non parlo mai di reading di poesia, come spesso si dice. No. La poesia non è una lettura, è un canto, anche quando si legge. Siccome la poesia è spettacolare di per se stessa, noi facciamo spettacoli di poesia. Quest’idea dello spettacolo deve coniugare un altro principio che è quello della popolarità. La poesia è ritenuta di solito un’espressione d’elite, di nicchia. Invece, essendo una sublimazione del discorso umano, deve essere comunicata molto alla gente. La gente deve gustare molta arte, molta poesia, deve formarsi un gusto poetico, non deve accontentarsi di un modo banale di vivere. Se pensiamo al lavoro umano, per tanti secoli, il lavoro umano era rappresentato dal lavoro contadino. Poi è subentrato il lavoro industriale. In America negli anni ’70-’80 eravamo giunti ad un punto che la forza lavoro impiegata nell’agricoltura era passata dal 50% al 5% in cento anni, poi è scesa ancora al 3%, fino ad arrivare all’1,5% di oggi Le cose sono cambiate con l’avvento dell’industrializzazione. Nel settore industriale la macchina è autonoma, ha bisogno solo di una fonte di energia. In futuro le fabbriche saranno grandi automi e faranno tutto da sé. Resterà solo un margine di lavoro umano. Il lavoro, come detto, passa nel terziario. Il terziario deve espandersi. Parigi è una città di 13 milioni di abitanti (il comune è stato ristretto a 3 milioni di abitanti, ma questa è stata un’operazione politica). C’era una sola Opéra, ora c’è anche l’Opéra Bastille. Cosa fanno 13 milioni di abitanti con due teatri o con una sola Sala da Concerto? Se vogliamo che l’uomo si umanizzi, che diventi più umano e sviluppi le sue meravigliose potenzialità, deve svilupparsi il terziario e quindi il mondo della cultura, dell’arte e del teatro. Anche qui a Lecce ci dovrebbero essere più compagnie teatrali, se solo questa città fosse stata più sensibile al teatro. La poesia, come la musica (soprattutto quella classica che è uno dei livelli più alti) deve arrivare alla gente. La gente deve sentire poesia, altrimenti le manca una parte importante. La gente ha bisogno di essere sensibilizzata.

Si può oggi fare poesia? Fare una poesia che dica delle contemporaneità, della “stringenza” del presente? Quali sono gli autori contemporanei a cui guarda?

Io trovo strana questa domanda. Se si possa oggi parlare di poesia. Non capisco questo scetticismo nei confronti della poesia. Certo che c’è una poesia che dica del presente. È chiaro che io leggo gli autori contemporanei. Ho cominciato da Pascoli e D’annunzio e poi Eliot però ho letto Ungaretti, Montale, Sanguineti, Zanzotto. Tutti i maggiori poeti del Novecento non solo italiano ma anche francese, inglese, americano. La lettura di “Foglie d’erba” di Whitman, per esempio, è stata importante o quella di Emily Dickinson che è inglese. Quindi un poeta deve nutrirsi di poesia.Io che faccio poesia prima di cominciare a scrivere leggo i poeti e anche quando ho finito leggo ancora dei poeti. La poesia è la sublimazione del discorso umano ed è necessaria in ogni tempo. Certo nel nostro tempo corre il pericolo di banalizzarsi in forme di linguaggio o in forme visive banali, ma anche in questo caso i grandi film, il vero cinema sono altra cosa. Io amo molto il cinema e vedo molto cinema perché nel cinema c’è in atto una storia, un’umanità. Questo è ancor più evidente nel teatro, dove c’è anche una presenza e una comunicazione diretta. Insomma, tornando a noi, la poesia è di sempre. La poesia nel Novecento non ha attraversato una vera crisi, a differenza dell’arte visiva. L’arte visiva attualmente non c’è. Quella che prima era pittura, scultura, disegno, è diventata installazione. Finalmente c’è stato Maffesoli storico francese che ha scritto un grosso libro, di oltre settecento pagine che ha avuto il coraggio di dire che l’arte, che è stata grande nei Millenni, ora non c’è più. Quindi bisogna cambiare strada, radicalmente.Noi proprio questo problema abbiamo affrontato due anni fa nel nostro “Manifesto per una nuova poesia- per una poesia più compiutamente umana” Questo manifesto è stato presentato a Milano, a Cagliari, è stato pubblicato e discusso due anni fa in SalentoPoesia (che come si sa è strutturato in due serate di poesia e in una mattinata di laboratorio a cui partecipano i poeti).

Indagine sull’opera di Antonio Errico

2011-09-12T22:00:00.002+02:00

«Ma fare il conto degli anni cosa serve. Gli anni cosa contano»

Il tempo e la memoria

Lori Marra

Dolcezza e furore. Vaghezza e indeterminatezza dei contorni, confusi e sfocati tra vita e non vita, tra Amore e Morte, ragione e delirio, tra un autunno al suo finire e un inverno al cominciare.

Verità celate o appena accennate, intraviste, in una serie di piani di lettura che ora si intersecano e si intrecciano, ora si contrappongono e si negano. Consiste in questo la vis poetica di Antonio Errico; nei suoi scritti non dà risposta ad interrogativi, anzi pone il dubbio, spesso lacerante; afferma e ritratta, in un continuo rimescolio di pensieri; non comunica, ma esprime stati d’animo e sensazioni che dalla sfera intima e personale si dilatano a comprendere un più ampio respiro universale, riuscendo ad annullare lo iato tra vita e poesia.

Il tempo e il mare

Tanti sono i nuclei tematici della sua poetica. In particolare il tempo, nel suo essere scorrere ineludibile, trascolorare della memoria, passato, nostalgia, ricordo, diventa la chiave di lettura della sua interiorità. La memoria, in particolare, come scrive ne “Le ragioni della passione” (Kurumuny, 2010) «è quel territorio dell’appartenenza che si attraversa incessantemente per verificare il grado di riconoscimento di sé e della storia che ci riguarda». E parte integrante dell’identità e della storia di Antonio Errico è il mare, costante punto di approdo del suo ritorno al passato, all’antico, all’archè della sua esistenza; depositario di memorie, speranze, solitudini, attese, nostalgie: «Il mare non racconta», dice infatti Palinuro in “Favolerie” (Manni 1996), e quindi non tradisce; «siamo noi che raccontiamo al mare. É specchio scuro fondo silenzioso che chiude dentro di sé ogni sussurro, ogni urlo, i segreti delle storie che noi gli confessiamo». Ma il mare non è solo interlocutore muto. Antonio Errico lo sente e lo percepisce come palpito di nostalgia, anelito di lontananza, desiderio di infanzia, leggerezza, libertà e incoscienza. In consonanza con il suo temperamento ne coglie il fragore, la sonorità maestosa, la profondità inquieta e insondabile, come se ne conservasse nell’animo il ricordo nostalgico del disertore di “Stralune” (Manni 2008) che rievoca quando era figlio che disubbidiva e si allontanava da casa nei pomeriggi d’estate per andare a tuffarsi dalla parte più alta della montagna spaccata a strapiombo sul mare.

La sostanza degli anni

Tuttavia il tempo, la memoria, i ricordi sono aspetti della vita che Antonio Errico vive in maniera conflittuale, talvolta contraddittoria, in un crescendo di tensione drammatica. Come scrive in “Favolerie”, il tempo è stagione che passa, è vita che va via inesorabile, è fiume che non si ferma, e gli anni sono solo un attimo, un sospiro.

Cancella tutto il tempo nel suo sopore, cuce ogni strappo, ci consola smemorandoci. Come la risacca che cancella i segni sulla sabbia, cambiandone ogni volta il profilo e il riflesso.

Così per Eleò in “Favolerie”: «Il tempo gli passava sui capelli, sulla sua barba, sopra i suoi dolori, sopra il cuore passò, per cancellare come fosse unguento ogni ferita. Gli cancellò le lacrime, i rimpianti, la solitudine, le parole amare; gli cancellò l’amore e i tradimenti, i morsi dell’anima». E soprattutto è stagione irripetibile. Il passato assume infatti la forma di un tempo concluso e archiviato nella sua irreversibilità ed esclude la possibilità di un ritorno: «A volte ho la tentazione di tornare», ammette il Fanciullo di Puglia ne “L’ultima caccia di Federico Re” (Manni 2004), ma è una malinconia sottile, la debolezza di un attimo, subito smentita e messa a tacere dalla presa di coscienza che non ci sarebbe più nessuno ad aspettarlo; questa la mesta consapevolezza delle sue parole: nessuno avrebbe più nulla da darmi. Nulla potrebbe essere più uguale.

Nella nave vita

In “Favolerie” Eleò sa bene che non si ritorna mai, che tutto cambia: «Come si possono trovare intatti i pensieri, i segreti, si può guardare solo da lontano o nascosti dietro le spalle del tempo che è passato, perché felice può essere solo la memoria di ciò che è stato prima di partire», quella che ciascuno conserva.

É il tema del nostos, cifra dell’Odissea, caro anche a Cesare Pavese. É un Ritorno quello che narra e descrive ne “La luna e i falò”, fatto di fili di memoria, nostalgie e disillusioni. Il protagonista torna nei luoghi della sua infanzia, ma solo il paesaggio delle Langhe ha conservato il suo aspetto di una volta; da qui il suo interrogativo: «di tutto quanto, della Mora, di quella vita di noialtri, che cosa resta?»; tanti, troppi sono i volti svaniti nel tempo; tutto è amaramente mutato, svuotato; il passato rivive solo nel suo ricordo.

Il tempo infatti non offre mai una possibilità di sopravvivenza di storie e di creature a loro stesse. É la drammatica presa di coscienza del disertore di “Stralune”, disertato da chi gli è appartenuto, nel deserto affettivo che ha trovato al suo ritorno, in una realtà che acquista la dimensione di un luogo perduto. Le parole del padre (o almeno di chi reputa tale) sono il riflesso della sua coscienza: «Hai capito che quello che vedi è solo la scorza; che ormai è solo un tempo finito».

Come constata amaramente Thomas Eliot, «nella vita di un uomo non torna mai lo stesso tempo»; e la finitezza, l’irrecuperabilità del tempo trascorso ha una cadenza quasi ossessiva nell’ animo del protagonista di “Stralune”. Glielo ricorda quella che è stata la sua amante: «Se c’é un altro è perché tu ora sei passato, non puoi più tornare»; ne è consapevole egli stesso; così Antonio Errico dà voce ai suoi pensieri: «Sapeva che non avrebbe potuto innamorarsi un’altra volta, che non ci poteva essere nessuna ripetizione del tempo». Questo perché la vita è un continuo navigare e, come medita tra sé e sé Palinuro in “Favolerie”, «ha senso solamente il tempo sconosciuto ha senso navigare senza meta” ha senso il “bisogno di scordarsi, di scordare, per non giungere mai in nessun porto».

Con il guerriero smemorare

La memoria infatti può essere ingannevole. Talvolta può diventare elemento scomodo e ingombrante e questo succede quando riporta a galla un passato di ombre, di insoddisfazioni, un passato inutile, inconcludente, stupido. É il caso del generale Turno in “Favolerie” che, davanti alla sconfitta personale e alla perdita del suo regno per mano di Enea, si abbandona alla resa, anche a quella dei ricordi: «Io ho bisogno di scordare. Non voglio più memoria». Questa è la sua volontà, dinanzi al sangue di una guerra persa, come non voler vedere i fasti di ciò che si era di fronte alla miseria di ciò che si è diventati. D’altronde, come scrive Antonio Errico ne “Le ragioni della passione”, «la memoria è anche una ricostruzione semantica della propria condizione di uomo»; rifiutarla e rinnegare la delusione di un presente in cui non ci si riconosce, equivale a rifiutare la propria identità, poiché «l’identità non è altro che un esito della memoria».

Pallante in “Favolerie” sa che un guerriero non ha sogni, non ha ansie, memorie, come se tutto ciò rappresentasse il lato debole dell’essere uomo. Diventare ombra smemorata, dunque, apprendere, come suggerisce Federico, la saggezza della dimenticanza, non avere più ricordi, poiché spesso, con le parole di G. Ungaretti, i ricordi sono «un inutile infinito», ingombrante zavorra, labile confine tra rimpianto e rimorso.

«Scorda il ricordo» diventa allora l’imperativo, come nelle parole di Calcante in “Favolerie”. Così il disertore, nelle pagine conclusive di “Stralune” vorrebbe dormire e dimenticare, e nella preghiera finale chiede esplicitamente «Non mi indurre nella tentazione della memoria, del rimpianto».

Da qui la preghiera del padre al figlio disertore: «Dimentica tutto. Ricorda solo tutto ciò che ti può liberare dal desiderio del ritorno». Occorre dunque sedare il cuore di fronte alla tentazione del salto all’indietro, affascinante e ingannevole canto delle Sirene, richiamo ancestrale, ineludibile, soprattutto nell’autunno della vita quando forse, più che gettare lo sguardo in avanti, fa meno paura guardare a ciò che è stato. É questa la consapevolezza del padre di Enea in “Favolerie”: «Sapevo che si ritorna quando annotta; sapevo che si ritorna quando il fiato comincia a farsi grosso». Ma le stagioni tramontano e il presente tradisce inesorabilmente e dolorosamente il tempo andato, le assenze si sommano, le voci si spengono e cresce la solitudine di chi sopravvive. Amaro il rimpianto del padre in “Stralune”: «Avrei dovuto cercarti per impedirti di tornare, per non farti vedere come siamo cambiati», per risparmiare al figlio il dolore di un presente appassito e consunto.

Forse solo gli occhi si sottraggono all’ingiuria del tempo, al suo potere di solcare il viso, di snaturare e cancellare i tratti originari. Così, nostalgica, la madre del disertore in “Stralune” ricorda il suo uomo qual era poco prima che questi la abbandonasse: «Ho pensato che la bellezza gli si era stretta tutta intorno agli occhi. Gli occhi l’ avevano salvata dalle frustate delle rughe sulla fronte».

Anche i nomi si sottraggono alla stessa cancellazione impietosa.

Sono un modo di contrastare la morte, la scomparsa assoluta, poiché ogni nome, nel suo essere ultima scaglia di memoria, ha un valore pregnante e rappresenta una vita, un’esistenza.

Il generale Turno in “Favolerie” si interroga da sempre, senza trovare risposta, sul loro valore, chiedendosi se “i nomi abbiano una storia, se sfuggano allo scuro che si spande sulle avventure degli uomini” o se precipitino anch’essi nel vuoto e nel silenzio.

Il conto degli anni

Stessa amara meditazione sul potere inesorabile del tempo di recidere i volti e le vite in Vittorio Bodini, presenza poetica viva negli scritti di Antonio Errico (donde la ripresa testuale del verso «e sola luce accesa era una sala da barba», quale riaffiora nella memoria confusa di uno dei personaggi di “Stralune”): «Tutto nella memoria /cade a pezzi, sprofonda/ senza rumore/nelle botole dei morti»; e anche per il poeta, mentre ogni aspetto del passato si sgretola e si frantuma, i nomi sono l’unico appiglio della memoria, ciò che resta nell’inesorabile svaporare degli anni: «Ma gli anni? Dove sono gli anni? I volti amati si sfrondano delle loro vicende, non restano che i nomi». Forse è proprio per questo che il tempo fa paura, in quanto sottrazione che azzera, oblio e dimenticanza, come traspare dalle parole dell’orologiaio in “Favolerie”: «Noi abbiamo paura del tempo. Ci fa paura il sole che tramonta, il muro che si scrosta, il volto che si perde, la voce che si tace, l’inchiostro che scolora, la memoria che si ingombra». Anche il disertore non si sottrae a questo d’animo e vorrebbe fuggirlo: «Pensò che voleva soltanto dormire. Perché era stanco degli anni, dei suoi anni, degli anni degli altri, stanco di contarli, stanco di temerli».

«Ma fare il conto degli anni cosa serve. Gli anni cosa contano», sono le parole che Antonio Errico presta a Federico, formula iterata, specchio di un’angoscia cadenzata, un volersi ribellare alla freddezza di un numero che inchioda.

Gli anni, in fondo, sono il modo in cui si srotola la vita di ciascuno, metodo convenzionale per riconoscere e fermare in un numero il fluire silenzioso del tempo, scandendone le tappe. Ma già Seneca asseriva che l’intensità di una vita non necessariamente cresce in maniera esponenziale con la sua durata e forse, misurare una vita col semplice computo degli anni non è il modo migliore per rendergliene ragione. Così il disertore: «Pensavo che non è con il conto degli anni che si calcola il tempo di una vita. Pensai che per contare il tempo di una vita bisognerebbe misurare la distanza tra il primo giorno e l’ultimo con le pulsioni che hanno regolato ogni istante, con i brividi che hanno attraversato le vene. Pensai che bisognerebbe misurare quella distanza con la pazienza e il tremore di ogni attesa, con ogni notte torbida e ogni alba serena, lacrima per lacrima, sorriso per sorriso, con tutto quello che si è pagato a prezzo caro, con quello che si è avuto per dono immeritato, con ogni passo d’incontro, con ogni sguardo d’addio».

Ora, considerato, come scrive M. Kundera, che un romanzo “non è una confessione dell’autore, ma un’esplorazione della vita umana”, assodato questo, rimarrebbe da indagare quanto di Antonio Errico si celi dietro i suoi personaggi, quanto di lui si nasconda nei dissidi tormentati e laceranti del disertore, quanto di lui si sovrapponga al vorticoso delirio di Federico, alla sua accesa passionalità, ai suoi accenti di disarmante e inaspettata dolcezza; a quali sue paure dia voce mediante un personaggio enigmatico ed endofasico quale il protagonista di Stralune.

Ma questa è tutta un’altra storia.

Il Salento estremo di Rocco Normanno

2011-09-12T17:51:00.002+02:00

Un'opera di Rocco Normanno

Per Vittorio Sgarbi, Normanno, è l’ultimo dei caravaggeschi che è come dire che egli guarda e rappresenta la realtà di oggi come Caravaggio vedeva e rappresentava la realtà del suo tempo. La stessa realtà in abiti diversi

Nel sé, tenere l'arcano

Gigi Montonato

Rocco Normanno per esprimersi è come se avesse scelto un contesto protettivo. Nel suo caso, Caravaggio, il pittore dei contrasti di luce violenti; maledetto per la sua vita disordinata e criminale. Ma la scelta, quale che sia, è rivelatrice, confacente.

Rocco è un mite. Lo è sempre stato. Ho un ricordo personale. Se mi sbaglio, spero che mi corregga. Mi recavo a scuola, una mattina di novembre del 1981. Insegnavo a Ruffano e sulla via che da Taurisano porta verso quel paese, col sole accecante di fronte – qui, nel Salento il sole basso è un laser – quasi investivo un bambino, di sei o sette anni non di più. Lo urtai con la fiancata della mia 126. Scappò via. Una persona mi disse che era figlio di Guerrino Normanno, che abitava nei paraggi. Conoscevo bene compare Guerrino, spesso ero stato a casa sua per chiamarlo a giornata nel mio giardino. Mi preoccupai di sincerarmi se gli avevo fatto male. Lo trovai a casa con la mamma. No, non è niente, professore; va tutto bene. Rimasi colpito dalla sua serenità e mitezza. Qui, nel basso Salento, a Taurisano, i bambini in genere sono come la luce del sole, vivaci, sfrontati, dispettosi. Il rione “Matonna”, dove i Normanno avevano le loro case, è come un paese nel paese. Abitato tradizionalmente da famiglie di contadini, giornalieri di campagna, una volta con dieci-dodici figli a testa e a volte anche di più. Fino all’età di undici-dodici anni i maschi vivevano per strada, dediti ai giochi più vari, capaci di ogni sorta di acrobazia, di scalare muri alti anche tre metri per entrare nei giardini privati, salire su alberi di sette-otto metri per raggiungere le primizie e andare per lamie da un capo all’altro dei caseggiati.

Fu per me come una meravigliosa scoperta, quando, alcuni anni dopo, nel 2006, ebbi il catalogo di una personale di pittura, tenuta a Piacenza, con la presentazione di Vittorio Sgarbi. Il pittore era Rocco Normanno, da Sgarbi considerato “l’ultimo dei caravaggeschi moderno”. Che è come dire che egli guarda e rappresenta la realtà di oggi come Caravaggio vedeva e rappresentava la realtà del suo tempo. La stessa realtà in abiti diversi.

Nato nel 1974, poteva essere quel bambino di trent’anni prima, che, per poco, non avevo messo sotto. Le immagini erano stupefacenti. Sembrava che il Merisi si fosse reincarnato in Normanno, Caravaggio in Taurisano, e si fosse espresso con volti nuovi, diversi, del luogo, quasi tutti famigliari. Sconvolgenti certe scene bibliche per la crudezza delle immagini e nello stesso tempo disarmanti per la normalità dei volti. In “Giuditta e Oloferne” sembra proprio che le due donne stiano svolgendo una pratica domestica, abituale, invece stanno scannando un uomo; una lo tiene per i polsi, l’altra con una mano gli tiene ferma la testa e con l’altra sta per tagliargli la gola. Raccapricciante. Anche nel “Davide e Golia” colpisce il contrasto tra la serenità dei volti dei protagonisti con l’enormità del gesto anche qui ripetuto del taglio della gola. Quello del contrasto tra il volto, quasi disteso e rassicurante, e il gesto enorme e brutale è una costante, con qualche eccezione, come in “Caino e Abele” e “Medea”, dove al gesto si accompagnano la violenza facciale e la drammaticità della scena. Altra costante è il mancinismo prevalente dei personaggi: il gesto risolutivo lo compiono quasi sempre con la sinistra.

Ovvio che le più celebri tele del Caravaggio sono ri-create da Normanno. Gli elementi specifici della re-invenzione sono essenzialmente riconducibili al realismo. Gli ambienti, i vestiti, gli oggetti, le armi appartengono al tempo presente, come del resto nelle opere del Caravaggio, dove, a parte il tema, tutto il resto si consuma nella realtà del tempo.

L’ho rivisto di recente a Taurisano nella manifestazione “Arte in Terra”. Ancora tre tele di carattere caravaggesco, con cui ha vinto il Premio dell’Edizione 2011. Mi ha fatto graditissimo omaggio di una sua elegante brochure che raccoglie i suoi “Dipinti dal 2003 al 2009” (Gipsoteca Libero Andreotti, Pescia, 2009).

E’ probabile che la scelta caravaggesca risponda a criteri estetici, che Normanno in Caravaggio abbia trovato la sua miniera di temi e di modi; e può essere solo una fase del suo percorso pittorico. Negli ultimi soggetti, infatti, appaiono temi e personaggi, forse non del tutto nuovi, ma di sicuro riconducibili alla ricerca. Il contrasto si riaffaccia ancora, ma è meno dissonante e trova equilibrio nell’analisi psicologica. Ne “Il Suicidio”, quadro con cui Normanno è presente nel “Padiglione Italia” della 54. Biennale di Venezia nell’ex Convento leccese dei Teatini, la “Biennale diffusa” di Sgarbi, la donna appare serena, eppure ha nella destra il pugnale di morte. Nella “Vecchia con la bambola” il contrasto diventa addirittura icona di una condizione, demenza senile in recupero di un’infanzia tradita.

Il Normanno, che mostra la sua più genuina appartenenza sotto le suggestioni forti, bibliche o mitologiche, è quello delle donne, riprese in una femminilità positiva “Madonna col bambino”. Ma anche quando sono delle peccatrici: “Maddalena penitente, “Salomè”, hanno una dignità che rivela consapevolezza del vissuto e compostezza interiore. Perfino nell’avvertito pericolo esistenziale, “Tossica”, la femmina è rispettata nel portato naturale della seduzione.

Produzione meno impegnata sotto il profilo culturale e più rispondente ad esigenze forse anche di committenza, sono “Ragazzo con casco e tulipani”, “Marte a riposo”, “Eva” (Fiona May,) e le tele d’ambientazione borghese: “Il Collezionista”, “Gli Antiquari”, “Nicolo e Giulio”, “Collezionista di ventagli” e le “Nature morte”.

Qua e là si affacciano richiami diversi, tentazioni, che accennano ad una sorta di ricerca di 'exit strategy' da una fase che potrebbe considerarsi conclusa. “Mercurio a riposo” propone motivi surrealisti che ricordano un certo Dalì, mentre in “Narciso” affiora, anche se contenuto, qualche motivo barocco, che nel Caravaggio è di stagione.

È sempre difficile e rischioso individuare le vie dell’arte, seguire il percorso artistico di qualcuno o addirittura prevederne gli esiti. Tanto più quando si ha a che fare con uno come Normanno, la cui tecnica è talmente raffinata e virtuosa che potrebbe egli percorrere la strada che volontà ed esigenza gli indicano volta per volta. Oltre tutto viene da una terra estrema, per oggettiva fisica collocazione, dove nella staticità di fondo si agitano contraddizioni enormi e da mattina a sera cambiano i venti e rendono inutili le previsioni; dove nella stanca da controra meridiana possono agitarsi violenze incredibili e contrasti estremi. Normanno è stato scelto, per un arcano dono di natura, ad avere in sé tutto della sua terra ed una straordinaria capacità di rappresentarlo.

Il Gramsci di Elio Coriano

2011-08-04T13:03:00.001+02:00

Poeti/ Elio Coriano

Cronache culturali: lo scorso martedì 26 luglio, la libreria Voltalacarta di Calimera, ha ospitato Gramsciana, serata dedicata al politico e filosofo dal Elio Coriano accompagnato dai suoni di Vito Aluisi...

“Carissima Tania, sono assillato (è questo fenomeno proprio dei carcerati, penso) da questa idea: che bisognerebbe fare qualcosa “fur ewig”. Vorrei occuparmi intensamente e sistematicamente di qualche soggetto che mi assorbisse e centralizzasse la mia vita interiore”
Antonio Gramsci

«(…) La questione dell’attualità della propria ricerca è presente a Gramsci fin dalla gestazione dei Quaderni del carcere. In una notissima lettera del 13 marzo 1927 Gramsci, prigioniero nelle carceri fasciste e consapevole che tale condizione non sarebbe mutata per molto tempo, comunica a Tania l’intenzione di iniziare una serie di ricerche che lo occupino «intensamente e sistematicamente», assorbendo e centralizzando la sua «vita interiore». Si tratta, precisa Gramsci, di «far qualcosa “für ewig”», di lavorare «da un punto di vista “disinteressato”» (L I, 63). Scrivere “für ewig” significa non esaurire la funzione della scrittura nella immediata contingenza della lotta politica, ma affrontare con tutta l’ampiezza concessa dalle condizioni della vita carceraria – certo non molta – e con la radicalità necessaria gli argomenti di maggior interesse per intendere il presente; essere “disinteressato” non significa affatto rivendicare un’astratta neutralità alla ricerca, ma assumere un atteggiamento scientifico nell’analisi, senza aderire a punti di vista preconcetti, fare proprio un’abito “spinoziano” teso alla comprensione intellettuale piuttosto che alla condanna, alla irrisione o alla invettiva moralistica. È appunto il proposito che il prigioniero realizzerà, tra mille difficoltà di ordine materiale, fisico e morale, nella stesura dei Quaderni tra il 1929 e il 1935...»

Massimiliano Biscuso

Il Für ewig
Francesco Aprile

Porto con me appunti scarni, ricordo di una serata di un grido al tritolo. Porto con me alcune pagine mezze vuote d'appunti che hanno provato ad inchiostrare una voce, un grido e lo slancio del reading, tutto, che impone attenzione. È lo spazio vitale delle parole, quelle del poeta, che ti chiedono, con fermezza, di porti su di una dimensione diversa da quella dell'uso quotidiano, ti si fanno incontro con decisione e rivendicano attenzione.
C'è questo nella figura di Elio Coriano, in quelle parole che sanno tramortire anche l'aria attorno, perché nessuna vibrazione possa sfuggire all'ascolto. Il Fürewig di Elio Coriano è un tramandare un insegnamento. Un concimare le coscienze col seme sacro della consapevolezza. Perché dovevamo essere «noi il colore» (Coriano, E., Fürewig) squarcia l'aria il grido e insinua, nell'ascolto, la necessità di porsi in maniera diversa nei confronti della vita, mentre attorno tutto scorre e si resta fermi immobili a lasciar depositare le parole ed i loro rimandi.
C'è tutto questo nel reading per piano e voce che Coriano dedica, coi suoi versi, ai Quaderni del carcere di Gramsci, a quella necessità che richiede un impegno fermo, perché ad assimilare tutto il peso la forza e l'agire di certe parole, certi versi contornati dall'esplosione, ci vuole tempo, un periodo di riposo assente in cui, inerme, l'organismo continua ad ascoltare. Anche alla fine delle parole. C'è una poetica che si manifesta dalla storia e tenta di risolverla nel prosieguo della quotidianità, in un capovolgimento, quello delle parole, che è proprio del Fürewig che Gramsci aveva ben capito e Coriano sviluppa a partire dalla necessità del lasciar diffondere e divincolare, un insegnamento, dalle pagine sbiadite, incrostate da nostalgia morta, del tempo che fu e non si proietta nell'oggi per farsi già domani.
È una poetica che legge il contesto senza mai sradicarlo da una concezione più ampia, che esula le parole dal legarsi esclusivamente alle peculiarità di un tempo, verso, quindi, una dimensione Fürewig (non per la contingenza, ma per l'eterno), appunto, che ammansisce la necessaria condizione di essere nell'hic et nunc realizzando quell'immagine dialettica strutturata e resa possibile, cristallizzata, attraverso il linguaggio, poetico nel caso specifico, che riesce a tendere una e più corde per una concezione poetico-linguistica che produce l'enfasi smorzata, dal peso delle parole, di un insegnamento valido ovunque, nel tentativo di risolvere il mondo e le sue questioni in relazione ad un'educazione umana volta alla consapevolezza.
Prendere in mano la propria vita è, dunque, un messaggio, figlio di uno sforzo consapevole che è culmine di un vertice vitale, di un realizzarsi come uomini in quanto uomini, esseri umani non partoriti da interessi contraccettivi personali. Perché «a non scoraggiarsi mai, questo è il messaggio che un uomo lascia ad un altro uomo» (ivi) e nel non cercare esclusivamente nei libri la vita, ma nella vita stessa, è un altro dei passi di una certa poetica (come già nel Lamento
dell'insonne, dello stesso Coriano per Lupo Editore, scrive infatti «Controlla le tue ebbrezze di conoscenza/tutti i libri del mondo non ti insegneranno/né a vivere né la vita/sarai tu a storcere a spezzare/a essere storto a essere spezzato/e ricaverai succo aspro dalle vendemmie/di silenzio/e lo berrai fino all'ultima goccia/e per il dolce dovrai schiacciarti sulle labbra/api selvagge e non d'alveare») memore delle peculiarità proprie del linguaggio, per cui in un mondo che si compone di fatti – ossia nel sussistere di stati di cose che si manifestano nel loro poter essere espressi per mezzo
del linguaggio – Coriano realizza una sorta di linea programmatica della sua poetica in quel tentativo di organizzare un discorso la cui validità poietica sia possibile individuare nell'ora di ogni tempo, in virtù di una rappresentazione coerente del mondo attorno, ed una presa di posizione autoriale che legittima il peso della parola costruendole attorno quella condizione di universalità dettata dalla forza di imporsi in un ascolto mirato al donare consapevolezza, al donare di un uomo ad altri ancora l'insegnamento del «non scoraggiarsi mai», ribaltando quell'assurdo – dice il Fürewig
di Coriano che «c'è un senso anche nell'insensato più profondo» – che si realizza nella relazione fra
uomo e mondo, in virtù di un fare camusiano che struttura l'uomo, nella sua propria consapevolezza di sé e del mondo attorno, in quella presa di posizione verso il destino stesso che si realizza in una sorta di resistenza ribelle, del non piegarsi, del «prendere in mano la propria vita» in un esistere nella resistenza senza mai abbandonarsi alla rassegnazione.
Il Fürewig di Elio Coriano è un tramandare un insegnamento. Un concimare le coscienze col seme sacro della consapevolezza.

Mino De Santis

2011-07-26T11:21:00.002+02:00

Musica/ “Lu scarcagnizzu” di Mino De Santis

Ci sono le parole. Quelle che si consumano lentamente. Perché prima di entrare in circolo spezzano luoghi comuni e frasi fatte...

Lo spazio autoriale della verità

Erika Sorrenti e Francesco Aprile

Come Mino De Santis non sia una delle solite “cose nostre”, di quelle robe da sagra, da finto divertimento, di scarsa qualità, lo capisci subito. E non solo perché sia in gamba con la chitarra e con le parole, né perché non ci siano tamburi e tamburelli ad accompagnarlo. Lo capisci da quell'aria seria con cui propone i suoi pezzi, che quasi ti fa sentire in imbarazzo per le tue fragorose risate (...stupida che sei!).

Quell'aria che sembra dirti “ehi, io faccio sul serio, non racconto mica barzellette”.

E a ben vedere, anzi, a ben ascoltare, i testi di Mino De Santis saranno pure ironici, ma non certo comici. Quando attacca con quella storia del cavallo, non so, vedi le donne pugliesi, tutta la vita piegate ad arare la terra, a raccoglier frutti, a crescer figli, ma sempre con quell'aria da “bisbetiche indomate”.

Ci vedi gli immigrati senegalesi pure, a faticare sui cantieri fotovoltaici anche con la pioggia, che tanto un po' d'acqua sulla pelle spaccata dal sole della mattina fa sempre bene. E poi giù a protestare anche loro, quando i soldi non arrivano, giacché va bene esser trattati da animali da soma, ma il danno, oltre la beffa, non si può proprio sopportare. E ricordi di amarla sta terra triste, rossa e arsa, sto benedetto Salento.

Che sempre con le stesse storie del sole, del mare e del vento, della taranta e del reggae ne stanno facendo una barzelletta. E ti accorgi che è vera pure la storia del nazionalismo, che si fa sentire quando dalla tua terra te ne allontani. E vai alla Svizzera, a comandare tutti, a fare il gran signore, peccato che d'inverno faccia freddo e non ci sia mai la luna in cielo. Stare fuori casa è dura per tutti, noi lo sappiamo, per questo i radar anti-uomo qui a sud non ce li vogliamo. Ed ovunque tu nasca o viva, c'è poco da fare, la sciagura di non essere quello che vorresti, ti può sempre capitare. Come in quella storia del geco e dello scarafaggio, che ti fa pensare a come possa essere una vita da reietto. Però attenzione, da anziano e malato tutto è accettabile, la morte per prima. E qui le risate non si possono proprio trattenere.

Il nonno è morto? No! Non ancora? Ma quanto ci mette a morire? C'è il vestito nero da cucire, i fiori che stanno appassendo, e il volto contrito è stanco di recitar la parte della faccia da Nana depressa.

E poi, ci sono le parole. Quelle che si consumano lentamente. Perché prima di entrare in circolo spezzano luoghi comuni e frasi fatte. Le parole. Perché ci sono quelle che una volta dentro non escono più. E non dimentichi, come il nostro tempo fa da un po', ciò che abbiamo attorno per sostituirlo con uno scenario favolistico a metà fra un carnevale di Rio e la sagra di paese.

Mino De Santis è un ascolto che il tempo e la pratica portano a metabolizzare. Non è la risata di turno ciò che arriva e resta. Ma un ondulato senso di profondità che scolpisce immagini nella memoria e libera l'ascolto dalla superficialità attorno. È una e tante storie, ora dimentiche, del sapore della terra e del valore del lavoro, oggi precario e mai pagato. È un grido unico di denuncia. È un disco che è un coro, unanime, che nel raccontare cela la passione e la rivalsa di uno scenario che sarebbe anche ora iniziasse a cambiare. In meglio, con scelte ponderate di chi ha lo sguardo non insabbiato in cartoline pubblicitarie che tralasciano i rifiuti e l'indecenza sul filo del mare. Uno sguardo gettato nell'oltranza della speranza, dell'aprirsi alle possibilità di miglioramento senza dimenticare la continua e sostanziale deturpazione della condizione sociale. Mino De Santis è una storia e in sé ha il raccontare.

E chiari sono i riferimenti alla tradizione cantautoriale italiana, la scuola genovese, De Andrè, Conte, lo sprezzo che schiuma torna e non è doma la parola, trasportata sradicata via dal tipico cantautorato italiano e affondata nelle crepe di questo Sud ormeggiato nella deriva della dimenticanza, affondata nelle crepe di questo Sud per poi divincolarsene in un capovolgimento amico della piega, dell'anima, del sussulto e ricuce la piega la speranza, rinvia, il capovolgimento, ad un immaginario salvifico scontornato dai cliché, liberato dalla tradizione da autoimposizione micronazionalistica, politica ascensionale televisiva. Scarcagnizzu è uno spaccato diverso, è lo spazio autoriale della verità che ha fame e mai sazia si divincola nelle pieghe asmatiche della memoria, per non subirne il peso e la mattanza.

Mino De Santis

2011-07-12T10:01:00.000+02:00

Scarcagnizzu

2011-07-12T09:57:00.000+02:00

Cronache culturali/

La presentazione domenica 10 luglio a San Simone del CD di debutto di Mino De Santis, “Scarcagnizzu” prodotto dal Fondo Verri per l'edizione 2011 de I Luoghi d'Allerta. L'autore tugliese era accompagnato da Emanuele Coluccia al sax e da Gianluca Longo alla mandola.

Pino De Luca

San Simone è un bel posto. Nel cuore messapico del basso Salento a due passi di Sannicola (di cui è frazione) e tre da Alezio, uno sputo da Tuglie. San Simone ha un rilievo con un grande spazio: Oasi dei Francescani si chiama. Luogo dal profumo vintage e dall'aura di pace.

San Simone è li, in un fazzoletto di terra la contraddizione umana plasticamente rappresentata: Oasi di pace con un cannone a far bella mostra, vintage (appunto) con affianco un tetto solarizzato. Declinazione straordinaria della velocità della storia quando si muove su piccoli spazi.

San Simone e l'Oasi francescana che ospita uno spettacolo “culturale”: Mino De Santis presenta (finalmente) il suo primo CD e, dopo, la “cultura”: mieru e pezzetti te cavallu! Accostamenti ardui nello spazio e nel tempo, forse anche raffazzonati e stridenti, ma sempre accostamenti.

Un palco scarno con tre sedie e il groviglio di fili d'ordinanza, una approssimata amplificazione e luci rosso-verdi che proiettano sul suolo e sui muri strane ombre da anaglifo…

La platea in una cornice d'altri tempi, popolata da sedie di plastica, metà rosse e metà bianche, s'anima e in breve tempo non c'è più un posto che non sia occupato da culo umano, si occupano anche gli spazi per accovacciarsi sui mattoni o sporgenze di fortuna.

Piero Rapanà prende il microfono e avvisa che “lo spettacolo va ad incominciare...” salgono sul palco i musicisti non prima di una breve introduzione di un personaggio illustre di Tuglie, dell'assessore di Sannicola e dei ringraziamenti di Mino De Santis con il viso bianco come un cencio e l'emozione che gli spegne la voce.

Salgono sul palco il suonatore di mandola, il sassofonista e Mino con la sua chitarra. Si comincia ragazzi. Il ritmo della ballata dalla chitarra viene accompagnato da improvvisazioni degli altri due strumentisti e la voce di Mino si scioglie raccontando di un cavallo “malacarne”.

Le canzoni si susseguono, si snocciolano una ad una lanciando secchiate di emozioni su un pubblico di varissima umanità, attento ai testi, denso e partecipe, che quasi respira a ritmo coerente con l'ironia sottile dei testi e le musiche contaminate che fanno da contrappunto.

Mino non è giovanissimo e non sarò qui a tesserne le lodi. Mino ha scritto una pagina di canzone popolare vera, del popolo del Salento… lento… lento... lento che si libera (era ora) dalla pur splendida prigionia del tamburello, dell'organetto e del violino e approda ad un linguaggio nuovo, fatto di dialetto e di italiano colto al volo, masticato, rimasticato e sputato fuori in una nuova forma di colostro, vero alimento con il quale crescere i piccoli.

Musica accattivante, di uno che sa suonare la chitarra, la lascia nei suoi accordi semplici, quasi ondeggianti come un materassino gonfiabile sulla bonaccia, e poi inserisce citazioni coltissime, di Faber certo, ma anche di swing e di country, e i due comprimari silenti e presenti, in punta di piedi accendono lampi di luce sui quadri che la chitarra e la voce dipingono in diretta. Son bravi, è certo.

Era tanto tempo che con assistevo ad un parto, ne avevo perduto il pathos, le urla di dolore, l'emozione per il primo vagito e la violenza necessaria del primo taglio: il cordone ombelicale che ha legato Mino alle sere tra amici è reciso, tagliato per sempre.

Quando uno riesce a cantare l'anima di un popolo, di una generazione, di una terra, anche suo malgrado, diventa bene collettivo. Soprattutto se è “bonacciu”. Ne riparleremo presto de lu Scarcagnizzu!

Repentino il colpo

2011-07-12T09:56:00.000+02:00

Cronache culturali/

Sarà presentato, oggi, domenica 10 luglio, alle 21.15, in una anteprima acustica, nell’Oasi Francescana di San Simone, a Sannicola, “Scarcagnizzu - vento dal basso”, disco d’esordio di una voce autoriale unica (e ancora segreta) del nostro Salento: Mino De Santis. Una produzione del Fondo Verri.

Mauro Marino

Arriva veloce lu “scarcagnizzu” e basso, una folata rapida che muove l'aria, un alito che ti lascia nell'interrogativo: “è venuto 'sto vento... non è venuto?”; così sono i testi di questo “cantore contadino” che nulla ha a che fare con i “cantori contadini” che la salentitudine ci ha raccontato in questi anni! Bassi e rapidi i colpi che le parole portano. Ridi e poi, subito ti chiedi... Ascolti e poi consideri! Filosofia? Forse sì. Pensamenti d'un anarchico, d'un sociologo illuminato! Certo è poesia! Autentico canto! Quello che scava, che fa l'autore “voce” di una coralità muta, d'occhi e di parole.

Undici canzoni ne Lu Scarcagnizzu, selezionate in una ricchissima produzione. Canzoni che usano il dialetto – nell'accezione tugliese - per mischiare senso e umori: la lingua della terra che meglio s’accorda al sentire, nella frontalità del ridere e del rammarico.

Un’intensa raccolta prodotta dal Fondo Verri, per l’edizione 2011 de I Luoghi d’Allerta, titolata a “le Biciclette di Bodini”, il mezzo dei contadini d'Arneo per andare alla battaglia della terra.

Scrive Marina Greco nella presentazione del disco: «Ha “una storia da raccontare” fatta di tante piccole storie Mino De Santis, cantautore ironico, paroliere salentino armato di chitarra, dallo spigliato genio pungente e sardonico. Oltre alla tormentata vicenda d’un padre annichilito dal desiderio di un maschietto, o quella del moribondo che alfin trapassa, alle poesie messe in musica per la magia della sua terra, il Salento o sua maestà l’ulivo, la voce marcata e profonda si trastulla in più o meno mascherate metafore di pregiudizi e difetti, in un’esilarante “batracomiomachia” dei caratteri salentini, passando con irriverente comicità per l’opportunismo politico, l’emigrazione, la disoccupazione, il menefreghismo, un mix coinvolgente e trascinante in cui “tutto è cultura”».

Nelle note in quarta di copertina (che sono di chi qui scrive) si commenta la scrittura di De Santis: «Il Salento trova nuove parole, quelle puntute, del graffio autoriale. Anarchiche quanto basta per tener desto l'animo e l'occhio allo sguardo: quello dritto, che mai s'inchina e fa riverenza. Mino De Santis è così, ama il ridere, il soffio e lo spiffero... Ama cantare largo mischiando gli animali alle persone che tutt'uno sono... Natura, soltanto quello. Sentire e poi mandare al fuoco, come nell'Inferno di Dante, chi non merita il dono della poesia!». Mino De Santis è accompagnato nel cd da Dario Muci, Emanuele Coluccia e Valerio Daniele, che ha anche curato la produzione del suono del lavoro.

La serata di Sannicola è a cura dell'Assessorato alla Cultura in collaborazione con la Polisportiva “M. Fedele”.

Nel riparo di Giano

2011-07-06T12:15:00.001+02:00

Luoghi del Salento/ La Jannara

“Quannu lu mare rusce a la Jannara, pigghia li boi e va a ara”

Gianni Ferraris

La jannara è un luogo, una spiaggia, un mare-lago (apparente ossimoro), che si trova andando verso San Foca. Ci andiamo spesso per farci il bagno. Ci sono bimbi che giocano e genitori tranquilli perché l’isolotto veglia su di loro. Lei, la grande roccia con la caverna, galleria, antro dei misteri che porta nel mare aperto, è lì a proteggere dalle mareggiate e dalle onde. Quando ci passi dentro e superi quelle colonne d’Ercole per addentrarti verso il mare aperto, verso l’ignoto che rumoreggia, quando hai davanti il mondo ignoto anche se sai che le coste albanesi sono a poche miglia, però fingi che ci sia l’ignoto davanti a te, allora puoi pensare a mille cose, magari ti torna in mente Lucio Lombardo Radice quando scriveva del concetto di infinito, quello che noi, miseramente umani, grandiosamente persone, immensamente soli di fronte all’immenso, non riusciamo a concepire. Cos’è il nulla e cos’è l’infinito? Macchè, abbiamo i sensi e intuiamo, almeno pensiamo di farlo, una fine ed un limite, che è quello dello sguardo, dell’udito, là fuori senti la forza del mare quando non è cheto e calmo.

Però se sei nel laghetto a nuotare puoi veramente essere sereno. La Jannara. Chissà mai se deriva da “gennaio” oppure, come mi dice l’amica che mi ha raccontato il proverbio, da “ianua”, porta, sembra proprio quello, un’apertura che ti conduce verso il fuori. Con tutte le implicazioni pratiche e psicologiche e filosofiche che comporta l’andare fuori. E’ il figlio adolescente che affronta il primo bacio in un luogo in penombra. È l’ingresso in società di un tempo. È trovarsi in un’agorà dopo aver chiuso il portone di casa. E’ l È same di maturità che ti scaglia, senza che tu te ne renda neppure conto, nel mondo degli adulti, dove i sogni sono altra cosa, e non te la senti neppure più di spaccare il mondo in due. Poi uscirai ancora mille volte e altre mille, fino a quando qualcuno ti dirà che hai raggiunto “la saggezza della maturità” e tu annuisci e dici che forse è vero. Però se ti potessero leggere nel pensiero rimarrebbero allibiti, per il turbinio di parole che frulla là dentro, forse si renderebbero conto che si, è vero, non farai mai nessuna rivoluzione, neppure incruenta, ma, caparbio come un mulo, ti stupisci da solo per quante volte mandi a quel paese qualcuno che senti “vecchio” piuttosto che maturo. E ti commuovi come anni prima guardando un tramonto (o un’alba, questo si che è un vantaggio dell’età matura – adulta – senile, si dorme meno ma si sogna ad occhi aperti).

La porta che si apre, che non permette agli estranei di invadere casa tua… E tu pensi che la natura è un meccanismo perfetto, non ha messo porte fra l’Italia e le coste libiche, perché tutto è casa di tutti. Chi vuole mettere serrande è un poveraccio, è persona senza dignità. Al mio paese si dice “vuole battere la fisica” per dire pazzo, folle, fuori dal mondo. La fisica non si batte, la natura non si deve violare perché poi si vendica.

Porta, “ianua”, di Giano, il bifronte che era custode proprio delle porte e dei passaggi (“ianuae” e “iani”) e dei ponti. Era lui che custodiva entrate ed uscite mentre le due facce vegliavano nelle direzioni opposte, fuori e dentro, fuori e fuori, dentro e dentro. Anche lui era finito, proteggeva tutto ciò che aveva un inizio ed aveva una fine. Ah, l’antica saggezza che sapeva degli dei ma sapeva del qui ed ora, quello che spesso scordiamo pretendendo di essere altrove e in altri tempi, magari nel passato che qualcuno vuole pieno di mulini bianchi e di lavandaie felici e canterine, anche se sappiamo che i nonni mangiavano pane nero e le lavandaie avevano la schiena spezzata. Il limite della nostalgia che spesso è come una lente che distorce i contorni delle cose.

La porta… dove porta? Finchè non apri non sai. Ma alla Jannara ti puoi calare nei panni di Indiana Jones attraversando quei pochi metri di antro. Quando vedi la luce ma puoi immaginare mostri marini.

I pescatori sapevano la saggezza “Quannu lu mare ruscia…” quando il mare impetuoso riempie la grotta della jannara, prendi i buoi e vai a da arare. Perché è tramontana e non puoi uscire in mare, è pericoloso. Però vai in campagna, il vento benefico tiene lontani i temporali e ti aiuta, non corri pericolo. D’altra parte loro, i pescatori, da sempre aiutano chi si perde fra le onde, a nuoto e con improvvisate imbarcazioni. Loro sanno l’importanza dell’accoglienza. Janua o gennaio? Non lo so, però “porta” mi piace.

Il mare perchè corre di Livio Romano

2011-06-23T17:16:00.000+02:00

“Il mare perché corre” è il titolo del romanzo, edito da Fernandel: un ritorno atteso, quello del romanziere neretino Livio Romano, che, questa volta, ci riporta ai fatti del 2003, all’omicidio di Marco Biagi e alla comparsa, sulla scena del terrorismo, delle nuove Brigate Rosse e...

Inseguendo la Storia a bordo di una vecchia Bmw

Eliana Forcignanò

Il motivo dell’inchiesta è uno fra i più antichi nella storia della letteratura. Dai greci ai letterati rinascimentali, passando per il medievale Dante e per il ciclo dei paladini di Francia, chi parte per un viaggio più o meno lungo è sempre in cerca di qualcuno o di qualcosa: la donna amata, la salvezza spirituale, il Graal. In altre parole, un oggetto reale o simbolico il cui valore si presuppone superiore a ogni attesa. Le letterature dell’evo postmoderno – in grado di rispecchiare la crisi di un mondo costantemente attraversato dalla dissoluzione della coscienza e, sovente, dallo sfaldamento del segno in quanto portatore di significati – traducono il motivo dell’inchiesta in quello della vacuità e vanità della ricerca. La partenza, il viaggio divengono odissee senza ritorno: vien meno l’oggetto e, per citare un noto poeta, è il viaggio verso Itaca ad acquisire importanza, non solo o non tanto la destinazione. Fantasticando, Itaca potrebbe essere la meta di un ritorno agognato da un ebreo reduce dai campi di sterminio o da un bosniaco troppo a lungo vessato dalla paura della pulizia etnica e, per tal motivo, costretto a emigrare dalla propria terra, ma questo chiedetelo a Livio Romano che scrive un romanzo in cui l’inchiesta diventa peregrinazione a bordo di una vecchia Bmw con un carico di orologi Tissot contrabbandati nel portabagagli e la ferma voglia di ritrovare una donna musulmana emigrata in Italia, nella bassa veronese.

Di Piero, di Helena e di Aurelien

“Il mare perché corre” è il titolo del romanzo, edito di recente da Fernandel: un ritorno atteso, quello del romanziere neretino Livio Romano, che, questa volta, ci riporta ai fatti del 2003, all’omicidio di Marco Biagi e alla comparsa, sulla scena del terrorismo, delle nuove Brigate Rosse. La narrazione, tuttavia, si dipana su diversi fronti – è il caso di chiamarli così, perché ogni ambientazione è dilaniata dal conflitto – fra i quali, la Bosnia e la Palestina. Il tutto, come solo Livio Romano sa fare, condito da sapidi equivoci e ironia mai saccente, ma talvolta, sì, feroce, posta nelle bocche e sulle lingue di personaggi che feroci non sono. Piero, commerciante del Salento sulla quarantina passata, è disilluso, ma non abbastanza da evitare di perdersi dietro le grazie di Helena, la bella oculista bosniaca che, un bel giorno, senza dir nulla, smette di rispondere a messaggi e e-mail del suo innamorato italiano per rifugiarsi a Legnago dove fa l’assistente nel reparto oftalmologia dell’ospedale. L’innamorato italiano – cioè Piero – la cerca disperatamente e, nel corso della sua inchiesta, s’imbatte nello stravagante Aurelien Conard, francese solo di nome, ché, in realtà, è italiano e si chiama Piero anche lui, solo con quarant’anni in più rispetto al Piero commerciante. Aurelien è un vecchio giramondo: originario di Galatina, è stato persino a Gaza cercando disperatamente una giovane ebrea incontrata quando era ancora un ragazzino e i sopravvissuti all’efferatezza dei crimini nazisti sbarcavano sulla spiaggia di Santa Maria di Leuca.

Fra Aurelien e Piero, tutti e due a bordo della vecchia Bmw, nasce una certa complicità: i due, un po’ in italiano, un po’ in dialetto salentino – quel tipico impasto che è la specialità dell’autore – si raccontano le loro vite, anche se, in verità, è soprattutto Aurelien a raccontare e, dalle sue parole, senza retorica, ma con qualche rimpianto – emerge un Salento da mille e una notte, immerso nei chiari di luna estivi e percorribile in bicicletta o a bordo di una Topolino. Un Salento in cui gli ebrei trovano ospitalità e trovano anche l’amore, ma non abbastanza da pensare di rimanere e di integrarsi con la comunità del luogo. E l’inchiesta continua: “nel luogo che attende tutti noi”, dice nientemeno che Golda Meir ad Aurelien o, in questo caso, sarà meglio chiamarlo con il suo vero nome: vecchio Piero. Vecchio Piero, a sedici anni, si ritrova dinanzi a una scelta: sposare Nela e partire per la Palestina, lasciando per sempre la sua terra, la terra dei fichi con le mandorle e dei tramonti che fanno venir voglia di piangere, oppure abbandonare la ragazza e non farsi più rivedere. La decisione arriva, ma troppo tardi: Nela, nottetempo, parte per la Palestina e, in quel momento, il cerchio si dilata per vecchio Piero che, però, non smette di cercare né di sperare.

Nella leggerezza del narrare

Livio Romano è maestro nel tratteggiare i personaggi e le vicende con sagacia e humor inglese, ma anche con una malcelata partecipazione. La trama è riuscitissima, ma non solo quella. Come in “Niente da ridere” (Marsilio, 2007), vi è una certa attualità nel commerciante che vuol cambiar vita e s’imbatte in un complotto internazionale, negli amici comunisti che si accasano e smettono di frequentare i centri sociali, nell’amore per una donna migrante che ha come sola religione la propria libertà, nel militare un po’ stupidotto – figlio di un’amica di Piero – che rivela i propri segreti e si vanta apertamente della sua professione e della missione di pace che gli è stata affidata. E qui, Livio Romano sembra quasi irridere alle missioni di pace che si fanno con le armi ben strette in pugno. Tuttavia, considerando i fatti narrati, a chi domandasse se “Il mare perché corre” è un libro ideologico o borghese, comunardo o qualunquista, è d’obbligo rispondere che la leggerezza e il segreto di una narrazione così gradevole risiedono proprio nella capacità che l’autore dimostra di rimanere in una sorta di “aurea mediocritas” alla maniera oraziana. Nessuna condanna del vizio, né giustificazionismi di sorta, soltanto il gusto e il piacere di narrare un pluriverso variegato e multiforme quale quello dei suoi personaggi. È questa, a ben riflettere, la vera inchiesta di Livio Romano: un’inchiesta, una ricerca di natura antropologica, perché il narratore che si rispetti è anche un po’ antropologo, sempre a scardinare con il grimaldello quella serratura blindata che è l’indole dell’uomo.

Ciascuno per la sua Casa

2011-05-19T11:53:00.000+02:00

Cronache culturali/

Il racconto della presentazione del romanzo “Da qui tutto è lontano”di Pierluigi Mele (Lupo Editore) avvenuta il 16 maggio con i detenuti della Casa Circondariale Borgo S. Nicola, Lecce

Pierluigi Mele

Cielo bigio, greve, ma senza pioggia. Lo foracchiano le gazze, planano sui muri di cinta a vegliare da lì su ogni cella. È il loro destino, col cielo cupo o lieve. Due cani nel cortile, erranti, insani, corrono dietro gli agenti e poi l’erba. Un commissario sorseggia il caffè al bar interno, scambia battute col personale penitenziario, intrattiene il tempo.

Nella Casa si sciopera anche quest’oggi. Le celle sovraffollate fanno rumore: i detenuti picchiano le pentole contro le sbarre, digiunano per un metro in più da respirare. Vivono in tre in celle di tre metri per tre. Sembra uno scioglilingua. Così, da un braccio all’altro della Casa, riecheggia la loro protesta ritmata, disciplinata nell’aria. I detenuti fanno il tifo alla decenza. Fuori lo sanno; non è vero che i governanti ignorano le condizioni di questa come di ogni Casa. Forse non è nelle corde dei governanti interessarsene. È una questione di umanità governare la reclusione, e a loro manca. L’umanità che è un dovere, non debolezza. Gli agenti lo sanno; ispezionano chi entra ed esce per il cancello, accorti, gentili. Custodiscono la quiete. I famigliari intanto fanno la coda, esibiscono i documenti, fumano e vanno per il parlatorio col loro carico di sporte. Gli incontri coi parenti reclusi sono quattro al mese, durano non più di due ore ciascuno su panche distanti tra loro, senza contatto di mani. Umanità all’opera.

La direttrice della Casa sorride. Ci accoglie tra faldoni e sedie ingombre di quadri avuti in dono; li ha dipinti un architetto in tuta sportiva, occhiali con la cordicella, barba ben curata. È un detenuto che frequenta un laboratorio teatrale. Tempo fa ha allestito uno spettacolo con altri suoi colleghi di ventura. La direttrice pare oggi più serena; quando la incontrammo la prima volta, in pieno inverno, si stringeva nel suo scialle contro il freddo. I termosifoni erano spenti: mancavano i fondi, niente metano. Anche oggi manca qualcosa, ci dicono i docenti che insegnano qui, mentre ci accompagnano tra i corridoi. Manca la carta, a volte l’acqua, a volte entrambe. Se fuori sapessero, ma fuori lo sanno. Ci fa strada lo psicologo che lavora dentro la Casa. È un uomo concreto che crede nell’immaginazione. È stato il tramite tra noi e il Dipartimento Amministrazione Penitenziaria di Stato. Avanziamo così su scale e porte blindate, interminabili lungo le rampe.

Un labirinto di ingressi che è un rompicapo, ma ha la sua logica anche la pena; non tutti i detenuti possono incontrarsi tra loro. Dipende dalla natura del reato commesso: chi ha violentato una donna o un bambino, è un “infame” per gli altri reclusi.

Meglio evitare contatti con quelli che hanno spacciato, piuttosto che attentato alla proprietà o alla convivenza.

Ma quando entri da fuori, come ospite, non ti chiedi quale regola abbiano infranto quelli qui dentro. Non hai il tempo per farlo. Lo stesso tempo che manca ai detenuti.

Tu credi che vivere in cella sia il giusto modo per isolarsi e per dipingere, per esempio, o per leggere o per scrivere. No, manca lo spazio per farlo. Le celle sono di tre metri per tre e ci vivono in tre. C’è una televisione da condividere, a questa ci si consegna come ad una specie di stordimento. Si approfitta perciò dell’ora d’aria per restare con sé, per isolarsi e coltivare un passatempo, un nascosto talento. E così quelli qui dentro cominciano a scrivere o a leggere un libro che mai, forse, avrebbero aperto prima di ora. O si abbandonano al ricordo di affetti privati, a quello del sapore di una fragola o di un piatto dignitoso. Nell’ora d’aria fanno questo. Dappertutto penetra l’odore d’aglio e di cipolla, incessante impregna i vestiti, ammanta la Casa, rieduca alla nostalgia. Però hanno voglia di parlare, i detenuti, di confrontarsi con pensieri intelligenti e di intrecciarli ai tuoi senza pietismo. Sono informati, loro. Sanno fuori che succede, cosa manca e chi li aspetta. Loro vogliono soprattutto non perdersi nulla del domani.

Sono le 10.30 del mattino, ora hanno un libro in mano. Vi hanno letto una storia che somiglia alla loro. Parla del destino e della possibilità di ricominciare oltre un cancello. Ci sediamo in un’aula, le telecamere a circuito chiuso sorvegliano su tutto, insonni come falchi. Ma nessuno ci fa caso, è nella natura del luogo. Allora ci ascoltiamo a lungo, ci scambiamo pareri e bisogni con sconfinata naturalezza. Ci guardiamo negli occhi, siamo all’aperto della dignità. Alle 15.30 si ripete l’incontro con gruppi diversi. Ancora curiosità di ascoltarsi con la scusa di un libro. Questa volta ci sono cinque donne tra i detenuti: una di loro viene dal Paraguay e struscia la “s” tra i denti quando dice il suo nome. Un’altra, tra loro, mantiene china la testa e non parla mai durante l’incontro; alla fine strappa da dentro un sorriso che dice tutto e te lo regala. Ci stringiamo la mano anche con gli altri dentro la sala; un egiziano vorrebbe lasciarti un biglietto ma non si può. Lo potrà fare per posta, dicono gli agenti. Per posta ci rincontreremo con tanti, domani.

Riattraversiamo i corridoi, ciascuno per la sua Casa. I due cani del cortile ci seguono per la guardiola. Riprendiamo i documenti, il cancello si schiude e saliamo in macchina dritti per la città. Ci accoglie la pioggia che prima non c’era.

Il disegno dell'armonia

2011-05-11T14:49:00.001+02:00

Per Vittorio Pagano

Antonio Errico

Occhi di gatto aveva, Vittorio Pagano. Pupille incandescenti che perforavano il buiore, penetravano nel tempo e nella terra per trovare le parole con cui dire il loro mistero. Occhi che si restringevano per impossessarsi dei particolari, per trattenere riflessi trasparenze rifrazioni, come per predisporsi ad una caccia, ad un agguato, o che si dilatavano per superare ogni barriera, per proiettarsi nella lontananza.

Così violavano confini, sfondavano sbarramenti , si approssimavano alle

“ soglie dell’aldilà,

soglie varcate, mai varcate, spazi

di pietà, d’empietà”.

Vedere la metamorfosi dell’esistenza sopra quelle soglie, era la sua tensione straziante, il suo azzardo, il suo tormento, la sua pena, il suo desiderio, la paura, la sua felicità , la sua tristezza. Pagano aveva l’ansietà della visione: far apparire le cose che non si vedono, provocare la loro epifania, evocare figure sprofondate nella memoria, o maturate nella fantasia, far riaffiorare quello che è sommerso, come per salvarlo dallo sfacelo dell’oblio. Lui sapeva bene che le creature che non sono – non sono più - restano vicine, si rifugiano in qualche parte di noi, per non essere abbandonate, per non abbandonarci, per farsi sentire ancora e per sentirci ancora respirare la vita che hanno respirato.

I morti vegliano sotto le nostre ciglia, diceva,

“ con una sterminata meraviglia

d’essere lì, da sempre, non risorti,

non ritornati, sempre lì”.

Con i suoi occhi attraversava la città notturna, svelava i nascondigli della sua anima, scivolava furtivamente dentro i vichi. S’inabissava in essa. Poi ne veniva fuori, stracarico di parole.

Vittorio Pagano sapeva perfettamente che le parole esistono già tutte, perché esistono già tutte le cose, perché quello che si conosce è stato nominato e quello che è sconosciuto non si può nominare. Che cosa può creare mai il poeta, allora, se non può creare le parole. Qual è il suo compito, il suo lavoro, il gioco, che cosa gli rimane di tentare, qual è la sfida o qual è la condizione che costituisce il privilegio o la dannazione del poeta.

Forse per Pagano tutto questo – il gioco, il compito, il lavoro, la felicità, la disperazione – consiste nella forma. Se non può creare le parole, la forma invece sì, la può creare. Così cerca una forma perfetta: che risuoni. Che innanzitutto abbia risonanza, come tinnire di monete nella tasca, come sonagliere di cavalli bardati per la fiera, come un canto che si alza nella sera.

Il suono delle parole è un elemento essenziale nella poesia di Vittorio Pagano. In una poesia – in ogni sua poesia- il corpo delle parole vibra, oscilla, genera onde sonore intense, frequenti, dense, che si propagano, si combinano ad altri suoni, acuti, gravi, ad altri timbri forti o leggeri.

L’aspirazione suprema di Pagano è l’armonia. Questa è la categoria che lo distingue, la facies che lo rappresenta.

Quello che diceva Paul Verlaine rappresentava un comandamento: “ de la musique avant toute chose”.

L’armonia è il movente e l’esito della sua scrittura. Forse, prima che della scrittura, del suo pensiero. E’ una struttura interiore, una movenza naturale. E’ il ritmo, la pulsione, la radice. E’ il genotesto. Il punto in cui si stringono i nodi psicologici, maturano gli stimoli, si formano le immagini, prendono sostanza le metafore, comincia a intrecciarsi la rete testuale. E’ il punto in cui agisce il rimosso e l’inconscio cercando di trovare accoglienza nella parola. Qui c’è il caos delle storie, la ressa dei fantasmi, il rutilare delle sfumature del senso, ci sono le passioni, i grovigli, i brandelli del sogno, le avventure, i misteri.

Qui c’è l’armonia per Pagano: una modulazione del pensiero che organizza il confuso, il caos originario, che dà forma all’informe, coscienza all’inconscio, comprensione all’incompreso, espressione all’inespresso, razionalità all’irrazionale.

“ A corto d’opera, irto d’aghi, morto,

al senso della forma che mi porto

indosso, en demodè”.

Una forma di poesia che non si differenzia da quella del pensiero e spesso neppure da quella dell’agire.

Una forma serrata, senza sbavature, imperfetta talvolta perché imperfetta è la vita. Una forma che procede per avvolgimenti, come se volesse circondare gli oggetti poetici con una fune che li immobilizzi, li renda ostaggi, preda di chi scrive. Una costruzione sorvegliata, raffinata; una tensione metrica costante che si sente nelle sillabe, che scorre di verso in verso, costantemente ritornante, ciclica.

Poi, sull’elemento naturale, su quella sorta di risposta istintiva al richiamo della musicalità, si innesta l’arte: quell’arte che è sapienza di costruzione, architettura di lessico, versi, metafore, appresa soprattutto nella bottega dei suoi poeti francesi, di quelle “ anime allo sbaraglio, ribelli a ogni regola della vita e della convivenza, strutturate di déréglément , corrose e corrosive”. A queste anime si era sentito vicino, probabilmente anche per un’affinità esistenziale oltre che poetica ( oppure le due cose sono una cosa sola?); aveva sentito dentro “ l’anarchia dei sentimenti, le aberrazioni fantastiche, la sensualità più torbida e intricata, i tumulti e le febbri, i vortici e i deliri” che “non appena si proiettavano nel misterioso angolo di rifrangenza degli ardori poetici, andavano naturalmente, spontaneamente a inquadrarsi in versi d’esatta scansione, in strofe di preciso disegno”.

Così diceva.

Forse i maestri non si scelgono mai per caso. Nella poesia di Vittorio Pagano accade esattamente questo: tutto va ad inquadrarsi in una esatta scansione, tutto rientra nell’ordine di una forma che il pensiero ha elaborato, ogni cosa – il particolare, il dettaglio, la minuzia , la parvenza, la percezione minima, la sensazione epidermica – rientra, va a sistemarsi, in un disegno che rappresenta un’idea dell’universo.

In quel disegno ci sono le cattedrali, le maschere, i putti, gli inverni, la madre, gli incubi, la terra , le Sirene negli occhi, i miti abbandonati, i sortilegi spenti, i suoi fantasmi tanto protetti, tanto amati. C’è la vita come tenera pietra, il randagio in cerca di fortuna, l’ipotesi – oppure la minaccia - di una risposta di sangue a una scrittura.

Nella scrittura di Pagano l’Io si altera, si deforma, si impone o si nega, sovrasta o si ritrae, si raddoppia, si moltiplica, si smembra, si annulla.

Gli occhi di gatto gli servono a scrutarsi dentro, a muoversi nell’oscurità dei sentimenti, nel delirio fantasticato, nel sogno, nell’amore, nella sua esistenza vera e in quella inventata, nella memoria labirintica e nella fantasia sfrenata, nelle realtà che accerchiano e nelle straordinarie fughe,

nelle sue verità di uomo, nelle sue menzogne di poeta.

Senza un demone dentro , come Vittorio Pagano non si scrive. Senza un’inguaribile inquietudine, una smania incessante, un’ansia che percuote, una cosmica paura della morte, un dolore impenetrabile, segreto, senza una lacerazione dell’anima, uno strazio del pensiero, un’intensità di poesia come la sua non si raggiunge.

“Ha speso tutta la vita per complicare i suoi messaggi, per renderli indecifrabili a chi li degna appena di uno sguardo superficiale”, diceva Donato Valli in un ricordo appassionato.

Il risultato consiste in una poesia fatta di nodi semantici: concetti e sensi annodati, immagini, metafore , figure sovrapposte, moltiplicate, echi memorie oblii sguardi ombre attese sogni speranze desideri, tutti stretti in un nodo solo, in un solo groviglio d’essere.

“ A un filo s’è ridotto

l’àndito perseguibile, furente

se n’aggroviglia il piede che ci mente

provvidi scali- e il ponte umano è rotto” .

Pagano sente che la poesia avanza sempre più pretese, impone dedizione, assolutezza, devozione, consacrazione, clausura. Così smette di guardare fuori. Sprofonda dentro sé. Si inabissa. I nodi sono lì: in interiore. Sono fatti di rimpianti, di paure, di interrogativi che reclamano risposte. Non cerca verità, però, Pagano, dentro di sé, agostinianamente.

Dentro di sé cerca di rintracciare un senso, una ragione di quei nodi che si traducono in parole.

Finchè ha guardato fuori il senso si mostrava chiaramente, anche se spesso ambiguo, contrastante, tramato di crepe, fratture, incomprensioni.

Il senso era nel paesaggio, per esempio.

Era nella gazzarra provinciale, nell’estasi bizzarra, negli uliveti, nelle scogliere del Capo, nelle forme sbigottite del barocco, nella loro orditura di maschere e di putti, nei vicoli della sua città.

“ Dove andava il poeta, alle due del pomeriggio, nella città abbacinata dal sole? A cercare le parole?, un varco alla disperazione?, le parole, unico privilegio del povero?” si chiedeva la sua amica Rina Durante ne Gli amorosi sensi ( Manni, 1996).

Probabilmente sì, Pagano andava - quasi profugo, quasi disperato – a cercare parole per le sue cattedrali di versi, e la città, il paesaggio, gli davano parole, come un dono, o come la restituzione di un prestito di senso.

La relazione con il fuori da sé appare lineare: il pretesto si fa testo, l’occasione si fa verso, l’atmosfera diventa una condizione in cui il pensiero trova motivi e moventi per elaborare figurazioni.

Il processo poetico si fa più complesso, si carica di tensione, diventa smanioso, quando l’indagine, l’interrogazione, prendono la direzione dell’interiorità, quando la parola si ritrova a confrontarsi con il concetto di niente o di nullità, di attesa, di morte, di vuoto, di fuga: la fuga come tensione , spasimo costante, desiderio, aspirazione, sogno: fuga da chi, da cosa. Forse soprattutto – o solo – da se stesso.

“ Ho sognato di treni sempre in fuga,

con un viso di diavolo:momenti

sudati, insudiciati quando gli occhi

pensano… ed una pozza si prosciuga

nella sabbia incapace degli eventi,

nell’incavo lasciato dai ginocchi

troppo a lungo preganti”.

Ma tentare di fuggire da se stesso significa tentare di fuggire dalla propria morte.

Come ogni altra creatura, Pagano tenta istintivamente la fuga dalla propria morte. Come ogni altra intelligenza, ha la consapevolezza dell’impossibilità di tale impresa.

Però c’è qualcosa che un poco rassomiglia all’immortalità, o che forse almeno per un istante, per uno sguardo, un palpito, un trasalimento, un’emozione può far sentire l’indescrivibile sapore dell’immortalità.

Il sapore dell’immortalità è nella sensazione – qualcosa di preesistente al sentimento – dell’amore.

Allora Pagano si fa poeta d’amore.

La parola d’amore è strumento – quantunque incerto, quantunque precario – di approssimazione all’eterno.

Ha paura di perdere la parola d’amore, Vittorio Pagano; ha paura che gli si dissolva nel pensiero, che si consumi nei significati, che s’assottigli la sua consistenza, che il suo fuoco si spenga. Allora dice nell’ “ Anniversario di nozze” :

Ma i versi no, le mie parole,amore,

no!Se le perdo, le parole, amore,

io muoio, sento un rantolo che sfiora

la mia carne – e barcollo, e non riposo

più, non amo e non odio, e solo allora

la pazzia m’atterrisce e l’angoscioso

delirio è un tonfo nello stagno immoto”.

La domenica del 16 febbraio 1958, su “ La fiera letteraria” diretta da Vincenzo Cardarelli, escono quattro “ Ballate matrimoniali” che Nicola Carducci ha commentato in Vittorio Pagano. L’intellettuale e il poeta ( Pensa, 2004).

In queste ballate Pagano dà parola a ogni sfumatura della bellezza, all’affanno, allo spaurimento, al piacere, al desiderio ( e al pensiero di piacere e desiderio), alla seduzione, all’impulso, alla sensazione, alla grazia, al turbamento, alla fissità e al movimento del tempo dell’amore.

C’è dolcezza di memoria e ansia dell’attesa. C’è corporeità e metafisica nelle parole che dicono di nudità baluginante, di pelle d’ombra , di rimedi esausti elargiti “ in pegno della morte”.

Ecco, dunque, che ritorna il contrasto tra amore e morte, mentre la donna trasfigura in angelo, in “ parabola d’eterno”.

C’è in queste poesie d’amore di Vittorio Pagano, una condizione di felicità assente in qualsiasi altro suo verso, in ogni altra sua parola. C’è un respiro profondo, un ritmo quasi orante, una distanza dalle pene della vita, una serenità solo di tanto in tanto screziata dalla nuvola della finitezza che gli attraversa il pensiero: una nuvola che Pagano non vuole si soffermi e che quindi scaccia con un soffio di parole, per restituire i corpi e i pensieri alla purezza del raggio, alla contemplazione, all’esperienza amorosa e mistica.

A proposito delle quattro ballate Nicola Carducci dice che “ vien da pensare, senza contaminazione alcuna, al ‘Cantico dei cantici’ o, forse, più pertinentemente, al ‘Pervigilium veneris’”.

In queste poesie d’amore l’intensità figurativa di Pagano stempera i toni; il demone si acquieta, si fa buono; la parola del poeta si misura con il desiderio dell’uomo, l’esperienza dell’espressione con quella della seduzione, eros e logos si richiamano e si completano, cercano una sintesi, una compenetrazione.

Tutta la poesia di Pagano è sostanzialmente un’autobiografia . La scrittura è lo specchio di una identità che si cerca nella parola, che in essa trova il senso delle malinconie, dei turbamenti, di qualche felicità –

o la sua rapida ,tremolante impressione -, delle molte passioni, dei travagli, di scompigli interiori. L’Io è dichiarato e rappresentato in ogni sua manifestazione, nelle sue fughe sapienti o bizzarre, nei ritorni teneri, pensosi. Spesso la parola gli restituisce un’immagine che lo mette a disagio, lo disarma, lo sorprende, qualche volte lo inquieta, altre volte lo spaventa . Non si aspetta di essere nel modo in cui la poesia lo mostra. Non si aspetta la rivelazione così prepotente e bruciante delle sue verità intime, profonde. Non si aspetta che le parole possano avere una così forte risonanza interiore.

Non se lo aspetta, Vittorio Pagano. Perché quel poeta dal raffinatissimo mestiere, l’architetto di forme, il costruttore di rime sontuose , rimane un uomo stupefatto dalle cose, dagli eventi, dai fenomeni, dai suoi sentimenti, dalle parole che narrano quei sentimenti, il loro turbinio, il loro tormento.

Non si aspetta, Vittorio Pagano, che l’esperienza della poesia, che quella sostanza incorporea che sono le parole, possa disvelare l’essere fino al punto di sbalordirlo.

La pagina de il Paese nuovo

2011-05-10T11:04:00.000+02:00

Memoria di Rudiae

2011-05-10T10:31:00.002+02:00

Foto aerea del sito del grande teatro arcaico di Rudiae

Affinché i leccesi non siano “peggiori degli antichi Saraceni”

Valentino De Luca*

«Rileggendo le pagine che ho scritto in questi otto anni, io mi sento come una stretta al cuore. Molti dei monumenti descritti oggi più non esistono; i moderni non sono, no, peggiori degli antichi Saraceni. Questi almeno distrussero le nostre città e i nostri casali ed abbatterono i monumenti, per soggiogare i loro nemici, e per togliersi ogni ostacolo che si parava davanti. Ma i moderni, ricchi di sapere e di civiltà, freddamente adeguano al suolo i pochi monumenti restati, o ne deliberano la distruzione nelle aule dei consigli municipali, senza curarsi delle grida dei pochi che vedono spegnersi in tal modo i documenti più sfolgoranti della nostra cultura artistica e intellettuale. Osservatelo nei fatti. Nei dintorni di Lecce esisteva un’antica città messapica, indi greca e poi romana, che rispondeva al nome di Rudia; e la contrada dove quella esisteva conserva ancora il nome volgare di Rusce. In questo periodo di tempo quanta distruzione! Moltissime tombe sono state scoperchiate e i cimeli dispersi; le mura di cinta in gran parte atterrate; e l’epitaffio sulla via di S. Pietro in Lama, nel quale si ricordava essere stata questa la patria di Quinto Ennio, è stato anch’esso ridotto in frantumi».

Cosimo De Giorgi, La provincia di Lecce. Bozzetti di viaggio, vol II, Lecce, G. Spacciante, 1888.

Da alcuni mesi gli organi di stampa riportano informazioni circa l’avvio e lo stato dei lavori di scavo sull’area archeologica dell’Antica Rudiae. Un ultimo intervento di Beppe D’Ercole su questo stesso quotidiano, in data 4 maggio u.s., dà notizia del ritrovamento di un “anfiteatro arcaico” come di una “scoperta strabiliante”.

Ben vengano e sinceramente si plaude ai primi risultati di tali scavi, in quanto utili a datare scientificamente per la prima volta la costruzione dell’anfiteatro, “arcaico” e di certo precedente a quello esistente e risalente al II secolo dopo Cristo nell’antica Lupiae, odierna città di Lecce.

Dai primi anni del 1600, importanti storici e conoscitori del Salento, hanno testimoniato che nella zona di Rudiae vi fossero ancora ben visibili i resti di un grande e sontuoso edificio con marmi, sculture, colonne e capitelli. Per lungo tempo, la zona è stata depredata, sconvolta e ne è stato modificato il terreno al punto tale da nascondere e sotterrare molte delle antiche rovine forse ancora presenti nel sottosuolo, impedendo di fatto lo studio archeologico sistematico dell’intera area.

Ad integrazione di una verità storica, è importante conoscere, senza esaltazioni di parte, le tappe cronologiche che hanno segnato negli ultimi quattro secoli la constatazione dell’esistenza dell’anfiteatro rudino.

1607 «Fuori della Città presso le mura, in un luogo, dove oggi si vede il convento dei Frati Scalzi di San Francesco, era a’ tempi passati l’Anfiteatro per gli spettacoli del Popolo, del quale, benche oggi nessuna parte ne sia in piedi, nientedimeno fra le cose guaste, e rovinate ne appariscono alcuni segni. Acquista di ciò fede al vero un Marmo antico ritrovato frà gli edifici sotterranei con la inscrittione che comincia OTTACILLA M. F. SECVNDILLA | AMPHITEATRVM. Non si legge più di questo nel Marmo, non essendo intiero, ma in molte parti spezzato, e lacero, mercè de gli anni, che à lungo andare rodono à guisa di tarlo di ogni cosa. Conservava gli anni addietro questo piccolo Marmo nel suo leggiadretto Museo, degno da vedersi per la varietà di Libri, e di molte cose antiche; il Signor Ottavio Scalfo Medico, e Filosofo singolarissimo, la cui acerba, et immatura morte oscurò una buona parte non solo la gloria delle Muse, ma tolse ancora al Mondo la maniera de i più nobili, e cortesi costumi. Oggi frà la compagnia d’altri Marmi si vede ricoverato dal Signor Vittorio di Priuli gentiluomo Leccese, sottile investigatore delle cose antiche, il quale infiammato di ogni virtuoso pensiero, si rende huomo singolare in ogni maniera d’alto, e liberale mestiere».

Peregrino Scardino (1560-1616), Discorso intorno l’antichità e sito della fedelissima città di Lecce, in Bari, nella Stamperia di Giulio Cesare Vent., 1607.

«Delle reliquie di questa città oggi non si vede altro che rottami di pietre e il sito dell’Anfiteatro; in cui non sono molti anni fu trovato un marmo, che oggi si conserva in casa del signor D. Vittorio Prioli in Lecce, con questa iscrizione: OTTACILLA M. F. SECVNDILLA | AMPHITEATRVM. Non si legge altro che questo nel marmo, non essendo intero ma in molte parti spezzato».

Girolamo Marciano (1571-1628), Descrizione, origini e successi della provincia d'Otranto, Napoli, Stamperia dell’Iride, 1855.

1818 «La topografia dell’antica Rudia, patria di Ennio, vicino Lecce, fu tratta sin dal 1818, da Oronzo Costa [1789-1867], naturalista di Alessano, il quale, fra l’altro scoprì e disegnò il piccolo anfiteatro di Rudia, di cui si vedono ancora oggi gli avanzi nella Villa Aversini-Calabrese».

Luigi Mariano, Il poeta Quinto Ennio nelle orme di Rudia e Lecce, in «La gazzetta del Mezzogiorno», 14 ottobre 1853.

1871 «Nel 1871 a dritta della strada, che da Lecce mena a S. Pietro in Lama, nel fondo sativo Acchiatura, [di proprietà del Duca di S. Cesario, Carlo Marulli] e a poca distanza del sopra accennato Anfiteatro, alla profondità di 96 cent. trovai, scavando, un avanzo di fabbricato, il quale comincia da una camera con lastrico ordinario in parte, ma pieno di quadrelli di marmo di vario colore, di avanzi di mosaico figurato a meandri […] molti frantumi di marmo bianco, verde antico e cipollino, vi rinvenni; come pure un gradino di marmo bianco […] varie anfore graziosamente modellate, qualcuna intera, altre rotte; antefisse e tegole innumerevoli infrante; molti avanzi di vasi di vetro, pezzi di osso lavorato, volute di capitelli di pietra leccese; varii pezzi di una statua di marmo bianco, ed altri di cornice della stessa materia; una palla di pietra del diametro di cent. 80, avente un foro riempito di legno, nel quale è infisso il doppio prolungamento d’una maglia di ferro; e non poche conchiglie bivalvi e turbinate de’ nostri mari. […] Nella chiusura detta Panareo furono rinvenuti gli avanzi d’una casa con pozzo nero; la qual casa ha un’ampia camera, il cui pavimento si compone d’un rustico mosaico; sfondatolo alla profondità di un metro, vi rinvenni dapprima tre tombe, e poscia tre altre, laterali queste ultime alle pareti della camera stessa. Ciò determina la certezza che sulla città de’ più antichi tempi un’altra ne surse».

Luigi G. De Simone, Note japygo-messapiche, Torino, Stamperia Reale, 1877; vedi anche Sigismondo Castromediano, Relazione della Commissione conservatrice dei monumenti storici e di belle arti di Terra d’Otranto per l’anno 1871, Lecce Tip. Editrice salentina, 1872.

1905 «Per potere stabilire i rapporti comparativi tra l’Anfiteatro rudiano ed il nostro ho fatto rilevare la pianta topografica dei pochi resti oggi esistenti in quella contrada dall’amico sig. ing. Giuseppe Franco e dal geom. Pasquale Starace, il 22 maggio 1905; e l’ho riprodotta nella Tav. XIII. L’Anfiteatro di Rudiae è situato nella parte sud-occidentale dell’antica città, alla distanza di 300 metri dall’abitato della R. Scuola agraria, in contrada Panareo e nella Chiusura Anfiteatro del sig. Aversini, presso la via vicinale che da Lecce menava a Rudiae. Il fondo è oggi tutto piantato a vigna; e i lavori eseguiti per la piantagione hanno manomesso e distrutto. […] Rimangono in posto soltanto nei punti a, b, c, d, [rif. alla tav. XIII] le gradazioni della cavea con le quali si è potuto in certo qual modo circoscrivere il perimetro dell’ellisse; […] Il diametro maggiore di questa ellisse si è calcolato approssimativamente di m. 83 ed il minore di m. 66».

Cosimo De Giorgi, Lecce sotterranea, Lecce, Stabilimento tipografico Giurdignano, 1907.

1911 «Nello stesso anno [1911], nel fondo “Anfiteatro” furono rinvenute numerose tombe, che i proprietari dell’appezzamento, Sigg. Aversini, esplorarono, vendendo la suppellettile rinvenuta. Questa, rinchiusa in dodici casse, fu fermata e sequestrata dalla Soprintendenza alle Antichità sulla stazione ferroviaria di Brindisi e destinata al Museo di Taranto dove attualmente si trova. La suppellettile, tuttora inedita, si componeva di vasi figurati di dimensioni varie, verosimilmente databili tra la seconda metà del V e il III sec. A. C. ».

Mario Bernardini, La Rudiae Salentina, Lecce, Editrice Salentina, 1955.

1928 «[1928] una esplorazione completa non è stata ancora tentata, e la scoperta di molti frammenti architettonici dell’epoca romana, fatta da Pietro Marti [ispettore onorario dei Monumenti] nel 1928, confermano tale verità. Delle opere visibili, sono degne di considerazione: i Resti di un Anfiteatro, scavato nella roccia, e una larga ala di Mura».

Pietro Marti (1863-1933), Ruderi e monumenti nella penisola salentina, Lecce, Tip. La Modernissima, 1932.

1928 «Nel 1929, ebbi notizia che – nell’area archeologica dell’antica Rudiae, propriamente a destra della via provinciale – i contadini avevano estratto dal suolo alcuni ruderi architettonici e minacciavano d’infrangerli. Senza perdere tempo, sebbene molto indisposto e perfettamente estraneo alle attribuzioni ufficiali, mi recai sopra luogo e riscontrai notevoli avanzi di costruzioni romane. Era la prima volta che la patria di Ennio ci parlava in modo molto evidente della sua seconda vita civile. Fin allora, nessuno studioso di antichità rudiane aveva pensato di fissare i caratteri differenziali dei varii rinvenimenti. Tutto era passato col battesimo di messapico e gli stessi avanzi dell’anfiteatro, scavato nel vivo del banco calcareo, erano stati considerati quali ruderi di un teatro. […] Quei rinvenimenti , dunque, avevano per me una considerevole importanza storica, ed io – nel dubbio che non andassero dispersi o trasportati in altro ambiente, senza chiedere pareri o interventi di organi più o meno ufficiali – ottenni che venissero custoditi nel Museo Civico di Lecce. Li enumero per comodo degli studiosi: un Rocchio di colonna; un Plinto di pilastro con modanature; un Frammento di alta cornice, adorno di ovuli e di rosette; due Capitelli marmorei, con decorazioni zoomorfe; un Disco di tornio per la lavorazione della ceramica ecc. I soliti competenti intervennero per affermare che quei ruderi non presentavano caratteri di notevole importanza estetica, ma non vollero o non seppero neppure delibare il problema storico da me prospettato. Intanto, i contadini continuarono nella loro opera di devastazione, e chi aveva il dovere d’intervenire non ebbe neppure la visione che saggi di scavo nella zona circostante, là dove ancora si scorge una larga ala di mura quasi intatta e quasi ignorata, avrebbero potuto dare risultato di maggiori rinvenimenti.».

Pietro Marti (1863-1933), Ruderi e monumenti nella penisola salentina, Lecce, Tipografia La Modernissima, 1932.

1930 «La Brigata degli Amici dei Monumenti ha deliberato di promuovere e celebrare onoranze nazionali a Quinto Ennio, l’altissimo poeta latino nato a Rudiae nel 239 av. Cristo. […] Oltre che con discorsi e studi sul Poeta che “non ebbe altri maestri che le Muse” – come scrisse Marrone e ripetè Giovanni Pascoli – Ennio sarà ricordato in Lecce con la messa in luce dell’Anfiteatro di Rudiae, distrutto intorno al 1150, quando Guglielmo il Malo rase al suolo la patria del Poeta amico degli Scipioni che gli furono grati e gli elevarono nel recinto del loro sepolcro sulla via Appia, la statua che Tito Livio vide. Auguriamoci anche che tale divisamento richiami completamente l’attenzione del Governo Nazionale, geloso custode di tutto ciò che si riferisce alla grandezza Romana e ai Grandi che col loro genio e sapere la resero eterna nelle opere degli artisti, dei poeti, degli storici, dei filosofi, dei soldati. Ed Ennio fu artista, poeta, storico, filosofo e soldato della Repubblica che preparò l’Impero. […] Come sorse l’idea? Pubblichiamo il verbale dell’adunanza in cui la Brigata degli Amici dei Monumenti Salentini discusse di Ennio. “Verbale del 31 gennaio 1930. […] A completamento di queste proposte, che vengono approvate, il Rettore Principe Apostolico Orsini, che si compiace col Valentini, annunzia che egli, come Commissario dell’Ente Fascista per la conservazione e difesa dei Monumenti della provincia, ha stanziato nel bilancio dell’Ente per il 1930, la somma di lire 5000, primo fondo per la ripresa degli scavi di Rudiae. La Brigata plaude”. Così nacque l’idea delle onoranze a Ennio».

Oronzo Valentini, Onoriamo l’altissimo poeta soldato Quinto Ennio, in «Almanacco illustrato Terra d’Otranto, 1931», compilato da Clodomiro Conte, Lecce 1931.

1930 Oggi [1930], tutto è scomparso, meno la speranza di trovare qualche rudero nel terreno rimosso, e la fede nei pochi custodi delle grandi memorie di diffondere tra le nascenti generazioni il culto per il maggiore esponente della stirpe italo-greca. E parlo di fede, perché, pare, sia vivo e vitale, anche negli alti organi della cultura storica e letteraria, il proposito di mettere allo scoperto l’Anfiteatro o Teatro di Rudiae, e di procedere ad una celebrazione internazionale di Q. Ennio.»

Pietro Marti, Nella terra di Galateo, Lecce, Editrice “L’Italia meridionale”, 1930.

1931 «Gli scavi dell’anfiteatro rudiano. All’azione pratica e feconda dell’Ente [Ente fascista per la tutela dei monumenti della provincia di Lecce] – che ha già stanziato i primi fondi necessari per lo scoprimento dell’anfiteatro di Rudiae – non è mancata l’adesione del Ministero dell’educazione nazionale, sensibile a tutte le manifestazioni tendenti a rafforzare la coscienza della romanità nazionale».

Nicola Vacca, La rinascita di studi sul poeta Quinto Ennio. Il “nuovo Omero” dell’antico Salento, in «Il giornale d’Italia», 18 febbraio 1931.

1931 «1951. Nei pressi dell’anfiteatro fu rinvenuta una testa coronata di epoca romana raffigurante un sacerdote, coperta con toga e scolpita in pietra locale. Alt. m. 0,30. Sempre nel medesimo anno, venne in luce uno scudo su base rettangolare, rotto superiormente e scolpito pure in pietra locale. [segue descrizione]».

Mario Bernardini, La Rudiae Salentina, op. cit.

1955 «Nell’estate del 1955, eseguendosi alcuni lavori di scasso del terreno nel fondo denominato “Acchiatura”, sito nella zona centrale del comprensorio, a destra della strada provinciale che mena a S. Pietro in Lama, furono rinvenute varie iscrizioni. È da premettere che nel 1871, un benemerito studioso locale, il giudice De Simone, che s’interessava alle antichità salentine, e di Rudiae in particolare, segnalava di aver scoperto in questo fondo ruderi di costruzioni, frammenti di statue di marmo e di rivestimenti, capitelli e colonne di pietra locale, ecc. Questo materiale, rivoltato dall’aratro meccanico, è ricomparso in superficie, rendendo necessaria un’accurata esplorazione del fondo, che sarà eseguita con i prossimi scavi disposti a iniziativa dell’Amministrazione provinciale di Lecce, di concerto con la Soprintendenza alle Antichità di Taranto. È probabile che i capitelli e i resti delle colonne di pietra provengano dal limitrofo anfiteatro che si nota sul posto, a breve distanza dal fondo “Acchiatura”.

Mario Bernardini, Salento. Ritrovamenti di iscrizioni romane, in «Atti dell’Accademia Nazionale dei Lincei. Notizie degli scavi di antichità», 1957.

1981 Nella confinante località «Vescovado», a NW rispetto all’incrocio della strada romana, si riconosce la depressione ellittica dell’anfiteatro.

Esso misura al piede dell’arena m. 67,5 per l’asse maggiore e m. 43,5 per lasse minore e, come l’analogo monumento di Lupiae, sembra avere utilizzato in parte il banco di roccia.

Rosanna Corchia, Rudiae. Problemi archeologici: una messa a punto, in «Taras», 1981.

Valentino De Luca *Storico e già Ispettore onorario della Soprintendenza ai Monumenti per il Comune di Lecce

Nella lingua degli Avi

2011-04-30T09:32:00.001+02:00

Poeti salentini di fine millennio, autori che hanno fatto dell’attaccamento alla propria terra canti in versi di accorata nostalgia e di sincera partecipazione...

Nella lingua degli Avi

Paolo Vincenti

Poeti salentini di fine millennio (Zane Editrice) è una antologia di poeti salentini, pubblicata nel 2000, con Introduzione di Luciano Grazioso. Si tratta di una raccolta di autori, alcuni abbastanza conosciuti ed affermati, altri del tutto sconosciuti al grande pubblico, che si esprimono preferibilmente in dialetto.

Luciano Grazioso spiega nell’Introduzione che si tratta di una serie di autori che hanno fatto della lingua degli avi e dell’attaccamento alla propria terra la loro bandiera poetica e cantano, in versi di accorata nostalgia e di sincera partecipazione, i loro sentimenti, a volte anche teneri, ingenui, nei confronti del mondo e delle cose. Alcune di queste composizioni nascono da un mero spontaneismo che si esprime fuori da ogni codificazione linguistica o categoriale, mentre altre composizioni sono più interessanti e mature, come nel caso di Anna Rosa Aresta, di Maglie o di Ernesto Aprile, di Calimera. Troviamo poi Antonella Baglivo, di Salve e Saverio Alessandro Baldassarre, maestro del Conservatorio di Lecce, concertista, che ha pubblicato opere sul metodo didattico e musicale e varie opere di musica e canzoni, oltre a libri di poesie dialettali.

Critiche interessanti sulla sua produzione poetica ha ricevuto Fernando Uccio Cataldo di Presicce, e diversi libri di carattere storico, con Zane editrice, ha pubblicato anche Giovanni Cisternino, presente con proprie poesie in questa antologia, così come Ada Caracciolo, Antonietta De Masi Calamo e Carla Rossana Barone, insegnante di Lettere nei licei, che ha pubblicato molte poesie su giornali e riviste. Rodolfo Contaldi, di Tricase, giornalista, pittore e poeta, ha partecipato a diversi concorsi di poesia, narrativa e pittura e ha pubblicato “Riflessioni (poesie)” 1995, “Vita e luce (poesie)” 1996, “Conoscenze e ricordi” 1997, “Il mio essere uomo” 1999, “Picca picca (poesie in vernacolo)” 1999, “Liriche del cuore” 2000.

Molto interessanti sono le poesie di Augusto Fonseca, laureato in lettere classiche, che per molti anni ha insegnato all’Università di Leningrado, oggi San Pietroburgo, e poi all’Università di Skopje, nella Repubblica Macedone. Studioso di linguistica, letteratura e storia, è stato autore di numerose traduzioni da varie lingue slave e ha pubblicato, tra gli altri, “Odore di terra” 1974, “Fanciulli volanti senz’ali” 1990, “Jugoslavia Jugoslavia! Testimonianze di un impegno” 1996.

Sicuramente di livello sono le prove poetiche che offre Tonio Ingrosso, poeta matinese che ha già un discreto numero di pubblicazioni alle spalle e di positive recensioni. Dopo Oronzino Invitto e Diego Lopez de la Fuente, troviamo Antonio Morello, autore di simpatiche liriche in vernacolo, e Antonio Nahi, di Melendugno, fra i promotori di questo progetto, autore di “Genesi Emotiva”, da cui sono tratte le poesie del presente volume, una raccolta di liriche composte fra il 1974 e il 1999 e pubblicate in opere come “Terra Madre” 1974, “Vivere è forse” 1976, “Accordi acque e venti” 1981, “La sonda in luce” 1978, ecc. Troviamo poi Dante Pascali, Niny Rucco, docente di materie giuridiche ed economiche in pensione, che ha pubblicato le raccolte di poesie “Rrobbe sparse” 1977, “Sciamu innanzi” 1981 e “Cci la ccappa la cunta” 1985, oltre a lavori teatrali rappresentati con successo a Lecce, come “Le corne rosse, le corne fine e le corne longhe” 1979, “La sbandata” 1981 e “La fimmena te strata” 1990, e infine Antonella Trinchera.

Una raccolta poetica nel suo insieme apprezzabile, per l’impegno profuso dalla casa editrice che ne ha curato la pubblicazione e per le emozioni, semplici ma schiette, suscitate dalla lettura degli autori presenti.

Enzo il partigiano

2011-04-22T09:58:00.001+02:00

Enzo Sozzo è conosciuto non solo come un artista che ha saputo interpretare il tempo e i colori della sua città, ma anche perché è stato un soggetto attivo nelle vicende di Lecce per quasi un cinquantennio, dalla caduta del fascismo fino al 1993, anno della sua morte

Enzo, il partigiano

Maurizio Nocera

Nell’occasione del 150° Anniversario dell’Unità d’Italia e del 66° anniversario della Liberazione dell’Italia del nazifascismo, un’importante retrospettiva dedicata al pittore leccese Enzo Sozzo si è tenuta nella sala della Società Operaia di Mutuo Soccorso di Lecce.

Di lui, Arrigo Boldrini

È stato per più di 40 anni presidente dell’Associazione Nazionale Partigiani d’Italia, associazione che aveva fondato e organizzato a partire da subito dopo la fine della seconda guerra mondiale, e sono molti gli aneddoti positivi che si leggono di lui. A proposito della mostra, è stato pubblicato un pieghevole con gli interventi di Arrigo Boldrini, il leggendario comandante partigiano Bulow che, con la sua brigata liberò Ravenna dai nazifascisti, nel quale leggiamo: «Dell’arte, dei riconoscimenti ad Enzo Sozzo, uno degli artisti più rappresentativi della “generazione di mezzo”, rappresentante davvero a pieno titolo della sua terra leccese con le sue carrozze, le cattedrali, cento e cento disegni, che hanno assunto una specifica universalità artistica, mi si permetta di aggiungere civile e morale, ogni commento può sembrare di maniera o dettato da un senso profondo dell’amicizia scritta con l’A maiuscola./ Ma come non considerare che la linea politica, nel senso più alto dell’indirizzo e della ricerca artistica, nasce da una sua storia sofferta e vissuta con quella sua terra, con il folclore che ha radici lontane e rappresenta la sintesi di esperienze di generazioni diverse./ Un pittore poeta, appunto, che riporta alla luce quel sottofondo paesano e sommerso che rappresenta le radici di una civiltà contadina, che non sempre trova spazio nei grandi trattati di storia, ma alle volte con qualche fugace cenno più aneddotico che marginale con tratti spiccati e vivaci».

Di lui, Ennio Bonea

Da parte sua, il mai dimenticato prof. Ennio Bonea ha lasciato scritto: «Con un Luca Giordano in sedicesimo, il famoso “Luca fa presto”, Enzo Sozzo ha prodotto centinaia di quadri che hanno sparso in tutto il mondo (non esagero usando questa espressione, i suoi quadri sono in Europa, in America, in Australia, perché hanno la seduzione della piacevolezza, sono di facile lettura) la sua pittura e, con essa, le immagini di una Lecce barocca che Sozzo interpreta con sensibilità anch’essa barocca, tipica del salentino, sia esso pittore o poeta, che avverte e riproduce il “bello”, in senso artistico, col fine marinista del “piacere”. Esso rende gradevoli, e fissa nella “memoria”, anche quelle brutte, nere, sgangherate carrozze di piazza coi loro macilenti cavalli, che negli occhi dei salentini e dei “forestieri”, incidono un indimenticabile stigma di Lecce».

Di lui, Toti Carpentieri

Il più noto critico d’arte leccese, Toti Carpentieri, ha scritto: «Enzo Sozzo è un pittore profondamente tradizionale, intendendo questo aggettivo in un doppio riferimento, e cioè sia ispirativo che tecnologico; la sua infatti è una pittura che si vede due volte, una come partecipazione estetica ad un mondo che è comune a tutti, l’altra come emotiva intrinseca che ha reso necessaria ed ovvia la nascita del quadro. Le sue opere sono pezzi di Puglia, episodi di una vita che incontriamo ogni giorno, inviti ad una considerazione più profonda di uno stato attuale, e questi ulivi contorti di Puglia, questa case dal bianco abbagliante, questi ricami preziosi degli artigiani nella morbida pietra, questo mare così profondamente azzurro, sono resi con una sapiente partecipazione interiore e con una profonda sensibilità, il tutto nella volontà determinata di instaurare una reale comunicatività lirica non solo tra l’uomo e la sua terra, ma tra l’uomo e l’uomo».

Di lui, don Franco Lupo

Altro noto personaggio di Lecce, don Franco Lupo, un prete poeta amico intimo dell’artista, ha scritto: «Soffermarsi innanzi alle marine di Enzo Sozzo significa entrare in un mondo realissimo come è quello del pittore leccese./ Enzo ama la chiarezza, la luminosità, l’ampiezza di un cielo infinito ed il suo pennello diventa come la penna di un musicista che sulle righe del pentagramma traccia le note di melodie che si perdono nel mistero./ La lucentezza dei colori esprime l’apertura genesiaca dell’animo dell’artista che sa cantare il creato con la stessa forza del grande poeta Francesco d’Assisi».

Di lui, Mario Marti

E Mario Marti, vate e maestro di infinite schiere di professionisti, letterati, produttori culturali, docenti, ecc., ha scritto: «Come pittore, non credo di avere preparazione tecnica e competenza tali da poter adeguatamente formulare un giudizio rispettabile. Posso dire che mi piace certa solitudine assorta che egli riesce a comunicare nei momenti migliori; certi spazi costruiti e silenziosi; il legame sensibile che unisce l’occhio alla “cosa”, appena tremolante d’emozione cordiale; l’autentica aria “salentina”, e certe volte addirittura “leccese”, che circola fedelmente negli esterni./ Come uomo e come pittore, Enzo Sozzo è un personaggio; e la sua “presenza” si prolungherà certamente per molti anni nella vita e nella cultura di Lecce e del Salento».

Di lui, Enzo Panareo

Da parte sua, il buon Enzo Panareo, figura indimenticabile di intellettuale organico alla città barocca e per decenni vice direttore della Biblioteca provinciale “N. Bernardini” di Lecce, ha scritto: «La pittura di Enzo Sozzo ha sconfitto il tempo: questa entità astratta apparentemente, ma pur tanto perentoriamente presente e concreta nella vita quotidiana… è diventata sulla tela di Enzo Sozzo una chiave per penetrare nel mistero delle cose. Il barocco leccese vive oggi sulla tela così come quattro secoli or sono scaturiva sotto forma di intuizione architettonica e di gusto di un particolare fantastico dalle esigenze estetiche dei maestri costruttori compiaciuti, ad opera finita, di quello svariare di angeli e di demoni che giuocavano a rimpiattino con il sole avendo per sfondo il cielo più terso del mondo».

Di lui, Giacinto Urso

L’on. Giacinto Urso, altra figura istituzionale della città e della provincia, che incarni i valori della libertà, della democrazia e della difesa dell’ordine costituzionale, ha scritto: «Il pennello di Enzo Sozzo ricerca, con pazienza e ostinazione, le cose perdute della città o meglio le cose che vorrebbe vedere ancora vive, pulsanti e presenti./ Ma non è un passatista, quasi immobile, perché le sue carrozzelle dissimili e sempre le stesse, le trasporta di volta in volta lungo le vie, viuzze, le mura, le chiese di Lecce scorrendo così un presente, che invoca valorizzazione e restauro.../ Insomma Enzo Sozzo mentre cammina sulle vie antiche si apre, con la sua arte, tutti i vicoli del nuovo che si riallaccia all’antico».

Di lui, Donato Valli

E ancora il prof. Donato Valli, per decenni rettore e ordinario dell’Università salentina, ha scritto: «Dov’è il realismo di Enzo Sozzo? Esso è sommerso, placato dall’onda d’un sentimento che si fa poesia, ne rimangono sulla tela i relitti, come succede di un grande naufragio di cui si è salvata la memoria incandescente e magmatica al pari di un sole intramontabile./ Anche le case sono intorno tutte mute, senza vita apparente, trattenute in una forza implosiva alla quale la colata di colore delle pareti abbozzate oppone un argine spietato. Di quella vita inespressiva affiorano da balconi barocchi, raggrumati in colore materico, testimonianze di petali accesi, forse gerani spuntati da una perenne primavera. Quell’improvvisa fiammata increspa con la sua inattesa presenza la limpidezza serena della superficie. Lì il barocco trova la sua correlazione in un sussulto d’anima, una passione sottintesa, che non è paura ma gioia di vita».

Visioni di barocco...

Si tratta di testimonianze sincere, autentiche, spontanee, che rendono giustizia all’arte di un uomo che ha dedicato l’intera vita a quanto di più amava, il pennello e la tavolozza. Tanto che viene spontaneo riflettere sull’oggi. E così ti viene da pensare che chi, come turista dei nostri tempi, arriva a Lecce la Barocca, non può non ammirare le facciate delle chiese, le corti, le balconate infiorettate di rossi gerani, le inferriate attorcigliate, i portoni sei-settecenteschi sormontati dagli antichi mascheroni o dagli stemmi consumati di nobili casate, e ancora le sbiadite edicole dei santi e i fiori incastrati nel dolce carparo, o i resti delle antichità messapiche, greche e romane, o le severe sculture bronzee dei nostri patrioti risorgimentali. Il turista, attento e intelligente, sa bene che si tratta d’immagini straordinarie, per questo le fissa sulla sua pellicola come ricordo incancellabile. Non tutto però egli può fissare, ad esempio la Lecce di un tempo, quella animata dalla gente dai lunghi pastrani e quella dai fanali a olio lampante o a petrolio, che rischiaravano di fioca luce gli angoli delle strade, quella Lecce attraversata giorno e notte da carrozze e carrozzelle trainate da cavalli anch'essi miti e gran lavoranti. Credo che ciò non sia più possibile neanche agli stessi leccesi, soprattutto quelli delle nuove generazioni, anche a loro impossibile rintracciare, sia pure mentalmente, la città di un tempo ormai definitivamente perduto. I visitatori hanno una sola possibilità: se, nel loro girovagare, hanno la fortuna di passare da via Antonello Coniger, e trovare aperta la porta contrassegnata dal numero uno, ed entrare nella “studio-bottega” di quel vecchio leone leccese che è Enzo Sozzo, troveranno tutta quella Lecce che oggi non esiste più. Da Enzo, infatti, troveranno impresse sulle tele, sui cartoni, sui pezzi squadrati di faesite, sugli stessi muri colorati dal pittore non solo la Lecce che tutti ancora possiamo vedere, ma anche quel pezzo della città che la storia, ormai, e pure le vicissitudini naturali hanno cancellato inesorabilmente. Per il loro rollino fotografico essi troveranno impresse le antiche luminarie, le carrozzelle coi cavalli cavezzati, e poi tutto lo splendore artistico del tesoro del barocco.

La mostra, inaugurata l’11 aprile, sie è chiusa mercoledì 20.

Per Salvatore Toma

2011-03-16T15:38:00.002+01:00

Quando di marzo Totò Toma dimenticò di indossare il cappotto: nevicava nevicava!

Era marzo 1987. Chi, come me, può mai dimenticare? Esattamente era il 17, e Salvatore Toma, poeta “bimbo” di Maglie, lasciava questo mondo per arrampicarsi sugli spalti del cielo alla ricerca della sua pace celeste. Vedendolo salire nell’azzurrino rosa pallido, capimmo che non sarebbe più ridisceso a terra. Qualcuno di noi però, di nome Antonio L. Verri, suo amico di pene e di poesia, per un attimo credé alla favola che così come si sale si può anche ridiscendere dal cielo. Poveretto a crederci perché, qualche anno dopo, era la notte tra il 9 e il 10 maggio 1993, data pur’essa difficile da dimenticare, pure lui doveva rifare la stessa strada del poeta di Maglie, e verificare, come ombra divenuta ormai fantasmatica, che di lì non si può proprio ritornare.

A great poet

Maurizio Nocera

Chi ricorda quel marzo sa che fu un mese di neve, di tanta neve, e nel bosco delle Ciancole, appena fuori la città dalla pietra dorata, in quel bosco di vecchi lecci, olivastri, lentischi e mirti, il poeta viveva con i suoi cani, i suoi fiaschi di Lambrusco amabile e le sue pene d’amore. Salvatore amava la vita, di quell’amore che è difficile dire, perché amava i bimbi e gli uccelli, le lepri e le donnole, gli alberi e i papaveri rossi, le donne e non gli uomini, perché maschi ed anche un po’ stupidi e violenti. Una bella fanciulla poteva dire a Totò tutto ciò che gli passava per la mente.

Lui la guardava, o meglio la scopriva con lo sguardo, senza che lei se ne avvedesse. Magari lei, com’era ovvio, rimaneva vestita, e ci mancherebbe altro!; tuttavia lui, con quei suoi occhi, divenuti ormai cisposi per il nero d’uva ingollato, la spogliava di ogni indumento che aveva indosso, capo dopo capo, riuscendo così a giungere fino al più intimo che poteva, un po’ bofonchiando, un po’ sorridendo sornione. La fanciulla, che ovviamente rimaneva integra nei suoi panni, ridacchiava compiaciuta, senza accorgersi che quel farabutto di un poeta dei viburni e dei corbezzoli la stava annusando tutta e poi, quasi fosse un periscopio di un sommergibile di pelle carne e ossa, la scrutava fin dentro le mucose.

Olfatto e vista erano i due sensi di cui Totò Toma, altrimenti detto Franz dal Verri per via di un suo sosia conosciuto a Schaffausen, si serviva per penetrare d’amore una donna. Degli altri sensi non gli importava molto, tanto sapeva di non poterli usare: non si poteva certo permettersi di toccare una bella fanciulla; quando mai?, sua moglie Paola gli avrebbe spezzato le gambe; ma poi non gli importava più di tanto di sentirla parlare, perché qualsiasi cosa avesse detto, lui la conosceva già; infine, che cosa mai aveva da gustare se non poteva toccarla, baciarla, eccetera, eccetera!

Il giorno del morire

Sì, è vero, quel 17 marzo 1987 fece molto freddo e fece pure tanta neve. Chi, quella mattina presto, andò a trovare Totò, si accorse subito che le cose non andavano per niente bene. Pensò che il malumore del poeta fosse dovuto a quella tragica scena che gli si era parata davanti qualche mese prima quando, arrivato di buon’ora al bosco, aveva trovato dilaniato uno dei suoi cani a lui più affezionati. Gli altri cani lo avevano sbranato, fatto a pezzi, forse per gelosia, forse per altro ancora. Totò però non si riprese più da quella drammatica scena. Era il mondo che gli crollava addosso, e non capiva il perché. Tutti noi, Verri per primo, nella speranza di tirarlo su, l’avevamo confortato dicendogli che in fondo si trattava di animali. E l’artista Abele Vadacca, scherzandoci su e anche lui dicendogli che di cani in fondo si trattava, gli aveva schizzato, lì per lì, due splendidi carboncini con scene di cani in lotta. La risposta del poeta fu inequivocabile: uno sguardo di pietra che c’impetrò. Allora capimmo che c’era poco da scherzare, per cui, chi di qua chi di là, cominciammo a girare intorno a qualche leccio, oppure a fare altro, o a dire altro, e soprattutto a parlare di poesia, che era poi l’argomento principe di qualsiasi nostro dibattito.

Quel giorno del marzo ’87 però, Totò non stava affatto bene e si vedeva pure, tanto che qualcuno, qualche tempo dopo, disse che aveva delirato un po’ e che di tanto in tanto aveva tremato tutto, e non solo per il freddo intenso. Un tremore tremendo che a Totò saliva da dentro la spina dorsale. Poi c’era stato l’agguato canaglia: la corsa in macchina verso Gagliano, all’ospedale, con l’amico medico che gli reggeva la lingua ridotta ormai a brandelli.

In sogno i pellerossa

Nel delirio, entro cui il poeta entrava e usciva, non poteva che sognare. Cosa? I suoi adorati pellerossa americani, Capriolo Zoppo in particolare, ma anche l’altro pellerossa nostrano, il leccese Edoardo De Candia, sua santa santissima icona disprezzata. Per Totò non si trattava di compassione, neppure pietà, né solidarietà. Semplicemente era amore per un artista non amato dagli altri. Ecco perché, per lui Edoardo andava amato per quella sua vita disordinata ma gonfia di sogni, di speranze, di amori all’orizzonte e mai raggiungibili, di sregolatezza e d’indisciplina individuale che però non urtava nessuno, di umanità vera e disinteressata. Totò amava pure le rondini, i passerotti, e le tortorelle dal collare nero, e non si vergognava di dire che a lui piacevano più gli animali selvatici che i cacciatori. Fosse stato per lui, avrebbe vietato la caccia agli uomini per l’eternità, perché diceva che l’uomo è l’unico animale che caccia non per vivere, come fa il resto dell’intero mondo animale, ma lo fa unicamente per uccidere e per il dannato gusto di vedere in faccia la morte, quella degli altri esseri viventi però, non la propria. Quando pensava alla caccia, a Totò gli veniva una tristezza immensa quanto un oceano, e non vi dico poi quando gli accadeva di leggere qualche articolo dove si diceva che un cacciatore aveva ucciso della selvaggina senza poi raccoglierla, ma l’aveva lasciata là per terra a oltraggio della vita. Che tristezza e quanta disanimalità!

Il 'riparo' nel bosco

E sì, è proprio vero, la mattina di quel freddo e nevoso marzo ’87, Totò Toma stava proprio in difficoltà: un po’ gli mancava il respiro, un po’ sentiva il desiderio di bere e, quando gli capitava di farlo con le labbra attaccate direttamente al collo del fiasco, subito dopo il suo volto sbiancava, diveniva paonazzo e bluastro. Era proprio in quei momenti che qualcuno di noi cercava di tirarlo su ricordandogli che aveva scritto poesie favolose, dicendogli che mai sarebbero morte le sue sillogi: “Poesie (Prime rondini)” (1970); “Ad esempio una vacanza” (1972); “Poesie scelte” (1977); “Un anno in sospeso” (1979); “Ancora un anno” (1981, ma anche 2007); “Forse ci siamo” (1983), [a queste, oggi, possiamo aggiungere anche le raccolte postume: “Canzoniere della morte” (1999), curatela Maria Corti, e “Cara Babi ti amo da morire sempre (lettere)” (2002), a cura di chi qui scrive.

Era pure in quei momenti che il buon Verri gli ricordava che lui possedeva «un bosco, [che qualcuno] glielo aveva affidato (era l'unica cosa che aveva) dieci, quindici anni prima». Gli ricordava che, se qualcuno di noi (o anche altri) lo voleva andare a trovare era lì che lo trovava, era «lì che lui passava le sue giornate. Era in quel bosco che era nata quasi tutta la sua produzione poetica […], era in quel bosco che lui allevava i suoi bastardini, i suoi Bull Terriers, il suo Akita Inu. Era quello il posto ideale per un poeta come Toma». E poi gli ripeteva sino allo stordimento che egli «era un colossale bagno di trovate, il poeta che da sempre aveva capito tutto e volava su tutte le manovre di imbottigliamento, sulle invidiuzze di qualche sciocco amico, come sulle cretinerie dei celebrati e venerati potenti di ogni luogo.

[che]

[Verri gli ricordava pure che] era feroce, era sanguinario come tutti i veri poeti e come tutti i veri poeti aveva il diritto di mandare al diavolo un po' di gente; [che] era un io che vinceva, dolorosamente ma vinceva, che sovrastava dall'alto di una quercia secolare; [che] era un batuffolo di ironia e di smaliziato candore, [che] era di una ironia favolosa (provate a guardare nei carteggi dei più grossi poeti e scrittori, troverete sberleffi pazzeschi, trovate esilaranti), [che] sapeva inventarsi di tutto e di tutti con allegria e meraviglia; [che] come tutti i veri poeti aveva carisma, aveva potere sulla vita e sulla morte di ognuno; [che] poteva avere, era un suo diritto, armonia e tenerezze e aspri giudizi per tutti; [che] poteva ridere di te, volare apparentemente sereno, dire sciocchi, odiare chi odia gli ubriaconi, gli emigranti, i diseredati che puzzano; [che] poteva essere un bambinone, poteva avere ossessioni erotiche, poteva canzonarti quando gli pareva, poteva scappare dai suoi e tornare con detti stravaganti, con astuzie candide e sanguigne./ Quante cose! Troppe. Cose pensate in motorino, il più delle volte dietro un bulbo da suo padre fioraio, per rompere, per cercare di rompere il magone di una vita senza ruolo, le cose idiote che ti circondano... o forse solamente la paura della morte, della vecchia con la falce e col ghigno. Toma era anche uno che sapeva godere, [che] aveva capito benissimo che la poesia è qualcosa che si consuma in un attimo, con voluttà, con intensità, con dolcezze, di quelle “che fanno vergognare il Paradiso” per intenderci; Toma era un animale d'assalto e di rientro, sicuro, scaltro, triste, allegro, pieno di tremori inaspettati, e poi rivoltato, costretto, annientato “da questa civiltà simile alle periferie, piena di barattoli, di plastiche, di scarpe vecchie, di bambole spezzate, di fumo, di puzze, di cadaveri di cani bruciacchiati”».

Da Dopopensionate

Appena un anno dopo la sua ascesa al cielo, sempre il buon Verri volle dedicargli una cartella, che insieme gonfiammo di storie, di lettere, di suoi disegnini, di altro ancora. La intitolammo “Le rane hanno il pancino chiaro - Per Salvatore Toma” (Edizioni Dopopensionate del Centro Culturale ‘Pensionante de’ Saraceni’, Lecce 1988). A leggere oggi l’indice, mi sembra un’infinità: Elio Filippo Accrocca, Martin Andrade, Georges Astalos, Elio Bartolini, Vittorio Balsebre, Aldo Bello, Giovanni Bernardini, Fernando Bevilacqua, Bruno Brancher, Eleandro A. Buongionro, Nicola Carducci, Luciano Caruso, Marilena Cataldini, Nadia Cavalera, Anna Maria Cenerini, Gaetano Chiappini, Cosimo Leonardo Colazzo, Oronzo Coluccia, Giuseppe Conte (Serrano), Giuseppe Conte (Milano), Lucio Conversano, Elio Coriano, Maria Corti, Vittorino Curci, Ercole Ugo D’Andrea, Edoardo De Candia, Aldo De Jaco, Michele Dell’Aquila, Cesare De Salve, Francesco Saverio Dòdaro, Luisa Elia, Antonio Errico, Enzo Fasano, Rita Guido, Antonio Iaccarino, Lucette Junot, Davide Lajolo, Francesco Lala, Alessandro Laporta, Horia Liman, Roberto Linzalone, Mario Luzi, Oreste Macrì, Valerio Magrelli, Mario Marti, Antonio Massari, Anna Maria Massari, Enzo Miglietta, Eugenio Montale, Silvio Nocera, Giovanni Pellegrino, Gino Pisanò, Giuseppe Prezzolini, Luciano Provenzano, Giovanni Raboni, Silvio Ramat, Barbara Ritter, Marisa Romano, Luigi Scorrano, Cosma Siani, Raffaele Spada, Gigi Specchia, Alessandra Tana, Abele Vadacca, Donato Valli, Giorgio Vigolo, Nello Wrona, Letizia Zumin.

L'accordo con l'urgenza

Per quei tempi fu un’impresa eccezionale. La mente dell’operazione fu quella del Verri, il lavoro manuale invece toccò a chi qui scrive. A un certo punto dell’impresa, all’ideatore venne in mente di inserire nella cartella tutta una serie di cose e cosine tomiane come «i suoi biglietti rossi, gialli, le sue buste finissime, la sterminata serie di penne, le cartoline d'autore che montava con i suoi timbri, con immagini che amava, con incredibili autoadesivi, le carte intestate col disegno dei suoi cani, le strampalate domande d’iscrizione ai “Lions club”, le sue “guerre” con manifesti per tutta Maglie, o le bizze con Contini, o le tormentate, monologanti, sue vicende con Cucchi e Raboni (strapiene di ironia cruda, illogica, un po' da ragionamenti alla Don Chisciotte), colpevoli secondo lui, di bloccare la sua ascesa poetica, in fondo capi, e di conseguenza predoni, in quel di Milano, dello stato della poesia italiana, dell’editoria poetica nazionale, eccetera eccetera».Ovviamente mi rifiutai di assecondarlo, perché l’impresa, a quel punto e con quei colossi desideri del Verri, diveniva insormontabile. Accettai solo di inserire, e solo in qualche cartella, non a tutte, quella sua stupenda chiusura dell’articolo “Toma, il poeta dei viburni e dei corbezzoli” («Sudpuglia», XII, 4, 1986, pp. 209-219) che dice: «Chi non consente poesia, chi non riceve poesia è un morto, chi non sa vedere i pesci d'oro che pendono dalle sue querce e dai suoi pini è un morto, chi non si accorda con la sua urgenza (propria dei poeti) è un morto, chi non sa ascoltare, con un vento leggero, le nenie, le canzoni dei suoi viburni e dei suoi corbezzoli è un morto, chi non vola con i suoi mitici uccelli, chi non ama il guizzo dei suoi cani, la loro eleganza, la loro voracità, è un morto... È da concedere tutto ai poeti... specie quando, come nell'ultimo Toma, nel penultimo Toma, nel Toma di sempre, la poesia assume valenze profetiche, detta verità valide per tutti!». Vale: «Forse la morte non porta / via tutto, o forse volevo / solo dirti di un luogo di luna, / di un castello imbiancato / dai respiri di Idrusa» (Antonio L. Verri).

Nella Terra dell'Incanto

2011-01-25T09:28:00.000+01:00

Da Graphuglia, Giravento e Celestino, per scoprire la Puglia

Martina Gentile

Due libri grandi come ali per spiccare il volo. Due personaggi eccezionali, destinati a incarnare la poesia dei luoghi della nostra terra, l’energia che si sprigiona attraversando la bellezza sacra e maestosa di paesaggi così inusuali da sembrare quasi onirici.

Graphuglia, associazione che si occupa di comunicazione ed editoria, ha dato alle stampe solo da pochi giorni due volumi, realizzati nell’ambito del progetto Principi Attivi, che stanno conquistando inesorabilmente gli occhi e il cuore di chiunque abbia il piacere di sfogliare queste due eccellenti guide turistiche per ragazzi.

Raccontare i luoghi della nostra terra ai ragazzi è un’idea brillante e innovativa: i due volumi della collana Filo d’aria, intitolati Giravento ad Alberobello e Celestino alla Salina dei Monaci sono vivi e palpitanti. Tutto un orizzonte si dischiude, pagina dopo pagina, sin dalla copertina.

Nel primo volume, il fascino della pietra bianca sovrastata dai coni neri dei trulli, con i loro simboli antichi e le loro forme sorprendenti è rievocato dal lirismo di un testo, scritto da Biagio Lieti, che si fonde perfettamente con le illustrazioni di Fiammetta D’Aversa, nelle quali ci si immerge con dolcezza. Giravento resta stupefatto dinanzi alla bellezza di Alberobello e il lettore, qualunque sia la sua età, abbandonata ogni resistenza, lo segue senza indugio, assaporando silenzi e suoni di Alberobello e godendosi gli spazi inediti generati dall’immaginazione di un’illustratrice che sa trasfigurare la realtà, conferendo forme nuove e sbalorditive al vissuto.

Il volume, il cui progetto grafico è stato curato da Luigina D’Aversa, è introdotto da Livio Sossi, docente di Storia e Letteratura per l’infanzia presso l’Università di Udine, che ha voluto evidenziare l’importanza di questa iniziativa editoriale, volta a raccontare i luoghi nel loro intreccio straordinario di storie.

Il secondo volume, Celestino alla Salina dei Monaci, invece, è una guida naturalista per scoprire un punto della carta geografica di questa terra sconosciuto ancora a molti, su cui s’alzano in volo stormi d’aironi, piccoli volatili e insetti, sul quale crescono lecci e ginepri.

Celestino è il custode attento e curioso di questo angolo di sud nel quale tanto tempo fa i monaci se ne stavano immersi nel biancore dei granelli del sale e il Salento diventa così terra dotata di sale.

La salina, oggi diventata una riserva naturale, è punto di convergenza delle memorie di un passato che ondeggia lieve, che va e torna come le onde del mare, portando con sé suggestioni e sensazioni.

I due sorprendenti protagonisti di questo viaggio nell’incanto dei luoghi, la qualità e l’ottima fattura di questa produzione dalla quale emerge prepotentemente la calda umanità di chi crede fortemente in questo pregevole progetto per la salvaguardia e la promozione delle ricchezze del territorio, l’eccezionale ed avvolgente estro di questa talentuosa illustratrice s’imprimono nella mente del lettore.

Non resta che viaggiare con Giravento e Celestino, raggiungerli nelle librerie della città e seguirli nella terra dell’incanto.

Loredana De Vitis - I fantasmi dell’Amore

2011-01-16T12:30:00.001+01:00

Antonio Errico

Un amore quotidiano, contratto, avvilito, svuotato da ogni pulsione, da ogni energia, senza tensione, senza fantasia, legato alla catena dell’abitudine che devasta perfino la memoria, che avvelena il rapporto con l’altro, lo riduce a convivenza rattrappita, mentre si elabora un piano di fuga da se stessi , dalla propria angoscia quotidiana, dalla frustrazione del disamore, mentre tutto diventa irritazione, rifiuto, fastidio, mentre ogni cosa intorno, dentro, si impregna di un odore di morte. I giorni che diventano pesanti, che schiacciano, sprofondano nelle sabbie mobili della banalità, della noia. L’entusiasmo che si smorza, poi si spegne, poi lascia quel tanfo che si raggruma nella gola. L’eros che si fa carnalità dissacrante, offensiva, o che si mortifica nella virtualità che obnubila, stordisce, che tramortisce ogni sentimento e diventa oltraggio alla ragione, all’emozione.

Le Storie d’amore inventato di Loredana De Vitis, parlano di questo amore: di questi scheletri d’amore, di questa cenere. Cinque racconti d’amore corroso, schiantato sui muri della meschinità, dell’inedia, dell’ipocrisia, dell’apatia, inquinato dalla menzogna, asfissiato dal fumo che viene dalle sue rovine.

De Vitis usa un linguaggio secco. Parole non urlate ma sferzanti. Definitive e non rassegnate. Anzi: spietate, che squartano quel velo di finzione, che spesso si stende sulle storie finite, per non vederle, non farle vedere, per tirare avanti.

I soggetti narranti di questi racconti cominciano a parlare quando la storia è finita. Dicono della sua fine. Perché un amore si può raccontare solo quando è finito, oppure quando comincia a disfarsi. A quel punto, su quella soglia, sull’argine di un sentimento che frana, tra i rimasugli della passione, si può raccontare l’amore. Non si può raccontare nella presenza dell’altro, ma nella sua assenza, nella solitudine. L’unico racconto possibile dell’amore è la memoria dell’amore, e poco – o niente – importa se sia una dolce o amara memoria. Oppure si può raccontare il suo disfacimento; si può raccontare la rabbia, la delusione, il rancore, la rassegnazione, la disperazione. Raccontare è una maniera per dimostrare a se stessi di essere stati vivi, quasi a dispetto di tutto il morire che attraversa il presente. Allora si racconta l’amore quando è sofferenza, rammarico, rimpianto, anche quando è sale sulla ferita che si riapre, quando è ossessione, annichilimento, disperazione. Oppure quando è alibi, pretesto per dirsi che la solitudine che si vive è soltanto un transito buio tra la luce del passato e quella del futuro.

I personaggi di Loredana De Vitis sono irrimediabilmente, terribilmente soli. In questa solitudine raccontano. Soprattutto a se stessi. Come davanti ad uno specchio deformato. Si raccontano accerchiandosi, stanandosi. Dicono l’irreversibilità della fine. Dicono lo squarcio che si è aperto nell’esistenza, la lotta con i fantasmi che affollano il pensiero. Beffardi.

Di tanto tempo, scaglie di scrittura

2011-01-16T12:28:00.004+01:00

Antonio Errico

In fondo si scrive per dare una forma alla propria vita, e forse per nient’altro. Alle passioni, alle occasioni, alle emozioni, ai sogni, alle rabbie, ai desideri, agli amori e ai disamori, alle delusioni, agli incanti e ai disincanti. Per renderli riconoscibili a se stessi; per rendersi riconoscibile, per trovare o ritrovare il senso dei propri giorni: di ciascun giorno com’è, irripetibile e assoluto. Non c’è un solo giorno che sia come un altro ch’è già stato oppure che sarà, che possa avere gli stessi pensieri, le stesse malinconie, gli stessi progetti, le stesse speranze o disperazioni.

Allora se si raccontano i giorni, le forme della scrittura devono essere diverse, molteplici, intrecciate, integrate, complesse, e siccome i giorni sono fatti di frammenti – scaglie di tempo, armonie e disarmonie combinate in maniera spesso anche misteriosa- di frammenti dev’essere fatta la scrittura, di armonie e disarmonie.

Così è fatto il libro di Paolo Vincenti pubblicato dall’editore Pensa con il titolo Di tanto tempo (questi sono i giorni), con puntualissima prefazione di Vito D’Armento e personalissima postfazione di Stefano Delacroix .

Non è un romanzo. Non è un poema. Non è un saggio. E’ fatto appunto di scaglie di scrittura che hanno la forma della narrazione su cui s’innesta la forma della poesia e che a volte prendono la sembianza dell’annotazione filosofica, della riflessione. Sono frammenti che contengono stratificazioni. Perché poi la scrittura proviene sempre – inevitabilmente – da altra scrittura, antica o contemporanea. Ogni parola è acqua che si tira da un pozzo. Che per Paolo Vincenti è profondo,molto. Per questa scrittura si cerca compagnie e dichiara quali sono: Virgilio, Eraclito, De Gregori, Dante, Vecchioni, Alceo, Il Capitano Black, Jim Morrison, Verlaine, Penna, Guccini, Bodini, Comi, Pagano, Verri, Fiore, Pasolini. Per esempio.

La scrittura si pone davanti al tempo a petto nudo, per impedirgli il passo anche attraverso il sacrificio. Impone ad essa il nostos, attraverso la condizione della memoria. In questo modo la scrittura sprofonda nel tempo e riprende stagioni, giorni, attimi, restituendoli all’esistenza.

L’identità probabilmente è questo: l’esito di passato rievocato e di presente, una fisionomia che si delinea attraverso il confronto serrato, talvolta lacerante, con il tempo e con le sue espressioni, le sue figurazioni, i suoi fantasmi, le paure che suscita e i suoi richiami seducenti.

Vincenti compie questo percorso, ma lo fa con ironia, con autoironia, soprattutto, con ricercata leggerezza. L’ironia, si sa, è spesso – o forse sempre – un meccanismo di difesa. Come ogni uomo di ogni tempo, come ogni uomo di ogni tempo che ha scritto parole sopra i fogli, che ha dato forma alle sue felicità e alle sue angosce, Vincenti ha bisogno di staccarsi dalla scrittura. C’è chi lo fa teorizzando la finzione, c’è chi lo fa con l’ironia. Per non farsi sopraffare, per non farsi catturare come mosca nella tela tessuta dal ragno. Perché, poi, la scrittura è quella tela che l’Altro che si è quando si scrive tesse, senza pazienza, per catturare l’innocenza di essere , l’incantevole stupore che l’uomo si tiene dentro, gelosamente.

2011-01-16T12:28:00.001+01:00

DI TANTO TEMPO. SCAGLIE DI SCRITTURA

Antonio Errico

Per L’amore fuggitivo

2010-12-30T18:20:00.000+01:00

Antonio Errico

Ci sono due situazioni che hanno una straordinaria difficoltà di scrittura: la descrizione di luoghi e paesaggi e il racconto dell’amore. La ragione della difficoltà è identica: la loro stratificazione nella storia della letteratura. Per cui chiunque in una narrazione si ritrovi a doversi confrontare con queste situazioni, può farlo soltanto a due precise condizioni. Il mestiere o l’inconsapevolezza.

Con questo suo romanzo che s’intitola L’amore fuggitivo ( Edizioni Progetto Cultura), Pamela Serafino lo fa con raffinatissimo mestiere.

Cercherò di provare perché soffermandomi per qualche riga sulla narrazione dell’amore.

Dovrei dire innanzitutto che per tutta la lettura del romanzo mi è costantemente tornato in mente il famoso saggio di Roland Barthes, Frammenti di un discorso amoroso, soprattutto per quanto riguarda la semantica dell’assenza. Perché nell’ Amore fuggitivo tutto ha origine da un’assenza (una donna che si sottrae all’esistenza) e da un percorso di elaborazione del lutto che viene compiuto da un altro personaggio: Antonio. Non ho detto che Antonio sia il protagonista , come forse potrebbe apparire, con la consapevolezza, però, che sarebbe appunto un’apparenza. Perché il soggetto del romanzo semanticamente preminente è un altro. E dirò qual è tra qualche riga.

Prima vorrei pormi una domanda e tentare di darmi una risposta: da cosa è determinata la funzione dei personaggi di una narrazione. La risposta potrebbe essere: dalla significatività che assumono tanto nella storia quanto nella relazione con gli altri personaggi. Se si accetta questa risposta, allora il protagonista di questo romanzo è Giovanna. Perché senza Giovanna, l’altro personaggio - Antonio – non si reggerebbe. Perché senza Giovanna non si compirebbe il processo di maturazione di Antonio e Sara – l’assenza – sarebbe soltanto un’ombra improduttiva.

Giovanna è una straordinaria figura di donna d’amore. Che non chiede e dà. Con un sentimento di passione assoluto, totale.

Sara è un vuoto, una lontananza, un’ evanescenza. Giovanna, più di Antonio, fa i conti con l’assenza, forse con l’assente, la personificazione di un’assenza, con una separazione, una distanza.

Il suo è un amore innocente, incantato; disarmante.

Giovanna va alla ricerca di un significato dell’amore che non può avere significato ulteriore se non se stesso. Perché è l’amore il significato; non cerca significati, l’amore, non ne vuole; non può averne, forse. L’amore è il significato preesistente e superstite a qualsiasi significato che può avere un gesto, uno sguardo, un pensiero generato dall’amore.

L’altra condizione di difficoltà narrativa dicevo all’inizio, è costituita dalle descrizione dei luoghi- situazione. Ora, nel romanzo di Pamela, il luogo che fa da fondo e da sfondo della vicenda è una scuola.

E’ facile cadere nella retorica- in positivo o negativo – quando si parla di scuola. Ed è tanto più facile quanto più chi scrive ha conoscenza diretta di questo luogo.

Pamela riesce a farlo con un grado di realismo sorprendente, anche per quanto riguarda la fisionomia dei personaggi. Si prenda la dirigente, per esempio: una figura di totale fantasia che però sembra sia stata rapita dagli ambienti di qualche scuola per il tempo che dura la lettura del romanzo.

Volevo dire questo quando ho usato il termine mestiere. Questo e poi un’altra cosa: il mestiere c’è quando si è capaci di far amare un personaggio, e del personaggio di Giovanna il lettore s’innamora facilmente.

L'aurora porta la lingua

2010-12-27T12:00:00.001+01:00

Teatro/ Il pompelmo rosa, Asfalto Teatro

Oggi martedì 28 e domani mercoledì 29 dicembre, nell'ex Laboratorio di Saldatura del Cnos di Lecce, le ultime repliche per “Il pompelmo rosa” da Jack Kerouac per Asfalto Teatro.

“Se possibile scrivi “senza coscienza” in semitrance permettendo al subconscio di accogliere nel nostro linguaggio – disinibito, necessario, interessante e tanto “moderno” - quello che l’arte cosciente censurerebbe, e scrivi con eccitazione, velocemente sui crampi da penna o battitura secondo le leggi dell’orgasmo (come dal centro alla periferia). Vieni, da dentro fuori – fino al rilassamento e al detto”. È Jack Kerouac - citato da Rossano Astremo, in libretto pubblicato a Lecce nel 2006, per I libri di Icaro - il violentatore della prosa. E non solo della prosa, aggiungiamo noi, se violentare un canone significa liberarlo, accoglierlo nella possibilità.

Cigola il sipario nel vecchio laboratorio di saldatura delle Officine Cnos, come una grande porta che si apre svelando, di volta in volta, l’immaginario di un gruppo di “resistenza” che vuole, cerca e realizza un teatro profondamente traversato da una propria specifica lingua.

Il gusto per un teatro fatto di teatro dove gli attori, i costumi, i trucchi, le macchinerie, le scelte sceniche e quelle musicali scrivono un’autonomia ideativa profondamente radicale, perché mischiata di intuizioni e di scoperte cucite in libertà, fuori da qualsiasi soggezione teorica e critica.

Un teatro di regia che si fonda su una solidarietà costruttiva che chiama tutti all’esserci.

Questa volta Aldo Augieri, ha scelto Jack Kerouac, il mito di una scrittura totale dettata da un nomadismo (non solo quello tenuto ai titoli delle opere che più conosciamo) anche questo radicale nel condurre (la scrittura e) la vita al margine, nel bilico, sullo sprofondo della possibilità cognitiva e percettiva. Un osare che ha generato linguaggio ma anche profondamente modificato lo stile di vita di molti.

“Il pompelmo rosa”, è il titolo dell’opera che ha debuttato nei primi giorni di dicembre e che torna in scena per una nuova terna di repliche, le ultime due oggi 28 e domani 29 dicembre.

Una linea di luce in proscenio. Fioca. C’è il mondo, sullo sfondo, nel buio, nell’assoluto buio. Al Vecchio Angelo Mezzanotte è affidato il prologo per il successivo venire di “clown” narrativi che sono tessitura e trama delle visioni che Augieri declina nel suo teatro. Un gusto interpretativo fatto di vezzi e di atteggiamenti che muovono e motivano la “marionetta” viva che egli porta in dono, alla visione, affidandogli parole e movimenti. Un’andare e venire che scandisce il tempo, come se, dietro le quinte, l’attesa dell’entrata fosse punto d’arrivo d’un vagare infinito che congiunge il tempo della preparazione dello spettacolo alla sua “ultima” resa: è il teatro delle “poche sedie”, quello dell’avventura che detta la regola. C’è poca luce in questo allestimento, significativamente; con le parole nel flusso automatico della congiuntura beat, mai preoccupata della conseguenza. Sbirciare allora, tendere l'orecchio l'esercizio chiesto al pubblico. Il coro delle voci, le donne in scena, portano il trucco “rosa” delle geishe, sta a loro spingere la lingua, le parole nel suonare mischiando senso e “sentenze” utili al sempre perso noi!

Dove stiamo andando? Noi sentiamo il Tempo, l’odore della gente.

Valeva la pena che io venivo… stregone flippato. Ho imparato, imparato, le fantasie… Vagabondo, solibondo, cantabondo, lamentondo... Frammenti sentiti dalla scena ed altri a seguire, dal letterario sfondo di questa mirabile messinscena: “Che cos’è quella sensazione quando ci si allontana dalle persone e loro restano indietro sulla pianura finchè le si vede appena come macchinine che si disperdono? … È il mondo che ci sovrasta, ed è l’addio. Ma noi puntiamo avanti verso la prossima pazzesca avventura sotto i cieli” (da “Sulla strada”)

In ultimo un rammarico: peccato il limite del “mercato” teatrale in un territorio, il nostro, che insegue tutto che tranne i suoi talenti… Meriterebbero di più le “cose” di questa fucina, altre saldature, ma tant'è, onore al coraggio.

In scena con Aldo Augieri, Stefania De Dominicis (anche aiuto regia), Antonio Cazzato (anche scene e oggetti di scena), Claudia Di Palma, Daniele Sciolti (anche lui, alle scene), Giuliana Geusa, Roberta Sciolti (anche ai costumi). Le luci sono di Giuseppe Calabrò, i suoni (eccellente la scelta delle musiche) di Emanuele Augieri, trucco e parrucco di Anna Gabrieli. Il bel “vestito piumato” che sorprende in una scena di intensità aurorale è di Fiamma Benvignati.

Mauro Marino

Segno dopo segno

2010-12-13T10:18:00.001+01:00

Il Carmelo - Pinocchio di Massimo Pasca

Massimo Pasca in mostra con "Il cane che si morde la coda", a Lecce, negli spazi espositivi della Biblioteca Nicola Bernardini, nell'ex Convitto Palmieri. Il testo che vi proponiano compare sul n.5 di Modular(t)e, “supporto” critico a cura del Raggio Verde...

“Ho sempre disegnato partendo dall’astrattismo fino ad arrivare al fumetto guardando e ammirando artisti come Andrea Pazienza e Jacovitti” - racconta. Una predilezione per gli illustratori, ma anche una vera adorazione per artisti del calibro di Keith Haring ed Hieronymus Bosh, guardando alle straordinarie atmosfere metropolitane dei lavori del primo e al suo concetto di un’arte non elitaria ma per tutti, mentre di forte ispirazione è stato il magico universo pittorico del secondo...”

Antonietta Fulvio

Contornare i pensieri. Tratteggiare le emozioni. Descrivere con curve iperboliche situazioni e stati d’animo. Eclettico, e con una ironia socratica, Massimo Pasca, salentino di nascita e toscano d’adozione, sigla i lavori della sua ultima produzione pittorica con un titolo emblematico “Il cane che si morde la coda”. L’immagine inevitabilmente riporta all’idea del vortice inarrestabile riferito al tempo che gira, appunto, risucchiando ogni cosa e trasformando tutto secondo la legge del panta rei di eraclitea memoria.

Ma non è solo un riferimento all’invincibile dio cronos, alla ciclicità del tempo infinito che gira su se stesso come cane impazzito, la visione riporta il pensiero anche al paradosso che troppo spesso regola l’esistenza degli uomini, impedendone la crescita, in fondo il cane che si morde la coda non va da nessuna parte, pur correndo, resta paradossalmente fermo.

Evocare disegnando

Probabilmente, dopo questa lunga premessa, la curiosità tutt’altro che appagata chiede ulteriori delucidazioni. In effetti, un titolo non basta. Può servire come chiave di lettura, ma a concedere la password d’accesso allo spettatore c’è solo la visione. Solo osservando con attenzione le grandi tele di Massimo Pasca si ha la sensazione di riuscire ad entrare nel suo mondo cromatico, fatto di segni e di figure che provano a raccontare qualcosa che va ben oltre la fantasia che l’ha generata. Sembra quasi di vederlo mentre segno dopo segno - come la sequenza ininterrotta della linea di Cavaldoli si animava costruendo storie meravigliose rimaste impresse nell’immaginario collettivo - comincia a costruire il suo puzzle immaginifico, dove ogni singolo spazio sulla tela deve essere riempito, quasi ossessionato dalla smania di sconfiggere il vuoto, riempire l’assenza con una presenza. Una presenza non sempre immediatamente riconoscibile in un’immagine definita. È l’atto del disegnare, ciclicamente infinito, a costruire l’immagine, quasi a generare come tanti pixel che poi a guardarli da lontano costruiscono la visione sulla retina. Così i mille ghirigori, arabeschi e volute, simili a sguardi, oggetti misteriosi e profili umani, si ricompogono sulla tela in una sorta di “puntinismo multimediale” per dar vita all’“audioritratto di Van Gogh” in una originalissima versione contemporanea con iPod nel taschino, dove i segni simboli rileggono la figura dell’artista suggerendone la complessa personalità e non solo. Le forbici in alto rievocano sì l’episodio del taglio dell’orecchio, gesto che l’artista compì per lo screzio con Gauguin, ma spiegano anche il perché di quell’auricolare a mezz’aria, che non trova l’ideale sostegno, diventando al contempo metafora dei tagli ai fondi per lo spettacolo e, in particolare, alla musica. Ma la rilettura, coloratissima e carica di ironia del geniale artista olandese, è solo uno degli esempi di capolavori della storia dell’arte che Massimo Pasca ha voluto rielaborare e riportare a nuova vita, ricontestualizzandoli nel nostro tempo e nel nostro spazio.

...raccontando storie

Così accade che una Gioconda non sia poi tanto gioconda se dalla dimensione di “Madonna” nel senso stilnovistico del termine, nella nostra epoca si ritrovi ad essere invece l’ennesima donna costretta ad analgesizzare la propria personalità o ad aggredire per difendersi in una società fallocentrica e improntata alla violenza e alla guerra. “La Gioconda” leonardesca, (la “Monna Lisa”) più che posare chiusa nel suo sguardo assorto e misterioso, assume nel lavoro di Pasca un atteggiamento cinico e inquietante come la lama insanguinata che stringe tra le mani e collega il fatto al misfatto, l’evirazione del maschio, rappresentato dal membro maschile penzoloni all’amo, con un preciso riferimento all’episodio di cronaca di Lorena Bobbitt.

“I lavori di questa mostra - racconta lo stesso Pasca - nascono dall’esigenza di sottolineare l’importanza di certe storie o personaggi che mi piace rielaborare in chiave ironica e spesso amara come amo rielaborare immagini, già conosciute dal pubblico, perché capolavori della storia dell’arte”.

...con nuove illustrazioni

Con i suoi acrilici e il suo tratto fresco, incisivo quanto ironico, Pasca partendo da un’immagine classica come “La Gioconda” o “La dama con l’ermellino”, lo stesso “Autoritratto di Van Gogh” o “Il Giudizio Universale” nel battistero di Firenze costruisce nuove illustrazioni che diventano espressione di ribellione contro una società che non ha messo, come accadeva nel Rinascimento, al centro del proprio universo l’uomo, vi ha posto invece la sete di potere, la violenza, la sopraffazione, direttrici di quel cerchio che, poi inevitabilmente, si chiude su se stesso come il cane che si morde la coda.

Con la sua particolarissima tecnica riesce a riempire, in un horror vacui ricercato, tutto lo spazio pittorico con linee e curve che sono poi, a ben guardare, abbozzi di figure, occhi, gesti che scandiscono la tela in un ritmo simile a quello delle scale musicali, impaginando visioni disincantate della vita e dei rapporti umani.

Con suggestione le sue “creazioni” diventano la lente per scrutare e analizzare la società contemporanea tra vizi e virtù, le dinamiche sociali come gli stati d’animo sin dalle sue prime esperienze, quando nel 1998 nella Stazione Centrale di Pisa realizza su circa quaranta metri quadrati un lavoro sul tema dell’apertura delle frontiere. Dal “Geko Gigante” una tela di tre metri realizzata di getto in meno di due ore per la manifestazione Station to Station alla Stazione Leopolda di Firenze al suo “Ossimoro vivente” sotto le Logge dei Banchi, Massimo Pasca si esprime con disinvoltura su spazi dalle grandi e piccole dimensioni.

...e contaminazioni

Riporta in rime la sua visione dell’arte contemporanea raccontandola in alcuni video che gli valgono anche numerosi premi e riconoscimenti (Primo premio al Festival Uni-verso Corto, menzione speciale al concorso Io e il tempo Spazio Oberdan di Milano e Premio Raccorti D’arte a Pisa al Festival Raccorti, per due edizioni consecutive (2007, 2008).

Con una singolare proprietà dei mezzi espressivi, riesce a contaminare pittura e poesia come nella perfomance realizzata per “City From Below” a cura di Marco Scotini, presso gli stabilimenti Teseco di Pisa ed è chiamato come live painter al Festival della Creatività di Firenze nel 2007. L’utilizzo dei linguaggi artistici non si ferma alla pittura e al video. Appassionato di teatro, tra i suoi autori preferiti Dante e Carmelo Bene, Massimo Pasca ha firmato le scenografie di molte produzioni di rilievo, Chi ha paura di Virginia Wolf con la regia di Gabriele Lavia e per Music Boxe Live Show regia di D.Sala e F. Freyre riproducendo nel sotterraneo del Teatro delle Celebrazioni di Bologna il quartiere di un pugile metropolitano. Il suo agire creativo è stato soggetto della tesi “Unipasca” di Elia Marchi, e tra i suoi ultimi progetti “Beat e Pennelli” che lo vede in sodalizio con Andrea Mi dj con il quale porta in giro uno spettacolo di contaminazione tra musica elettronica e pittura live.

In live painting

“Vedo la tela come un palco sul quale esprimersi… in maniera veloce e quando faccio i live painting porto la teatralità della musica nelle performance”. Sempre e comunque alla base della creazione c’è l’istinto che traduce in gesto pittorico il proprio pensiero, il proprio sguardo sulle cose e sul mondo. Come in trance, l’opera per Massimo Pasca non è frutto di una complessa operazione concettuale a priori ma è energia creativa che si accende ed esplode. Un’avventura, un rischio da correre per dirla citando Georges Braque. “Spesso non so cosa farò sulla tela, il più delle volte non ho un canovaccio, quello che per me conta più di tutto è l’improvvisazione, la sperimentazione”.

Come accade nel jazz. E a proposito di musica, da oltre dieci anni si esibisce con uno dei migliori gruppi di reggae italiani, i Working Vibes che ha contribuito a fondare, facendo da spalla a band quali Manu Chao, The Wailers, Bandabardo’ e Negrita firmando, per questi ultimi, l’illustrazione di copertina del disco Helldorado.

Gli piace definirsi un live painter perché ama realizzare performance pittoriche dal vivo, in contesti come festival e concerti che amplificano l’azione catartica che la pittura da sempre esercita su di lui. “Ho sempre disegnato partendo dall’astrattismo fino ad arrivare al fumetto guardando e ammirando artisti come Andrea Pazienza e Jacovitti” - racconta. Una predilezione per gli illustratori, ma anche una vera adorazione per artisti del calibro di Keith Haring ed Hieronymus Bosh, guardando alle straordinarie atmosfere metropolitane dei lavori del primo e al suo concetto di un’arte non elitaria ma per tutti, mentre di forte ispirazione è stato il magico universo pittorico del secondo.

Una mente piena di immagini

Il segno è una metafora meravigliosa – scriveva Andrea Pazienza. E con la matematica del segno si può raccontare il mondo. Porre interrogativi e far riflettere con una sola immagine. Nelle illustrazioni “Gnam Africa” e “Buon Natal”, ad esempio, con immediatezza riesce a rendere l’idea di quello che noi uomini abbiamo fatto al continente africano, depredandolo e riducendolo a “terzo mondo”. O con riti e tradizioni come il Natale, dissacrato dal consumismo sfrenato e svuotato appunto della sua sacralità, dell’importanza del messaggio cristiano di pace.

Anche in Pene d’amore, il cuore-pene che piange diventa ironica metafora del rapporto sentimento/sesso che va oltre la sfera privata dell’intimità ma diventa metro di giudizio e peggio ancora gossip e strumento per fare politica, nel bene e nel male… e, infine, contro la morbosità di un’informazione che sfora il diritto di cronaca con spirito più voyeuristico che di critica, significativo è il lavoro mostr-media dove è rappresentata una miriade di schermi-occhi che scrutano ossessivamente: un chiaro rimando alla pressione mediatica che suscitano certi terribili episodi di cronaca nera dove l’informazione corre, talvolta, il rischio di asservire l’orrore alle cifre di un audience che obbedisce più alla logica dei numeri che alla ricerca della verità. In tal senso la pittura di Pasca è anche impegno sociale, urgenza di comunicare il proprio pensiero facendolo affiorare attraverso la spontaneità del segno perché al di là del godimento estetico l’arte non è fatta in fondo per suscitare turbamento?

“La mia mente è piena di immagini, di linee ma avrò sempre la possibilità di improvvisare...” questo il segreto della sua arte che pur attraversando l’arte classica, il surrealismo e la pop art è soprattutto “poesia in senso lato… perché poetare vuol dire fare”. Ripercorrendo la strada già tracciata dai primi uomini che nei primi graffiti sulle pareti delle grotte rupestri racchiusero, forse senza saperlo, il senso alla vita.

In omaggio a Carlo Giuffrè

2010-12-03T10:18:00.000+01:00

Personaggi/ Aldo Giuffrè, il Salento e Antonio L. Verri

Quando, nell’ospedale san Filippo Neri di Roma, il 26 giugno 2010, Aldo Giuffrè (Napoli, 10 aprile 1924) spiccò il volo terminale della sua vita, non me la sentii di dire neanche una parola. Era troppo forte il dispiacere per la scomparsa di questo grande amico del Salento, che aveva amato questa terra come la sua Napoli, e che qui aveva trovato il modo di ritemprare il corpo e la mente, grazie alle cure della moglie leccese, con la quale aveva vissuto insieme (28 anni) giorni bellissimi della seconda parte della sua intensa vita di attore e di scrittore.

Un comico dell'Arte

Maurizio Nocera

Aldo Giuffrè amava il Salento, anche grazie al buon Antonio L. Verri che, con l’amico Giovanni Pranzo Zaccaria, aveva saputo proporre all’attore napoletano un magico orizzonte di questa terra favolosa. Si erano conosciuti di persona, come sempre a cena (luogo – Mocambo a Sternatia – e tempo preferito dall’Antonio, ma un po’ anche dallo stesso Aldo). Si scrivevano di tanto in tanto delle lettere poi, come ogni estate, quando Giuffrè ritornava a Lecce, il rituale incontro e lo scambio dei doni che, come sempre, consistevano in libri, giornali, fanzine, pieghevoli, voli, cene, altro ancora.

La sua voce per l'Italia liberata

Aldo aveva 86 anni (compiuti il 10 aprile 2010) e nella sua vita di attore aveva interpretato vari personaggi, prima nella compagnia del suo unico maestro Eduardo De Filippo (da lui ritenuto quasi un secondo padre), col quale aveva debuttato nel 1942 in “Napoli milionaria”, successivamente in “Filumena Marturano”, e poi anche in “Questi fantasmi”.

È noto che il 25 aprile 1945 fu lui ad annunciare dai microfoni della Rai di via Asiago a Roma la fine della seconda guerra mondiale e la liberazione dell’Italia dal nazifascismo. La radio fu per lui sempre una grande passione e non pochi furono i radioprogrammi che interpretò, fra cui vanno indubbiamente citati “La fidanzata del bersagliere”, “Il compleanno di Pinter”, “Il malato immaginario” di Molièrè. Importante la sua presenza anche in televisione [si ricordi “La figlia del capitano” (1965), “Le avventure di Laura Storm” e, come conduttore, il varietà “Senza rete” del 1973]; occorre ricordare pure alcune commedie interpretate assieme al fratello Carlo, soprattutto dopo il 1972, anno in cui insieme diedero vita alla compagnia “Il duo Giuffrè”, che in 15 anni crearono un repertorio del tutto rispetto con titoli come “Pascariello surdato”, “Francesca da Rimini”, “A che servono questi quattrini”, “La Fortuna con la F maiuscola”.

Come i comici dell'Arte

La morte ha colto Aldo Giuffrè in un momento in cui pensava ancora al lavoro che, ultimamente, consisteva nello scrivere romanzi, per di più di buona fattura.

Il fratello Carlo, dando l’annuncio alla stampa della morte, ha affermato: «Siamo stati come i comici dell’Arte, affiatati tra noi, capaci di dividere e affrontare con vitalità la buona e la cattiva sorte, soprattutto pronti a improvvisare in scena, a recitare a soggetto, a diventare autori per […] disperazione […]. Andavamo a leggere le commedie nelle case degli amici. [… Ho] perso più di un fratello, una parte di me e del vero teatro napoletano e italiano» (v. «Corriere della sera», 28 giugno 2010, p. 31).

Il “sosia” di Scarpetta...

Un altro suo amico sincero, Gigi Proietti, ha affermato: «Era un uomo pieno di allegria, sapeva essere leggero e anche elegante. Sempre spiritoso, napoletano nel modo migliore. A Napoli, dove si producevano molti sceneggiati, molto teatro in studio, siamo stati insieme giorni e giorni. Ricordo quanta compagnia ci siamo fatta. Lui mi raccontava la sua città, quella dell’infanzia, quella della giovinezza. Mi descriveva il modo di vivere, gli usi delle famiglie, i cibi, le ricorrenze. Mi accompagnava a vedere i posti, notando i cambiamenti, apprezzando i sapori di casa propria con inesauribile amore per Partenope e per la gente che la abita./ In particolare, di Aldo, al di là della bravura professionale e della vera dedizione al mestiere, ricordo la capacità di descrivere i “tipi” della Napoli che aveva conservato nel cuore. Un esempio? Andavamo in una trattoria dove l’oste somigliava a Scarpetta. Lui lo faceva rivivere, il grande attore padre dei De Filippo, spiando le mosse di quel sosia, sottolineandole, riproducendole a mio uso e consumo. Uno spasso. E anche un modo di tornare indietro nel tempo con una nostalgia positiva, incapace di deprimere il presente pur rimpiangendo certo passato di smalto e giovinezza./ Una brava persona, Aldo. Putroppo ci ha salutati per sempre. Un vero dispiacere» (v. «Il Messaggero», 28 giugno 2010, p. 19). Da parte sua Luca De Filippo, figlio di Eduardo, ha scritto: «Con lui se ne va un altro pezzo fondamentale di quella generazione di uomini di teatro, che ancora oggi restano il riferimento costante per noi che facciamo teatro» (v. Ansa, 28 giugno 2010).

Le “virtù” dell'umiltà

E Ida Di Benedetto, sua partner in “Rosa Funzecà”, ha affermato: «Aldo Giuffrè era straordinario. Era una di quelle rare persone nel nostro mondo in cui la grandezza dell'attore coincideva con la grandezza dell'uomo. Era dotato di quell'umiltà che ha solo chi è davvero grande e di quell'ironia di cui è capace solo chi è molto intelligente. […] Era rimasto grandissimo anche se non aveva più la sua voce straordinaria e per questo era stato un po' messo da parte. Mi ricordo una grande allegria sul set di “Rosa Funzecà”. Aldo era talmente felice che lo avessimo chiamato per recitare il ruolo dell'usuraio. La verità è che quando c'era lui, in teatro come al cinema, era sempre un gran divertimento: raccontava barzellette, faceva apprezzamenti sulla bellezza femminile, aveva un modo di raccontare aneddoti così ironico che stavamo ore a sentirlo. […] Una delle prime cose che ho fatto in teatro l'ho fatta con lui, era “Il giorno di San Michele” di Elvio Porta. Poi abbiamo fatto insieme anche altre commedie. Le tournèe con lui erano sempre un divertimento. Aldo era un essere umano ed una personalità artistica di altissimo livello. Ci mancherà moltissimo» (v. Adnkronos, 27 giugno 2010).

Anche il presidente della Repubblica Giorgio Napolitano, napoletano come Aldo Giuffrè, nel telegramma alla moglie Elena, ha scritto: «[…] figura di rilievo della scuola teatrale napoletana e personalità di particolare simpatia e grande correttezza nella vita pubblica e privata» (v. «Corriere della Sera», 28 giugno 2010, p. 31).

Per il Salento e per Antonio L. Verri

Ma qui, quello che a noi salentini interessa, è quanto ebbe a dire la moglie, la leccese Elena Pranzo Zaccaria, nel momento della perdita del marito: «[Aldo] amava il Salento. Sentiva il fascino di questa terra che è unico [… come] la sua passione era [pure] la musica. Quando sentiva un’orchestra accordare gli strumenti, Aldo si commuoveva. […]. Suo padre era stato un grande contrabbassista. Era scomparso troppo presto. E lui l’aveva cercato per tutta la vita, anche in quel suono. […] In casa, fino all’ultimo, io ero Antigone ma lui sdrammatizzava tutto. È sempre stato fondamentalmente uno scugnizzo» (v. Anita Preti, “Aldo Giuffrè / Attore italiano”, in «Quotidiano di Lecce», 28 giugno 2010, p. 27).

Scrive la moglie che Aldo Giuffrè amava il Salento. Noi ne abbiamo le prove, quelle che traiamo dalla lettura di una bella lettera che l’attore inviò al presidente della Provincia di Lecce in occasione della richiesta dell’indicazione di una personalità salentina da premiare. Eccola: «al Presidente della Provincia di Lecce// dott. Lorenzo Ria// In risposta alla Sua del 3 gennaio (2000) non nascondo che sulle prime ero convinto di non poterla accontentare nel segnalarla un nome degno di essere inserito nella rosa della prossima edizione del "Premio Salento". Ma poi l'occhio mi è caduto su un volume di “On Board” numero zero del 1990 - che conservo fra i ricordi più preziosi e cari - e nel mio ricordo è esploso il nome di Antonio Verri. L'ho conosciuto e subito ammirato totalmente. Non si esibiva, non ostentava il suo indiscutibile valore, quasi si nascondeva. Ma più si ritraeva e più mi dava modo di conoscerlo perché era proprio quella ritrosia che lo svelava./ Ho collaborato con lui una sola volta con un modestissimo scritto per quel giornale – “On board” appunto - che era una specie di "legione straniera": ricco di firme illustri ma anche di personaggi pressoché sconosciuti, ugualmente dotati di uno straordinario, personalissimo, bagaglio culturale.// Antonio Verri di Caprarica./ Di aristocratica origine contadina./ Poeta. Apostolo e dispensatore di quella cultura che migliora la vita./ Amico, fratello di Umberto Eco e di George Astalos, ma anche di tipi originali, eccentrici, fuori della norma, come Edoardo De Candia./ Ha tentato, con bel successo, di esportare la ricchezza oggettiva del Salento./ In un'epoca in cui la comunicazione del pensiero veniva affidata alle lettere, Antonio Verri ha intrattenuto fitta corrispondenza con personaggi della cultura di varie parti d'Europa. E molti di questi hanno conosciuto il Salento, hanno apprezzato il Salento, hanno amato il Salento (come Astalos per esempio) grazie al fervore con cui Antonio Verri gliel'ha raccontato./ Forse con la segnalazione del nome di Antonio Verri arrivo buon ultimo, perché suppongo che a molti di voi, a cominciare da Lei, sarà emersa alla mente la figura fulgidissima di questo straordinario figlio della terra salentina, che ha fatto in tempo a farcela amare con le sue luci e le sue ombre.// Cordiali saluti// Aldo Giuffrè// 28 febbraio 2000» (v. retrocopertina di Antonio L Verri, «On Noard», Cavallino, 2004).

In morte di Antonio

E prima ancora del 2000, Aldo Giuffrè, di Antonio L. Verri, in occasione della sua tragica morte sulla Cavallino-Caprarica di Lecce aveva scritto ad un amico la seguente lettera: «C’è, nella Puglia meridionale, una striscia di terra ricca di doviziosa storia e di rossi tramonti. È il Salento./ E c’è Antonio Verri che del Salento è l’elegiaco aedo./ Vivo, presente, appassionato, fibrillante, con l’abnegazione di sempre, continua a trasmettere il suo anelito. Fervido e meticoloso cronista e religioso missionario di questo lembo di terra – che è magia è luce è imponenza è fantasia è magnificenza è preistoria che incanta – Antonio continua a prodigarsi nel dividere con gli altri il suo prezioso bagaglio di conoscenza, a trasmettere agli altri questo universo affinché ne diventino figli e amanti./ In tanti, da tante parti, lo seguono sempre affascinati, sedotti e grati per il preziosissimo arricchimento. E tutti vogliono incontrarlo ancora per sentire ancora i benefici effetti della grande lezione./ E quindi ci corre l’obbligo – morale oltre che sentimentale umano sociale culturale – di tenere sempre accesa la sua fiamma per tener desta la memoria della sua gigantesca figura e tramandarla alle nuove generazioni, anche con la speranza di scovare, di individuare qualche suo potenziale discepolo e inculcargli quell’amore, quella fede, quella liberalità.// Aldo Giuffrè// maggio 1993».

I romanzi di Giuffrè

Improvvisamente, nel 2003, ma la storia sappiamo che covava in lui da tempo, Aldo Giuffrè si fece scrittore, pubblicando quasi contemporaneamente due romanzi: il primo, nel febbraio, con la EditriceErmes, “In viaggio con Amore” (con la prefazione di Domenico Rea ed un lusinghiero giudizio di Dacia Maraini); il secondo, nel settembre dello stesso anno, con la Guida editore, “Amici come prima”. Anch’io li lessi entrambi e ne feci due brevi recensioni, all’ultima delle quali, Aldo ritenne opportuno inviarmi una lettera (Roma, 5.02.2004), nella quale mi annunciava l’idea di un nuovo romanzo: «Da qualche giorno ho messo mano al terzo romanzo. Storia di un viaggio lungo, faticoso, disagiato, drammatico… Un camion scassatissimo, ai tempi della Repubblica di Salò, trasporta una scalcinata compagnia di guitti dell’Italia del Nord-Est all’Italia del Sud. Il titolo (“I Coviello, protagonisti in provincia”) dovrebbe (il condizionale è d’obbligo) contenere la tematica, cara a Pirandello, secondo cui la “provincia” non si riferisce a una posizione geografica ma a una “forma mentis”». Il romanzo come si sa vide la luce nel 2007, sempre edito da Guida di Napoli. Infine, sempre con lo stesso editore Guida, nel 2009, diede alle stampe il suo ultimo romanzo, “La meravigliosa storia di Antonio Maraviglia”, nel quale Giuffrè affonda il bisturi della memoria nell’inestricabile labirinto che è la vita.

La poesia... dagli uno sguardo

Una vita, quella di Aldo Giuffrè, piena di non poche cose, tutte degne di essere vissute: attore di teatro e di cinema, doppiatore, scrittore, e infine anche poeta. Nel 2005, in un incontro salentino per me indimenticabile, stavamo percorrendo le assolate strade del Salento, quando mi passò nelle mani un foglio dattiloscritto dicendomi «dagli uno sguardo». Era una sua poesia, questa: «La pace// La pace in un mondo devastato dall’odio./ La pace in un campo dove cresce solo gramigna./ In un cielo attraversato da avvoltoi./ In un mare infuriato di tempesta./ Uno sparuto gruppo di gente si muove e va a cercare la pace./ Ma dove?/ Nelle pozzanghere?/ In un terreno riarso, cosparso di bossoli?/ In una piccola bara bianca?/ Nel groviglio babelico di religiosi che sparano anziché pregare?/ Nei cuori induriti dei lutti?/ Nella lama d’un coltello?/ In un dito che s’accinge a tirare il grilletto?/ Dove andiamo a cercare la pace?/ In un striscione sbiadito su cui la parola “pace” si legge a stento,/ tanto è stata calpestata da un manipolo di forsennati che inneggiavano alla/ pace in ottusa obbedienza alle direttive di un partito politico?/ Marciamo verso la pace./ Marciamo verso la vita./ Non allontaniamoci, però, dai luoghi dove si semina la morte./ Perché è lì che dobbiamo parlare di pace. È lì che dobbiamo santificare la vita./ Siamo, l’abbiamo detto, uno sparuto gruppo di gente./ Siamo pochi. Siamo la minoranza./ Ma non siamo ancora indeboliti nella ferma volontà di andare a stanare la pace./ E forse non dobbiamo andare lontano./ La pace – se c’è – è dentro di noi./ E dunque è da qui che dobbiamo partire.// Aldo Giuffrè (22 gennaio 2005)».

Con la scomparsa di Aldo Giuffrè, il Salento ha perso un amico e sicuramente un suo grande estimatore.

Vittorio Bodini. La poesia della poesia

2010-11-13T20:02:00.000+01:00

Un fuoco che non si è visto ardere

Antonio Errico

Senza darsi tempo, senza darsi pace. Come con un delirio dentro, con una febbre addosso. Come se ogni giorno spalancasse un vuoto che doveva riempire ad ogni costo. Come se la memoria potesse esplodere all’improvviso, o minargli la mente l’afasia, come se un demone potesse rapinargli la fantasia, le visioni, il sentimento, i suoni, la ragione. Come se la parola potesse all’improvviso ordire il tradimento malvagio di una fuga dalle stanze segrete del pensiero, o potesse ritrarsi, rifiutarsi di agire in una forma, farsi approssimazione subdola, espressione inessenziale, artificio senz’arte, latitanza di senso, vacuo pleonasmo, ridondante maniera.

Ha paura: che ogni poesia possa essere l’ultima, che le parole s’ammutinino. Ha paura che ad un certo punto cominci “ un insolito modo/ con le cose di guardarsi/ d’intendersi/ scavalcando le parole/ in una vile dolcezza”. Ha paura che la parola non senta più il richiamo dell’esistenza, che questa non subisca più la seduzione stordente della parola. Delle parole non si fida. Sa che sono predisposte alla rivolta, che nascondono un’infedeltà connaturata. Sa che possono essere oro che riluce oppure moneta falsa, vuota risonanza, che a volte spalancano porte e a volte sbarrano cammini, negano destini, oscurano emozioni, alzano altari d’oro a falsi dei.

Allora scrive con un’ansia che lo stravolge, con l’ossessione che davvero ogni poesia possa essere l’ultima, che possa abbandonarlo senza preavviso, o che si svuoti di senso, si accartocci nel già detto, si recluda nel silenzio. Allora in ogni poesia vuole metterci tutto; in ogni parola, ogni sillaba, vuole metterci tutto: la rabbia, i presentimenti, il rancore, l’amore, le leggende, i ricordi, gli affanni, l’angoscia della morte, il capogiro della vita, tutte le storie possibili, le albe, i tramonti, le lune, gli amici, i discorsi, gli affanni di ogni giorno,i volti e le voci dei morti. Vuole metterci l’auto con la Olivetti e la bombola del gas, il suo bestiario, le sue cavalle, l’ alcool, le cravatte, la sua pena, il suo azzardo, l’intemperanza, il tormento, tutti i libri letti, i suoi vizi, il suo gioco, la bellezza, il basilico, i gerani, e quel cuore “ che voleva abbaiare/ tutte le notti/ alla luna e alle pietre”. Tutto in ogni poesia, in modo definitivo, irripetibile, incomparabile. Una musica che non ha paragoni. Pennellate di colori mai visti. La perfezione della forma non gli interessa. Gli interessa l’immagine inedita, assoluta. Gli interessa che in ogni poesia ci vada il caos dell’universo, l’imperfezione dell’umano. Gli interessa potersi sentire parte di quel caos, riflesso di quell’imperfezione.

Vittorio Bodini scrive con una costante sensazione della fine che lo insidia, come se avesse accanto l’ombra di un io sdoppiato che gli scandisce gli istanti, e lo incita, lo sfida, gli intima di far presto, gli ricorda, vilmente, che deve stare attento. Perché potrebbe non esserci un’altra possibilità di poesia, una proroga del privilegio della parola, perché potrebbe rompersi l’incantesimo che compenetra il verso e il respiro, la sillaba e il suono. L’ombra gli sussurra la minaccia insolente che il pappagallo “ dalle penne oro e verdi e una mania/ di contraddire”, a un certo punto potrebbe ammutolirsi.

Così scrive in modo frenetico, quasi volesse consegnarsi senza condizioni, darsi alla poesia in sacrificio, per poter avere ancora un dono di parole, per poterne sentire ancora il tintinnio e il dolceamaro sapore. Alla vita non chiede altro. Gli anni, le donne, i ricordi, il paesaggio, i racconti, hanno senso solo se si trasmutano in poesia, se riescono a farsi figure che gabbano il tempo, che leniscono, almeno un poco, la pena per la transitorietà meschina dell’ esistere.

Scrive “ senza mangiare, senza indirizzo”, con in cuore un sasso nero “ avvolto in stracci di parole”.

Scrive nella notte, per lasciarsi una poesia sul tavolo, come un biglietto di scuse diretto a se stesso, per domani. “ Se mi desterò” , dice.

Ha “ riserve di morte e di poesia”, Vittorio Bodini. Forse cose diverse, condizioni opposte. Forse ( probabilmente, inesorabilmente) la stessa cosa. Sono riserve che si porta in un bagaglio intimo, interiore. La morte e la poesia, confuse tra di loro, e poi confuse con la matassa della memoria, con i pro e i contro, con le contraddizioni, con le occasioni della vita, con tutte le sconfitte irrimediabili, le futili vittorie. Morte e poesia come limite, confine, esito ultimo, irreversibile, possibilità estrema. L’una e l’altra pensate sempre come evento indecifrabile, combinazione di mistero e di candore. L’una e l’altra che accadono indipendentemente dalla volontà, che sopraggiungono e non ammettono rifiuto. L’una e l’altra che si nutrono di assenza.

Vittorio Bodini interroga le assenze : a volte con pietà, a volte con disperazione, o con rabbia. E’ questa la sua struggente inchiesta, il suo accanito indagare, il tentativo smanioso di rivelare quale dolore sconquassi la vita delle creature, quale castigo divino sgretoli il paesaggio, chi sia “ l’immondo insetto, così pieno di malinconia”, che cosa sarebbe accaduto, come sarebbe stato, come saremmo stati “ se le cose fossero andare diversamente”.

La morte e la poesia si nutrono di assenze, e tutto precipita verso la morte, e tutto è cercato dalla poesia. Tutto, e prima di tutto se stessi: impastati di morte e di poesia. “ Nella poesia l’inganno della morte”. Così dice.

Dice che “ è con la propria morte/ che bisogna abitare, / la propria morte accettare/ come la vuota ombra/ d’un cane bianco, ritagliato/ nella carta velina/ che parte e torna/ dai suoi viaggi nel nulla”. Poi, ancora, dice – si dice, si domanda - : “ come farò a sapere / dove sono , fino a che punto sono morto/ o vivo/ le cose da lasciare/ e quelle da prendere”.

Davvero è questa la struggente inchiesta “sulla verità dell’essere”, condotta con lo strumento di una poesia che si strazia scavando nell’umanità dolente. Una scorciatoia: un’abbreviazione, forse anche una sintesi essenziale, senza alternativa. Un modo per tentare di arrivare prima perché il tempo è poco, è sempre di meno.

Umberto Saba: “ Scorciatoie. Sono – dice il Dizionario – vie più brevi per andare da un luogo ad un altro. Sono, a volte, difficili; veri sentieri per capre. Possono dare la nostalgie delle strade lunghe, piane, diritte, provinciali”.

Tra prosa e poesia, quest’ultima rappresenta la scorciatoia. Scrive Bodini in una prosa ( Firenze) : “ non ho mai avuto dubbi per la scelta, che era la poesia, nella cui parola ho sempre sentito la facoltà di rimuovere e trarre una luce definitiva, i sensi e i messaggi più insospettati, e una maniera più ellittica di conoscere la realtà, meglio adatta a una natura come la mia disordinata e impetuosa”.

Ecco. Una luce definitiva, quindi una lucida ragione, capace di dare una spiegazione agli impulsi e alle pulsioni. Il senso e il messaggio più insospettato, quindi la scoperta di una ulteriore significanza, nell’accezione che al temine attribuisce Roland Barthes di senso prodotto sensualmente .

Per Bodini la scorciatoia della poesia è un modo per saltare ogni passaggio intermedio tra la percezione e la conoscenza. Con la poesia brucia ogni premessa, ogni preambolo, qualsiasi digressione. Le parole prendono quella scorciatoia per arrivare ad una verità dell’essere che si mostra in tutto il suo enigma, in tutto il suo dramma, nella contorta ambiguità che richiama e frastorna o nella linearità dei fenomeni che fa spavento. La scorciatoia non consente indugi, distrazioni. Pretende un passo guardingo, una costante tensione. Allora ogni parola sprigiona energia. Ogni poesia è un processo di approssimazione, un procedere verso la comprensione di quella “verità dell’essere” che costituisce tanto una prospettiva conoscitiva quanto un’ urgenza esistenziale. Essere per capire. Capire per essere. Poi: scrivere chi si è ( stati), che cosa si è conosciuto, che cosa si vorrebbe conoscere. Penetrare la tenebra, dire lo sprofondo, il sublime, l’orrido, la colpa o l’innocenza.

Ma quella scorciatoia “ non ci ha portati lontano, / no davvero”, dice.

Il punto a cui arriva la poesia, per Vittorio Bodini non rappresenta una delusione ma una irrimediabile tristezza. Capisce che non rivela verità. Forse chiarisce un poco l’opaco, a volte, interroga la coscienza; la parola dà forma a pensieri d’ogni sorta, consola o inquieta l’insonnia, esprime pietà o desiderio, slarga i confini della realtà, abolisce distanze, ma tutto accade nella natura di una finzione; può rinominare le cose ma non può ricrearle; è strumento per un inventario, per una prefigurazione, per un consuntivo o un programma, scatena emozioni e passioni, ma di questo non può trovare e spiegare i motivi. E’ un colpo di dadi, un azzardo, una epifania dell’incredibile, una diserzione continua, un istinto imprevedibile, una straordinaria, miracolosa intuizione, una fantastica ribellione, ombra dilatata delle creature e delle cose, ma non creatura, non cosa, non ragione che riesce a conferire struttura alla storia interiore.

Non porta lontano la scorciatoia della poesia. “ Sì, qualche volta l’ebbrezza/ d’esser vicini a qualcosa/ ma in che rari momenti/ e a che prezzo/ d’insofferenze, di rotture/ d’ogni più delicata trama d’affetti”.

Ecco. La scorciatoia termina qui, dentro il vicolo cieco di questa quieta consapevolezza di precarietà, di finitezza.

A questo punto la sua poesia non ha più ansia. C’è quasi una rinuncia, una desistenza. Resta la memoria dell’ebbrezza, di un lampo di felicità per quel qualcosa – un sentimento, un’essenza - alla quale si è sentito vicino. Resta il rammarico per il prezzo che ha pagato, per la pena che ha sofferto, per quella trama d’affetti lacerata. Ha passato la vita a crescere parole, mentre non si accorgeva di tutto quello che accadeva intorno, che fioriva e che sfioriva. Probabilmente è questa la verità a cui porta la scorciatoia della poesia: la scoperta della cenere di un fuoco che non si è visto ardere.

Ora tutto diventa lontano, “ i volti amati si sfrondano/ delle loro vicende,/ non restano che i nomi”.

Diventa lontana l’infanzia e il grido dei fanciulli, la sua città con le mura grigie grigie, le piccole figlie di puttana spidocchiate dalle madri in via De Angelis, è lontana Madrid e “lo stagno senza viole/ dove morì Pilar”, è lontana Ninetta, Isobel è lontana, Valentina è lontana; sono lontani i caffè, la smania di esistere, le calde forme del passato, e i brividi lucenti, e i cieli dell’avventura, le donne da leggere e i libri da accarezzare, la fidanzata fantasma che “ si pettinava i capelli sulla lunghezza d’onda d’un telefono in fiore”, il gettone del sole che tramonta, i profili delle nuvole, i carri lenti, il pianto di un bambino a Bari vecchia, le poesie scritte alla luna, tutto diventa infinitamente lontano, si raggruma nel terribile dolore della lontananza.

Certamente avrà pensato alle ultime parole del suo Don Chisciotte , quando Sancho Panza dice ad Alonso Quijano che la maggior pazzia che un uomo può fare in questa vita è di lasciarsi morire così, su due piedi, senza che nessuno l’uccida e non lo finisca altra mano che quella della malinconia.

Ma con un’amarezza e una malinconia che contagiano ogni espressione del creato, Bodini adesso dice: “ odio financo il delicato verde dell’estate/ che attornia le mie finestre”.

Financo. Un avverbio che traduce la condizione dell’estremo, che spacca in due il guscio del concetto, e rivela il sentimento dell’odio, ad un tempo viscerale e razionale, verso tutto il resto, verso tutto l’universo. L’odio diventa ancora più greve e irrimediabile nel contrasto con l’espressione della delicatezza, che forse costituisce un conscio o inconscio rammarico. Per un’ associazione di sensibilità viene da pensare a quei versi della “Chanson de la plus haute tour” di Arthur Rimbaud che dicono : “ Oisive jeunesse/ à tout asservie/ par délicatesse/ j’ai perdu ma vie”. (Oreste Macrì parla di questa délicatesse a proposito della “ Canzone semplice dell’esser se stessi”, e di quei versi : “ io fuggo da ogni cosa delicatamente ./ Provo a essere solo. Trovo/ la morte e la paura” ).

Alla fine scompare anche la paura. Rimane solo la condizione di una morte attesa , quasi come speranza amara, spossata. “Venga la mano di chi so e liberi/ dall’angoscia i miei risvegli”.

La sua stagione poetica tramonta così: con un linguaggio che confessa tutta la sua stanchezza, che vuole essere minimo e nitido, distante dall’immaginario favoloso, dalla fantasia sfrenata che costituisce l’inconfondibile identità della poesia di Bodini.

Ma di quali risvegli parla Vittorio Bodini. Forse dei reali risvegli dai suoi sonni ( dai suoi sogni) lividi, angosciosi. Forse dei risvegli dal sogno entusiasmante e inquieto di una poesia con la quale voleva arrivare a verità che non ha mai raggiunto, perché sono irraggiungibili. Forse – probabilmente – la parola risvegli contiene le stratificazioni semantiche di tutto questo. Perché Vittorio Bodini ha mischiato le carte della poesia e della vita, fino a non riuscire a distinguere più quali fossero quelle che si giocano con la vita, quali quelle da giocare con la poesia. Non ha saputo distinguere, Vittorio Bodini, la natura del sangue e quella dell’inchiostro, che cosa fosse un tramonto e cosa un verso che scriveva il tramonto, la differenza che c’è tra la luna che si guarda con stupore e lo stupore di abbracciarla con una sola parola.

Talvolta accade che non si riconoscano le differenze, che non si sappia distinguere. Ai poeti veri talvolta accade. Perché ai poeti veri a un certo punto accade di scoprirsi solo uomini che sentono freddo.

ROCKMAN - il trailer

2010-11-12T17:13:00.000+01:00

Una chiesa a "fumetti"

2010-10-07T09:30:00.001+02:00

Il cantiere dell'arte nuova Luigi Manni

2010-10-07T09:30:00.000+02:00

Libri/ “La chiesa di Santo Stefano di Soleto” di Luigi Manni, Mario Congedo Editore

Il volume sarà presentato oggi, giovedì 7 ottobre, nella chiesa Maria SS Assunta, in Piazza Cattedrale a Soleto. Interverranno con l'autore il sindaco Elio Serra, i professori Giancarlo Vallone e Francesco G. Giannacchi

La chiesa di Santo Stefano (XIV-XV sec.) sorge nel centro di Soleto, capoluogo in epoca angioina della contea di Raimondo del Balzo di Courthezon, poi di Nicola Orsini e, fino al 1406, di Raimondello Orsini del Balzo. La contea era unitariamente circoscritta, con i corpi feudali di Soleto, Galatina, Sternatia e Zollino, in una vasta coinè grecanica alloglotta di tradizione bizantina, oggi ridotta ad un’enclave conosciuta come Grecìa salentina, situata a sud di Lecce, nel cuore del Salento. Santo Stefano, come tutte le opere d’arte, si configura in “un modo di vivere, un punto di vista, un tipo di rapporto con la vita sociale, una posizione di ordine culturale, politica, ideologica, religiosa”. Posizione egemonica, secondo Mario Cazzato, e, su un piano strettamente simbolico, la dimostrazione inconfutabile del ruolo raggiunto da Soleto nel Salento bizantino. Non solo, quindi, una storia di materiali, stili, artisti e referenti formativi – capitolo certamente rilevante della pittura tardogotica di Santo Stefano –, ma anche un approccio culturale più complessivo, già tentato da Sergio Ortese lungo le rotte culturali dei cantieri cosiddetti “minori”. La ricostruzione della dimensione spaziale, umana e temporale in cui si sono svolti i fatti e della “rete di relazioni microscopiche che ogni prodotto artistico, anche il più elementare, presuppone”, ha naturalmente tenuto conto dei fatti artistici e degli aspetti religiosi, cultuali e liturgici, connessi con le immagini degli affreschi e con gli elementi architettonici, recentemente affrontati da Michel Berger e Andrè Jacob. Al netto, tuttavia, di alcune improbabili ipotesi interpretative degli elementi plastici e dei brani pittorici. Lo stemma, da me individuato e attribuito con molta probabilità all’arcivescovo di Otranto, lo scismatico Guglielmo; l’altro degli Orsini del Balzo, scoperto da Luigi Galante e gli spogli documentali compulsati da Gino L. Di Mitri, aprono squarci inediti sulle vicende fondative e sulla cronologia di Santo Stefano; su Raimondello Orsini del Balzo, committente del piano d’opera e su Giorgio de Tullie, rettore della chiesa sino alla metà del Quattrocento. Lo scenario artistico della contea di Soleto venne profondamente influenzato dal grandioso cantiere tardogotico di Santa Caterina di Galatina, anch’esso allestito da Raimondello nel 1385. L’arte nuova, abbandonati i modi di stretta referenza bizantina, entrò anche nella chiesa di Santo Stefano, soprattutto nei primi decenni del Quattrocento. Qui i frescanti, pur rimutando “l’arte di dipingere di greco in latino”, si trovarono – questa è la contraddizione – a spalmare i freschi sulle pareti di una chiesa pensata e costruita con un impianto architettonico di derivazione bizantina e ad accompagnarli con iscrizioni esegetiche greche, in questa sede trascritte da Francesco G. Giannachi e ordinate in una guida dell’intero corpo epigrafico. Ma la vera sorpresa, al di là della nuova cifra stilistica e di alcune singolari iconografie, sta nell’esemplare messaggio cristiano racchiuso tra le pieghe del colore. Gli affreschi, letti in chiave iconologica, ai fedeli ellenofoni che entrarono in chiesa per pregare, offrirono una spettacolare e scenografica rappresentazione escatologica del loro destino. Una via per la salvezza, tra visioni teofaniche, vite leggendarie di santi, alati cherubini, Cristi-sapienza e Cristi-crocifissi, Madonne amabili e Madonne dolorose, miracoli, stragi, conversioni, inferni infuocati e beati paradisi. Una storia tutta da raccontare.

La musica delle pietre

2010-09-27T11:44:00.000+02:00

Archeologia/ Il suono segreto del megalitismo

Stefano delle Rose

L'archeologia accademica tende a relegare il fenomeno del megalitismo in un periodo che va da IV al II millennio a. C.; in realtà, grazie alle scoperte di ricercatori indipendenti e appassionati, questa datazione si può arretrare fino al 10-15000 a. C.

Le pietre leggere

Un dubbio però, ancora non chiarito, è come sia stato possibile che in tutto il mondo, culture diverse tra loro e senza contatti reciproci, abbiano utilizzato la stessa tecnica costruttiva, ossia l'uso di enormi blocchi in pietra, il cui peso spesso superava le 100 tonnellate; gli esempi di costruzioni megalitiche sono numerosi: dalla Bolivia, con la perduta città di Tiahuanaco, che un tempo sorgeva sulle sponde del Lago Titicaca, alle Piramidi in Egitto; e ancora, i templi maya e le città fenice di Tebe, Delfi, Micene, Tirinto.

A noi più familiare risultano la civiltà nuragica in Sardegna, quella Etrusca e nel Salento i popoli pre - Messapico e Messapico. Che si tratti di templi, mura, piramidi, menhir, tutti questi popoli sono accomunati dall'uso di enormi pietre, megaliti appunto, nelle rispettive costruzioni.La prima reazione di fronte a queste costruzioni è quella di chiedersi perché siano stati utilizzati enormi e pesanti blocchi e non tagli più piccoli e maneggevoli e come siano stati spostati, le teorie sono molte e diverse tra loro, ad esempio si teorizza l'intervento di civiltà aliene dotate di tecnologie avanzatissime superiori alle conoscenze e ai mezzi utilizzati dall'uomo di quel periodo. Personalmente ritengo un errore continuare a teorizzare usando come parametri le conoscenze e le tecnologie oggi a noi note, sarebbe molto più utile e produttivo riuscire a ragionare in base a ciò che l'uomo dei megaliti aveva sicuramente a disposizione e cioè la natura e la sua energia.

Sentire le “energie”

I nostri antenati erano perfettamente in grado di sentire le diverse energie di cui erano circondati come fossero informazioni ed erano capaci di gestirle e utilizzarle, essendo l'unico modo di sopravvivere. Oggi abbiamo perso tali capacità, avendole affidate alla tecnologia; calendari, orologi, telefoni, antenne sono le nostre energie informanti.

La fisica moderna ha ampiamente dimostrato il carattere vibratorio dell'energia, in qualsiasi forma essa si presenti. In un'ottica vibrazionale, il pensiero è facilmente rivolto al suono quale più facile e immediato strumento per creare energia e dal suono prendiamo a prestito un altro concetto che è quello della risonanza. Nell'Universo tutto risponde al principio della risonanza, ogni forma di energia è in grado di rispondere ad una frequenza simile alla propria.

Possiamo quindi affermare Energia = Vibrazione = Risonanza, sulle quali si basa non solo la musica ma ogni forma di energia attorno a noi e in qualsiasi stato: solido, liquido, gassoso, quindi anche pensieri, colori, odori e naturalmente, suoni.

Le frequenze della Natura

Numerose sono le terapie basate sull'uso di determinati suoni o musiche, sia antiche sia moderne.

In tutte le più antiche culture e tradizioni, a tutte le latitudini, troviamo riferimenti al suono come al mezzo di avvicinamento a Dio o all'Universo, si pensi ai mantra, al canto gregoriano, al suono di una campana. Facciamo un passo indietro e mettiamoci nei panni di un costruttore di megaliti; abbiamo già evidenziato come egli fosse in grado di interagire con le frequenze della natura e quindi risulta logico ipotizzare che fosse anche in grado di riprodurre tramite un suono l'esatta frequenza di risonanza della pietra con cui lavorava.

Nel momento in cui la pietra riceve la giusta frequenza, inizia a vibrare liberando energia, risultando facilmente trasportabile o manovrabile.

Un aspetto poco noto e poco studiato del megalitismo è il suo rapporto con questa determinata forma di energia che è il suono, interpretando quest'ultimo come la primordiale forma di espressione energetica esprimibile dall'uomo. Ma quale sarà la frequenza segreta del megalitismo?

Il primo approccio è legato al materiale, che nel caso del Salento è il calcare con il quale vennero eretti menhir, dolmen e mura e nel quale furono scavate grotte, ipogei, chiese rupestri, attraverso lo studio delle caratteristiche chimico-fisiche dei minerali che lo compongono. Ma altrettanto importanti sono anche la forma e le dimensioni del manufatto oggetto di studio.

Per quanto riguarda il suono, si sta procedendo sia con suoni espressi a voce, in particolare con il canto armonico, che attraverso suoni prodotti da tecnici specializzati nel campo della musica. Come si può capire è fondamentale un approccio multidisciplinare in cui fisica, chimica, musica e tecniche energetiche antiche, operano con l'unico obiettivo di entrare in risonanza con il megalitismo salentino.